Conocer los intervalos musicales es fundamental para poder entender y practicar otros contenidos de lenguaje musical, como tonalidades y acordes.
La anterior tabla, de Almudena Pérez, muestra la clasificación más básica de los intervalos, según su número, dirección, disposición, separación y, por último, la distancia entre sus notas. Bajo mi punto de vista, es suficiente con entender estos conceptos. Con mi alumnado no le otorgo importancia más allá que su razonamiento. Es preferible trabajarlos auditivamente y, en mi opinión, empezar por las armaduras y tonalidades.
Respecto al primer punto, la audición, os recomiendo visitar mi publicación «Reconocer intervalos musicales con canciones conocidas«, donde he hecho una selección de vídeos con ejercicios muy variados de entrenamiento auditivo. Por experiencia, la mejor forma de aprenderlos es escribir y escucharlos, a través de este tipo de vídeos y actividades interactivas o tocándolos directamente con un instrumento melódico.
Los intervalos también son muy importantes para hallar las tonalidades relativas. Las tonalidades relativas Mayores y menores están a distancia de una 3ª menor, y cada pareja comparte la misma armadura.
Cliquea en la imagen para descargar los apuntes
Como le explico a mi alumnado, imagínate que la tonalidad relativa Mayor es el hermano mayor, la tonalidad menor el hermano pequeño y la armadura son los padres. Es una forma de encontrar y razonar el vínculo entre todos estos conceptos.
Precisamente, el intervalo de 3ª es el que nos da la clave en la formación de los acordes Mayores y menores. Tengo varias publicaciones sobre acordes que te invito a visitar. En ellas podrás ver el tipo de fichas que realizo con mi alumnado, siempre muy diversas: unir con flechas, completar acordes, rodear la inversión… Hay muchas formas de tratar el mismo tema. E insisto en la importancia de tratarlo auditivamente.
Búscame en mis redes sociales, donde comparto más recursos musicales para todas las edades y con temáticas para todos los gustos. ¡Hasta la próxima!
Todos conocemos la canción infantil «Debajo un botón». Propongo diferentes actividades para que todos la podáis disfrutar, de una u otra forma.
Lo primero es la música. ¡Anímate a cantarla! Recuerda que en esta publicación tienes muchas más canciones infantiles, para todos los gustos y con temáticas muy variadas. ¡No te lo pierdas!
Me gustaría proponer las opciones presentadas por Cosquillas musicales:
cantar «Debajo un botón» e ir cambiando la voz según las emociones que escojamos (tristeza, sorpresa, enfado, alegría…).
con percusión corporal: en «ton ton ton» percutir con las manos en los muslos, y en «tin tin tin» tocar la punta de la nariz con el dedo.
podemos complicar la versión anterior: los niños lo interpretan a la inversa: el «ton ton ton» en la nariz y el «tin tin tin» en los muslos, mientras los padres (o profes) respetan el punto anterior, de forma que pueda causar alguna confusión y, seguro, echaros unas risas.
cantar mentalmente (sin emitir sonido) «debajo un bo-«, y cantar y percutir «ton ton ton». Realizar lo mismo con la siguiente frase.
https://youtu.be/FW2DS2Paw78
Si estás con más familiares y amigos podéis dividiros en dos grupos: el primero toca con percusión corporal el «ton ton ton» y otro el «tin tin tin». La percusión corporal se puede sustituir por la interpretación con algún instrumento, objeto sonoro (cucharas, tapas de ollas, calzado, etc.) e incluso con silencio (supresión de esas sílabas).
He creado el siguiente musicograma, formado por gráficos o dibujos que representan los diferentes elementos que intervienen en esta obra musical. Ayuda a comprender la música, a mirarla y a escucharla de forma activa. No sustituye a la partitura convencional, sino que la complementa. Esta metodología fue creada por el pedagogo Jos Wuytack para enseñar a escuchar música clásica a niños y jóvenes sin conocimientos musicales. Cliquead en la imagen para descargar el archivo.
¿Sabes tocar algún instrumento? Perfecto, ésta es tu gran ocasión. Aquí tienes la partitura para tocarla, cantarla y compartirla con quien quieras. Cliquea en la imagen para descargar «Debajo un botón». Te recuerdo que ésta es una iniciativa propuesta por COAEM. Proponen interpretar cada día una canción y compartirlo en las redes con el hastag #musicaviral.
Dependiendo de la forma en que cantéis esta canción, variará la duración, la altura de las notas, el volumen e incluso el timbre (voz masculina, femenina o infantil). Por eso, os propongo una actividad más compleja relacionada con los términos anteriores: las cualidades del sonido.
Seguid mi proyecto a través de mis redes sociales, donde comparto más contenidos y recursos para todas las edades y niveles.
En esta ocasión hago, más que nunca, homenaje a mi lema: recursos musicales para todas las edades. Empieza la primavera, la protagonista.
Vivaldi es, junto con Bach o Haendel, uno de los compositores más importantes del Barroco. Nació en Venecia. A él le debemos, entre otras, haber establecido las pautas del concierto tal y como entendemos este género musical hoy día. El concierto como género musical es una obra instrumental, organizada en movimientos en la que se establece un diálogo entre un solista o solistas (lo que llamamos solo) y una orquesta (tutti). En el caso concreto de Las Cuatro estaciones una orquesta de cámara y violín.
ACTIVIDADES INFANTILES
Para los peques de la casa propongo el siguiente vídeo y un puzzle sencillo. Si estás interesado en más canciones infantiles te recomiendo que visites esta página.
Es un puzzle sencillo, con sólo 12 piezas. ¿Te atreves a descubrir la imagen primaveral?
AHORA ABRID BIEN LOS OÍDOS Y PRESTAD ATENCIÓN
Fue Vivaldi quien estableció la estructura de los conciertos en tres movimientos, en tres partes diferenciadas con entidad propia cada una de ellas, siendo el primero y el tercero de estos movimientos rápidos y el intermedio lento. Escuchad el primero de estos conciertos, La primavera, pensando en esta división de movimientos. El primer movimiento va hasta el minuto 3’36; el segundo, el lento desde 3’36 hasta el min 6’30 y el tercero del 6’30 hasta el final.
SUBIMOS DE NIVEL
Al igual que las otras actividades el siguiente juego de Genially guarda relación con la «Primavera», de Vivaldi. Dicha obra está escrita en la tonalidad de Mi Mayor, que es la de la primera pregunta. Fíjate bien, porque en caso de que la respuesta sea incorrecta te caerás. ¡Suerte!
Si quieres trabajar más contenidos similares a éste no dudes en visitar la nueva sección de actividades interactivas.
¿TE HAS QUEDADO CON GANAS DE MÁS?
Por último, para quien quiera dedicarle más tiempo a esta obra, os propongo el siguiente análisis de Jaime Altozano.
También puedes seguir mi proyecto a través de las redes sociales.
Día Internacional de la Mujer: cuestiones políticas aparte, quiero dedicarle esta publicación a todas las mujeres, hoy, día 8 de marzo.
Un 8 de marzo de 1857, un grupo de obreras textiles tomó la decisión de salir a las calles de Nueva York a protestar por las míseras condiciones en las que trabajaban. A partir de entonces distintos movimientos se fueron sucediendo.
El 5 de marzo de 1908, Nueva York fue escenario de nuevo de una huelga polémica para aquellos tiempos. Un grupo de mujeres reclamaba la igualdad salarial, la disminución de la jornada laboral a 10 horas y un tiempo para poder dar de mamar a sus hijos. Durante esa huelga, perecieron más de un centenar de mujeres quemadas en una fábrica de Sirtwoot Cotton, en un incendio que se atribuyó al dueño de la fábrica como respuesta a la huelga.
En 1910, durante la Segunda Conferencia Internacional de Mujeres Trabajadoras celebrada en Copenhague (Dinamarca) más de 100 mujeres aprobaron declarar el 8 de marzo como Día Internacional de la Mujer Trabajadora. Actualmente, se celebra como el Día Internacional de la Mujer y ese día es el precisamente hoy.
CORTOS PARA EDUCAR EN VALORES. LA IGUALDAD EMPIEZA EN CASA.
Origen del Día de la Mujer:
El título del siguiente corto es Dragonboy y lo firman Lisa Allen, Bernardo Warman y Shaofu Zhang como proyecto final de su estancia en la Academy of Art University. La historia nos narra la representación en un teatro de un cuento clásico en donde sus protagonistas son un bello príncipe, un “fiero” dragón y una bella y dulce princesa subida a una torre. Todo nos hace pensar que estamos ante una batalla de honor, ante una preciosa historia de amor en la que el bello príncipe tendrá que sacar todo su valor para rescatar a la princesa pero…
Aunque sí es una preciosa historia de amor, en esta ocasión ni la bondad la representa el príncipe ni la princesa necesita ser rescatada. Más bien todo lo contrario. Y es que hoy en día los roles han cambiado. Un bonito corto para hablar con nuestros niños sobre la igualdad de género e intentar desterrar muchos de los perjuicios que, aunque parezca mentira, siguen teniendo.
Sobre la igualdad de género:
Cambiar los papeles, modificar y eliminar estereotipos machistas es lo que nos ofrece esta maravillosa fábula. Nació con la intención de revisar el lugar que ocupaba la figura femenina en la familia y en la sociedad. 40 años después, y aunque algo hayamos mejorado, seguimos necesitando cuentos y vídeos como Una feliz catástrofe que nos ayuden a reflexionar con nuestros chavales para llevarnos hacia una sociedad verdaderamente igualitaria.
¿Por qué hay pocas mujeres compositoras? La música y las mujeres eran una mezcla explosiva para las mentalidades antiguas.
La música y las mujeres eran una mezcla explosiva para las mentalidades antiguas. Esta miope convención fue la responsable de que durante siglos el género femenino quedase al margen de la composición musical (que no de la interpretación), con lo que nunca sabremos cuántos talentos podrían haber sido y no fueron.
No obstante sí hubo algunas mujeres que lograron superar los prejuicios. La monja alemana Hildegarda(siglo XII) nos dejó decenas de piezas musicales religiosas.Las escasas compositoras modernas florecieron en ámbitos puramente musicales: Clara Schumann fue hija de un profesor de música y esposa de Robert Schumann; Fanny Mendelssohn, hermana de Félix Mendelssohn; Marianne Mozart, hermana de Wolfgang Amadeus; Alma Mahler, esposa de Gustav Mahler, etc. No fue hasta el siglo XX cuando empezó a liberarse el verdadero potencial femenino para la creación musical.
Liubov Popova (1889 – 1924): pintora rusa asociada a las vanguardias de la época revolucionaria. Se distinguió por sus composiciones arquitectónicas, y entre sus principales influencias estuvo KazimirMalévich. En 1921 firma un manifiesto para el abandono de la pintura de caballete y declara que “la organización de los elementos de la producción artística debe volver a la puesta en forma de los elementos materiales de la vida, es decir, hacia la industria, hacia lo que llamamos la producción”.
«The pianist» (1915)
Berthe Morisot fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista: Tras ella llegarían nombres como Marie Bracquemond o Mary Cassatt. Fue modelo y amiga de Manet, además de su cuñada -se casó con su hermano Eugène- y tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés exponiendo junto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet. Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie’s, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares.
Cuadro «Detrás del desayuno»
Esther Ferrer (1937-): artista interdisciplinar española, nacida en San Sebastián, con una obra centrada en elarte de la performance . Está considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación. La siguiente imagen, realizada por ella misma, representa a una mujer desnuda en blanco y negro que expulsa monedas a color por la boca. Simboliza todo lo que dependemos del dinero, que en la vida lo importante es el dinero (al representar el dinero a color y a la mujer en blanco y negro). Critica esta sociedad consumista que para realizar cualquier cosa necesitamos dinero, hasta tal punto que muchas veces se pone por delante el valor material que el valor humanista.
Crítica a la sociedad consumista
Laurie Anderson (1947-) es una cantante, violinista, poetisa, dibujante, compositora, directora de cine, y artista experimental de performance estadounidense cuya obra se extiende por el arte del performance , la música pop y proyectos multimedia en unos espectáculos en el que combina música, proyecciones y reflexiones irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la civilización occidental moderna en su conjunto.
Pionera de la música electrónica ha inventado varios dispositivos que utilizan en sus grabaciones y conciertos en directo como el violín de arco de cinta. Formada inicialmente en el violín y la escultura, Anderson llevó a cabo una variedad de proyectos de arte de performance en Nueva York durante la década de 1970, haciendo uso particular del lenguaje, la tecnología y las imágenes visuales. En 1981 su single O Superman llegó a ser segundo en las listas de éxitos del Reino Unido, dato bastante reseñable para alguien surgido de la vanguardia neoyorkina y que no realiza concesiones.
MUJERES PODEROSAS EN LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA
María Isabel Ramírez: directora de márketing Sony Music región Andina, ha triunfado con las carreras de Shakira, Carlos Vives, ChocQuibTown, Monsieur Periné y más.
Directora de márketing de Sony Music (región andina):
Mercedes Montejo: en quince años en la industria ha trabajo junto a Miguel Bosé, David Guetta, Alejandro Sanz y otros.
Gerente general de Warner Music (región Andina):
Diana Rodríguez: CEO de Criteria Entertainment, fue la primera mujer en encabezar una compañía discográfica en Estados Unidos en 2010.
Leila Cobo: directora ejecutiva de contenido latino de ‘Billboard’, pianista clásica de profesión. Es la guía de la música latinoamericana en los Estados Unidos.
Karen Vinasco: hoy tiene a Candela Estéreo en primer lugar y a Vibra Bogotá entre las 10 primeras en la capital. Es vicepresidenta del Grupo Radiópolis.
Luz Ángela Castro: ella y su equipo han hecho conciertos nunca antes posibles en Colombia como Madonna, U2 y Bruno Mars.
Directora de Ocesa Colombia
Mariangela Rubbini: es considerada la gran curadora de la cultura popular de los últimos años en el periodismo musical. Es directora de la revista «Shock».
Gisela Forero: es quien administra derechos patrimoniales y cuida los derechos de las obras de los compositores. Es gerente general de Sony/ATV Music Publishing».
Adriana Padilla: es directora de Industrias Creativas y del Bogotá Music Market. Ha sido clave en la formalización del músico como empresario.
Paola España: maneja las relaciones públicas de Maluma, Carlos Vives, ChocQuibTown y una docena de artistas.
Hoy se celebra el aniversario del nacimiento deRosalía de Castro, una de las figuras indispensables del panorama literario del siglo XIX.
Rosalía, (Santiago de Compostela, 24 de febrero de 1837-Padrón, 15 de julio de 1885), devolvió al gallego su carácter de lengua culta, fue precursora de la poesía española moderna y del existencialismo y una pionera del pensamiento feminista. En sus obras reflejó la situación de esa Galicia más dolorida y maltratada, desangrada por la emigración.
Denunció la pobreza del campesinado gallego o la precaria situación laboral que sufrían algunos de sus habitantes fuera de la comunidad. A efectos históricos, su obra se convirtió en el primer canto de referencia para una Galicia que se transforma. Su obra supuso la recuperación de la conciencia galleguista.
Rosalía de Castro de Murguía
En el siguiente vídeo podéis escuchar al dúo «Cordófonos», formado por Carlos Méndez (contrabajo) yAlejo Amoedo(piano) interpretando una preciosa adaptación de la balada gallega «Negra Sombra» de Juan Montes y Rosalía de Castro. Fue grabada en otoño de 2004 en el auditorio del Archivo de Música Vasca «Eresbil», Errenteria.
En palabras de Alejo Amoedo Portela:
«Esta gravación foi feita en directo e de «bis», nun concerto de música Vasca, no arquivo «Eresbil» en Errentería, e o mais emocionante, foi que Carlos Méndez (o contrabaixista da Real Filarmonía, que e Vasco), recitou os versos de Rosalía e o público quedou en silencio un gran rato unha vez terminada a peza».
El aniversario del nacimiento de Rosalía de Castro multiplica las celebraciones de su obra. Puedes acceder a más información a través de este enlace.
Y, de regalo, en homenaje a Rosalía de Castro y a la cultura gallega en general, las partituras para piano de tres canciones populares gallegas: «A Virxe de Guadalupe» («A Rianxeira»), «A saia da Carolina» e «Tireiche unha laranxiña».
La rianxeira era una barca pequeña de madera de naranjo la que llevó a la virgen de Guadalupe a la villa de Rianxo. Además de ser una de las muchas canciones que hacen referencia a las olas que van y que vienen, se ha convertido en un himno de Galicia.
Ésta fue la primera grabación en España de la canción «A Virxe de Guadalupe», llamada hoy por algunos «A Rianxeira». Aunque es mucho más antiguo el primer título, ninguno es el original. Fue compuesta en el año 1947 y cantada por primera vez en público un año después por el Coro Castelao, de la ciudad de Buenos Aires. La canción se llamaba «Ondiñas da nosa ría», y su estreno oficial no fue hasta 1950, cuando se cantó para recibir a Castelao en Buenos Aires. La grabación más antigua que se conserva de esa versión original es la siguiente:
La música de «A Rianxeira» fue compuesta por el emigrante rianxeiro Anxo Romero Loxo, quien por entonces dirigía la Rondalla Castelao en la ciudad de Buenos Aires. La verdadera letra, la original, escrita por Xesús Frieiro Dourado, «Pinciñas», y que es con la que se cantó originalmente en su estreno, no tenía casi nada que ver con ninguna de las que se suelen cantar hoy popularmente.
Placa conmemorativa a los autores de la canción
El tema fue compuesto para el recibimiento del rianxeiro Alfonso Daniel Manuel Rodríguez Castelao, político, pintor y escritor, autor del libro “Sempre en Galiza”, obra fundamental del nacionalismo gallego, que llegaba a Buenos Aires en 1940. Frieiro nació en 1915 en Argentina, un radiólogo hijo de rianxeiros y Romero nació en Rianxo en 1905 y emigró con 24 años a Argentina, donde fue carpintero.
Romero y Frieiro, se conocieron en el local de la Sociedad Parroquias Unidas de Rianxo en Buenos Aires, en el que realizaron juntos una intensa actividad cultural. Fruto de esta gran amistad, Anxo Romero se casó con la prima de Frieiro, Concepción.
Debido al éxito popular, la RCA Víctor decide grabar un disco de 78 rpm con el tema. Esa primera grabación de la canción data de 1950 con el sello RCA Víctor y bajo el título «Ondiñas da nosa ría», interpretada por el mismo «Coro Social de la Sociedad de Rianxo» que dirigía Romero y que cantó a Castelao.
La historia de cómo llegó a Galicia es muy peculiar. En el año 1950, Rosa Rial, vecina de Rianxo, regresaba a casa desde Argentina y Andrés Lojo, al enterarse no dudó en coger una copia del disco en el Centro Gallego y llevársela a Rosa al barco que estaba a punto de partir.
Rosa era hermana de Feliciano Rial, que acababa de abrir una taberna con su nombre en 1946 en la Rúa do Medio de Rianxo. Feliciano era además patrocinador de la fiesta de la Guadalupe que se celebraba en Argentina: ponía un anuncio de su bar en los carteles. En el balcón del bar Feliciano de Rianxo, el único que tenía gramófono en la época, se pudo escuchar “A Rianxeira” por vez primera.
Esta era la letra original:
Moito me gustas, rianxeira/ que estás aquí na Arxentina/ vouche cantar e bailar/ como alá na terra miña.
Ondiñas veñen, ondiñas veñen/ ondiñas veñen e van/ non te embarques Rianxeira/ que te vas a marear.
Qué guapa estabas, rapaza/ cando te vin na Ribeira/ tíña-la cara morena/ coma a Virxe Rianxeira (estribillo).
A Virxe de Guadalupe/ vai no iate de Baltar/ lévana os rianxeiros/ a remolque polo mar.
Es bueno aclarar que en la última estrofa se alude al cirujano Ángel Baltar (suegro del ex presidente de la Xunta, Gerardo Fernández Albor), que encargó y donó en 1934 la escultura de la Virxe de Guadalupe para presidir el paseo marítimo originario de Tanxil, hecho en 1929. La versión más popular es del año 1952, obra del director musical Bernardo del Río con arreglos de Chapí. Esta versión conserva los estribillos y lalalás, pero con nueva letra, que es la que se canta en la actualidad
Bernardo del Río grabó la canción en Galicia con la coral que dirigía, la “Rosalía de Castro”, actual Agrupación Folclórica Cantigas e Agarimos, que el propio Bernardo del Río fundó en 1920 junto con Salvador Cabeza de León, Enrique S. Guerra y Camilo Díaz Baliño.
En esta fotografía se puede apreciar a Frieiro (segundo de la izquierda en segunda fila) y a Romero, sentado junto al coro que grabó «A Rianxeira».
Si tienes más propuestas de canciones populares gallegas envíame un mensaje privado o escríbeme algún comentario en este blog o en mis redes sociales.
Ha llegado el Carnaval y, cómo no, lo celebro con mucha música. He preparado una sorpresa al final, ¡no te la pierdas!
Máscara musical colombina
El carnaval se refiere a una fecha específica, que se celebra con posterioridad a la Navidad y que concluye, normalmente, en el martes de carnaval. Éste es el último martes antes del inicio de la Cuaresma católica (que comienza el Miércoles de Ceniza). El período de carnaval se conoce también con el término francés de mardí gras, ‘martes graso’ o de la grasa (tocino). Durante la Cuaresma los cánones católicos indican que no se deberá de comer carne, sino pescado y verduras.
Las carrozas de Baco, Endimión y Orfeo son las más espectaculares que se pueden ver durante el carnaval de Nueva Orleáns por su gran elaboración.
Esta curiosa celebración le permite a la gente romper sin pudor con cánones morales, recurriendo a disfraces y excitantes cantos. Sus antecesoras más remotas fueron las fiestas conocidas en la antigüedad como «bacanales» y «saturnalias». A las bacanales se les llamaba así porque se realizaban en honor a Baco, dios pagano del vino. El el caso de las Saturnalias, por Saturno, dios de la siembra y la cosecha.
Bacanal romana para los dioses
La palabra carnaval también proviene de aquella época. Durante las bacanales, a Baco se le cantaba el Ditirambo; el coro que lo hacía iba disfrazado de sátiro y frente a él aparecía el sacerdote del dios conduciendo un barco sobre ruedas al que llamaban «carrus navalis» (carro marino o naval). Este nombre los romanos lo pronunciaban «car navalis». Mientras que carnestolendas, como también se lo llama al carnaval, proviene de «carro», carnes», y «tollo», tapar. Dichos términos parecían aludir al disfraz.
Carrus navalis medieval
«El triunfo de Baco o Los borrachos», de Velázquez
La devoción del hombre por usar máscaras puede encontrarse ya en el antiguo Egipto o en Grecia. Pero en el carnaval propiamente dicho fue Italia la que adoptó la careta, más precisamente en Venecia. Allí se usó no sólo como vehículo de alegría sino que sirvió para guardar el incógnito y gozar de impunidad en venganzas y conspiraciones, aunque también facilitó romances y amoríos.
La historia de las máscaras venecianas se remonta hasta la época romana, pero su gran momento de esplendor fue durante el s. XVIII. Aunque hoy en día las asociamos a los carnavales, antiguamente se utilizaban en varias ocasiones durante todo el año, especialmente para asistir al teatro o a fiestas oficiales.
La costumbre de arrojarse distintos tipos de elementos también fue heredada de los romanos. Se divertían tirando con fuerza confites de menta, rosa o anís a la cara de los transeúntes; a raíz de aquella costumbre se adoptó el papel picado. Pero ésta, tal y como la conocemos hoy en día, tuvo su origen en una imprenta de París. Allí, un obrero que perforaba pliegos de papeles de colores, al ver caer los redondeles sobrantes los juntó y se los regaló a su hijo; el obsequio no sólo causó sensación entre los niños sino también entre los adultos, quienes comenzaron a encargar pequeñas bolsas de papel picado para arrojarlo durante los días de carnaval.
Con el paso de los años, el carnaval tomó formas y estilos diferentes según cada país. En España son famosos los de Cádiz, Canarias (El Carnaval de Cádiz junto con el de Santa Cruz de Tenerife actualmente son Patrimonio de la Humanidad) y Laza (Ourense), Verín y Xinzo de Limia (Ourense).
Los cencerros marcan el ritmo de «os peliqueiros»:
Las pantallas son típicas de Xinzo de Limia (Ourense):
¡A mover el esqueleto!
CARNAVAL Y MÚSICA
El Carnaval ha inspirado a muchos compositores a lo largo de la historia. Algunas de las partituras fueron compuestas expresamente para esta fiestas: unas tomadas algunas de melodías populares y otras evocando el ambiente festivo de esos días:
“El carnaval de los animales“, suite escrita por Saint-Saëns en 1886 para divertir a sus amigos. Podéis encontrar los vídeos y más información sobre esta suite en este enlace.
Cuento musical:
“El Carnaval” de Schumann, compuesto para piano en 1835.
Robert Schumann (Zwickau, 1810 – Bonn, 1856) es uno de los compositores más destacados del Romanticismo. En esta obra se pone de manifiesto el caos que se produce en el mundo del circo, en el mundo de la comedia del arte. Quizá también dentro de la propia conducta humana enfrentando constantemente a lo largo de toda la obra personajes antagónicos como pueden ser Eusebius o Florestan. Éstos son los dos pseudónimos que utilizaba para nombrar los distintos comportamientos de su propio ser. Según muchos historiadores estos dos personajes son el claro ejemplo de la esquizofrenia que parecía sufrir el compositor alemán.
En estas breves 22 piezas además se puede apreciar el desarrollo y la evolución con la que Schumann impregnó la técnica pianística de la primera mitad del siglo XIX. Podéis ampliar esta información en el blog de rz100arte, publicación dividida en una 1ª parte y 2ª parte.
La obertura de concierto “Carnaval,” op. 92, de Dvorak, compuesta en 1891.
Forma parte de la trilogía orquestal Naturaleza, Vida y Amor. Se trata de tres oberturas de concierto que arrancan de un mismo impulso creativo: el deseo de expresar diferentes aspectos de la experiencia humana. manista. Es preciso tener esto en cuenta si se quiere situar correctamente una obra como la obertura Karneval, tan aparentemente alejada del Dvořák ‘popular’. El argumento que da forma a ésta y las otras dos oberturas que completan el tríptico se basa en la relación naturaleza-alma.
La idea argumental se sitúa entre los elementos de contraste. Por un lado, los torbellinos brillantes que se identifican con la fiesta de Carnaval; por otro, aspectos de la vida diaria: lo lírico, la meditación, un ocasional pesimismo. La exposición de unos y otros momentos va formando ese tejido de contraste a lo largo de la obertura, en la que predomina, apareciendo de nuevo al final, el allegro brillante que abre y cierra el espíritu del carnaval».
Cerrad los ojos y disfrutadla:
La obertura “El Carnaval romano”, op. 9, de Héctor Berlioz compuesta en 1843.
Basándose en el sabor de la ópera y de sus propios viajes a Italia la denominó Carnaval Romano. La obertura obtuvo un rotundo éxito en su estreno en París el 3 de febrero de 1844. Inmediatamente se unió a su Sinfonía Fantástica como las dos obras más populares de Berlioz y aquellas que con más frecuencia se programaban en los conciertos que dirigía el propio compositor.
La obertura del Carnaval Romano incluye dos melodías de Benvenuto Cellini. El tema lento, presentado por el corno inglés, está basado en el aria de Benvenuto O teresa, vous que j’aime. Es una melodía originalmente compuesta para la cantata La Mort de Cléopatre, con la que Berlioz optó sin éxito al Premio Roma en 1829. El segundo tema es un burbujeante saltarello, reminiscencia de las danzas escuchadas por el compositor en Roma.
La Obertura se divide en dos grandes secciones precedidas por una introducción basada en la melodía del saltarello. El tema de la primera sección lo presenta el corno ingles. Tras esta canción de amor, las semillas del saltarello se lanzan sobre la obertura a modo de una danza de carnaval. En medio de este remolino de alegría callejera, surge el germen de la canción de amor, que se escucha a continuación en la rica sonoridad de las trompas y los fagots. La alegría y la exuberancia del saltarello vuelven de nuevo para cerrar esta página musical. Ojo al corno inglés, instrumento poco conocido.
“Carnaval de Venecia” compuesta en 1816 por Niccolo Paganini, variaciones para violín y orquesta.
PREPARADOS, LISTOS… ¡ACCIÓN!
¡Sorpresa! Me he grabado bailando la canción «Si ma ma ka» con una coreografía muy sencilla para que todos la podáis interpretar. Para facilitaros la labor la he grabado en espejo, de forma que los movimientos de mi mano izquierda corresponden a los que va a realizar vuestra mano derecha, y los de mi mano derecha a vuestra mano izquierda, es decir, tal cual lo veis.
Samba Lelê es una canción brasileña estupenda para estas fechas de Carnaval. María Jesús Camino ha elaborado una página Wix con una partitura que incluye la letra para cantarla, aunque también se puede tocar con la flauta o xilófonos (con el Si bemol). También ha añadido karaoke y dos versiones en vídeo, uno con la letra para aprenderla fácilmente y la fantástica versión del grupo Barbatuque. Cliquead en la siguiente imagen:
Karaoke con pictogramas:
«La vida es un carnaval», para flauta dulce:
Fuentes de la información:
«Historia de las cosas. El curioso origen de esos objetos que nos rodean». José Antonio Solís, 2008.
El azar de los dados nos ha llevado a repasar las notas a contratiempo, parecido al de síncopa. ¿Sabes en qué canción muy conocida puedes encontrar esta última?
Esta semana hemos vuelto a jugar con una de las actividades que más les gustan a mis alumnas: se trata de Regolino Music Trainer, que incluye fichas con notas musicales, ritmos con diferentes niveles, y percusión corporal. Es una forma de practicar entonación, ritmo y coordinación a la vez mientras nos divertimos, ¡incluso con los errores cometidos! En una de las partidas coincidió cuatro veces el mismo ritmo: silencio de corchea y corchea, ocasión que aproveché para explicar las notas a contratiempo.
Un fenómeno parecido se produce con la síncopa, una nota que empieza en parte débil y continúa en parte fuerte. Tienes una explicación más detallada con ejemplos incluidos en este enlace. Aparecen multitud de ejemplos en la canción «With or Without You», de U2. Rebuscando en mi blog me he llevado una grata sorpresa al encontrar este vídeo de una antigua alumna.
La siguiente actividad, creada por María Jesús Camino contiene más información y juegos para que practiques las notas a contratiempo y síncopas.
¿SABÍAS QUE…?
«With or Without You» («Contigo o sin ti») es la tercera canción del álbum The Joshua Tree (1987). La revista Rolling Stone colocó a este tema en el número 131 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
La discografía de U2 está muy influenciado por la Biblia. En el caso de The Joshua Tree el título está inspirado en el árbol de Josué: los mormones dieron su nombre vulgar a este árbol (Yucca Brevifolia) a mediados del siglo XIX. Un grupo de esta secta cristiana norteamericana se encontró por primera vez el árbol en el desierto de Mojave tras cruzar el río colorado. Su peculiar aspecto les recordó a la figura del patriarca bíblico Josué pidiendo la ayuda de Dios con las manos hacia el cielo.
Letra: “See the thorn twist in your side” (Corintios 12:7: “Y para que la grandeza de las revelaciones no me exaltase desmedidamente, me fue dado un aguijón en mi carne, un mensajero de Satanás que me abofetee, para que no me enaltezca sobremanera”).
Hoy, Día Mundial del Cáncer Infantil, quiero rendir homenaje con canciones infantiles a todos los niños y niñas que están luchando contra esta enfermedad.
Lista de canales de Youtube (cliquead en las palabras azuladas para acceder al canal de inicio o a las listas de reproducción de cada uno de ellos). Como gallega y ciudadana del mundo que soy, he decidido incluir canciones infantiles en tres idiomas: español, gallego e inglés.
Canta Juego: Es un proyecto pedagógico-musical en formato audiovisual, desarrollado por especialistas en la estimulación psicomotriz y el trabajo psicopedagógico. Orientado a los niños y niñas de 0 a 6 años, CantaJuego nos propone utilizar la música y el movimiento para poner en funcionamiento la imaginación y la fantasía; estas vivencias desarrollan la psicomotricidad, potencian el mundo afectivo y las relaciones sociales.
¡Agáchaté, y vuélvete a agachar!
VideoKidsTV Canciones:es un divertido canal de Youtube para los más peques de la casa. Las mejores canciones de ayer y hoy para cantar y bailar.
«Uxía Lambona e a Banda Molona“ nace como un proxecto lúdico, musical e educativo, que pretende sobre todo divertir os nenos, achegándolles os temas tradicionais galegos dunha forma nova e atractiva, utilizando para iso novos estilos musicais (ska, rock, hip-hop…) para que así coñezan e manteñan a nosa música tradicional popular .
Disponible en mi blog la partitura de la canción «Con la miel en los labios», de Aitana. Recordad que también he compartido la de «Vas a quedarte».
Instantánea del videoclip «Con la miel en los labios»
Aitana figura como una de las compositoras de «Con la miel en los labios», junto a David Santisteban, Daniel Oriza Crespo y Kai Etxaniz. La artista ha hablado del proceso de escribir música en sus redes sociales.
«Es la primera vez que componiendo me transporté a una sensación, compuse sobre una idea de dolor, de lo que me podía doler si algo pasara. Es algo difícil de explicar…».
También ha confesado que cada vez disfruta más creando sus propias canciones.
«Creo que poco a poco me descubro más a mi misma a través de la composición de mis canciones y cada vez me gusta más jugar con las diferentes formas de componer».
«Con la miel en los labios», tema incluido en el disco Spoiler
En Spoiler estarán incluidas las cinco canciones de Tráiler, entre las que destacan los éxitos «Teléfono» y «Vas a quedarte»(descargar partitura). También formarán parte del álbum sus dos nuevos singles, «Nada sale mal» y «Con la miel en los labios». El listado de canciones del disco ya ha sido revelado y en él habrá una colaboración con Lola Indigo, que cantan juntas Me Quedo.
Videoclip oficial
Como las buenas tradiciones no se deben perder y la motivación de mis alumnas es fundamental, he accedido precisamente a una de las peticiones: la partitura de «Con la miel en los labios». No sólo la practicaremos en las clases de piano sino que aprovecharé el tiempo invertido en la edición para repasar el compás de 12/8.
A diferencia de la mayoría de canciones pop, escritas en compás de subdivisión binaria, ésta y «Lo siento»de Beret están en un compás de subdivisión ternaria.
Descargad la partitura de «Lo siento» desde mi blog para aprender la teoría sobre los compases. He adaptado la letra para que la podáis aprender de forma amena y divertida. - piopialo
