Reflexiones musicales sobre los comentarios aportados por mis compañeros/as de posgrado. Ésta ha sido la respuesta de mi profesor, Pere Godall Castell.
María. Realmente tienes idees muy claras del qué y del como enseñar. Una suerte para tus alumnos! Destacaría que en tu elección consigues poner de relieve contenidos fundamentales: tener presente la variedad, la expresión de emociones, ámbitos como el de la música para el cine, y el valor de fomentar el espítitu crítico, a reflexionar. Excelente. Lo mismo sobre las propuestas. En tu selección hay diversidad y hay valores (como impulsar la música tradicional)…
La última tarea del posgrado sobre Ed. Musical que he realizado consistía en reflexionar sobre diferentes temas: por un lado, seleccionar tres audiciones propuestas por mis compañeros, justificando el porqué de la elección; por otro, a partir de los distintos foros realizados, seleccionar cinco comentarios de mis compañeros y reflexionar sobre por qué la había escogido.
Por Marta Portolés Personat – Jueves, 21 de marzo 2019, 11:13
Rock and Roll: Como cantante representante del Rock and Roll he elegido a Elvis Presley con la canción «Jailhouse Rock». He escogido esta porque pienso que es la que representa mejor las características del género musical.
Jailhouse Rock (Elvis Presley)
He escogido esta pieza pensando en el alumnado de 5º y 6º de Ed. Primaria. Es fundamental que conozcan al autor, uno de los más importantes de la historia del rock en la década de 1950. Me centraría tanto en los datos históricos como en el ritmo del rock, aprovechando para repasar el compás de 4/4 e incluso la voz, ya que a partir de 5º diferencian dos tipos de voces masculinas y femeninas (enmarcado en la ópera).
Por Aida Bel Segarra – Domingo, 24 de marzo 2019, 15:49
Instrumental: «River flows in you» de Yurima. Esta es una composición hecha únicamente al piano. Su intérprete es Yurima, un compositor coreano que desde 2001 que está en activo, a día de hoy ya ha grabado 15 álbumes.
River Flows in You (Yurima)
Esta pieza la aprovecharía para repasar cuestiones relacionadas con la dinámica y los instrumentos de cuerda, sobre todo en el caso de piano que se trata de un instrumento que crea controversia ya que las cuerdas no están a simple vista y muchos alumnos/as no conocen el funcionamiento del mismo.
5 COMENTARIOS
Por Julia Molas Casellas – Domingo, 24 de marzo 2019, 20:53
Quería proponer una audición para acercarnos a nuestro propio contexto y en nuestra cultura, pues se trata de una sardana. Pienso que las músicas étnicas, tanto del propio país como de los otros, se deben conocer ya que nos ayudan a comprender la realidad y la historia de estas. Esta es «La santa espina», con música de Enric Morera y texto de Àngel Guimerà. Propongo esta sardana ya que es un himno para los catalanes y de las más representativas.
Esta propuesta me ha parecido interesante para hacer hincapié en la riqueza cultura de nuestro país. De la misma forma que enseño canciones populares gallegas, considero esencial enseñar música de otras comunidades autónomas: ritmo, instrumentación e incluso la letra, en este caso.
Y de lectura y escucha obligatoria, estos enlaces con información y partituras de música gallega:
Por Anxo Abalde García – dijous, 28 març 2019, 02:29
Muchos músicos rechazan el encasillamiento de la música, pero las etiquetas de géneros y estilos nos permiten “aislar” los distintos tipos de música de tal forma que las distintas expectativas que nos creamos sobre sus estructuras y normas no interfieran unas en otras. Pero la creciente diversidad de estilos musicales y, sobre todo, de medios tecnológicos para acceder a ellos, pone en cuestión algunas de las definiciones convencionales, que no captan las propiedades emocionales de una composición en particular. De ahí la proliferación o diversidad de estilos ya que se van introduciendo nuevas categorías en función de su congruencia con una atmósfera o entorno determinado.
He escogido este comentario porque transmite la dificultad que existe respecto a la clasificación de los diferentes géneros y estilos.
por Julia Molas Casellas – Domingo, 24 de marzo 2019, 20:53
No sabría destacar ningún género en concreto, a mí particularmente me gustan muchos, desde la ópera hasta la electrónica, pasando por el reggae, el rock and roll, el pop, el rap … Considero que es importante que se conozca un amplio abanico de géneros musicales para poder comprender mejor la diversidad que también encontramos en la sociedad, así como la historia de las diferentes culturas.
Como profesora de música que soy considero fundamental que niños y niñas escuchen mucha variedad de géneros y músicos diferentes. Así, como bien apunta Julia, entienden la diversidad que existe y aprecian más la historia.
por Mireia Llongueras Boque – Jueves, 28 de marzo 2019, 22:28
Sílvia Pérez Cruz es una cantante muy versátil que canta diferentes géneros de música popular. Ha cantado flamenco con el grupo «Las migas», también con grupos de música tradicional catalana, de jazz, rumba … Últimamente canta en solitario acompañada de cinco músicos de cámara (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Esta habanera «Vestida de noche» la encuentro muy bonita, sobre todo me gustaría destacar su expresividad musical y este sentimiento mediterráneo que transmite cuando la canta, propio de nuestra tierra.
La expresión de las emociones es un aspecto crucial en la educación musical, ya desde los 3 años de edad. Por eso me he decantado por este comentario de Mireia. La expresión de los sentimientos ayuda a progresar ya no solo en el colegio, sino en muchos aspectos de la vida.
por Rebeca Ureña Mallen – Sábado, 23 de marzo 2019, 09:09
Me parece interesante hablar del género de música de cine. Hay una película que me gusta mucho que es Tarzán y la banda sonora es brutal. La música la compuso Mark Mancina un músico de género rock famoso a partir de los 80. En el año 2000 la banda sonora obtuvo el Grammy al mejor álbum de banda sonora.
Las bandas sonoras son un recurso educativo ideal para cualquier curso, ya sea de Ed. Infantil, Primaria e incluso Secundaria. Se puede tratar instrumentación, las propiedades del sonido, etc. a través de música de cortos, en el caso de las primeras etapas (La pantera rosa, etc) o películas muy variadas, como Tarzán, como bien he escogido en este caso.
por Aida Bel Segarra – Domingo, 24 de marzo 2019, 15:49
Punk: El vals del obrero de Ska-P. Esta es una canción del género punk del grupo español Ska-P que hace una denuncia social al capitalismo y la explotación de los trabajadores. Tiene un objetivo reinvindicativo de cara a las injusticias que hay en España.
El vals del obrero (Ska-P)
Para finalizar, me gustaría hacer hincapié en este comentario para destacar el aspecto reivindicativo. Es crucial en el s. XXI enseñar a los alumnos a ser críticos, a pensar por sí mismos, y la música es un buen medio para llevar a cabo actividades de este estilo, ya sea escuchando canciones o bien componiendo letras interesantes con piezas que estemos trabajando en clase.
Recordad que podéis seguirme a través de las redes sociales. ¡Allí nos vemos a diario!
La Catedral de Notre-Dame, además de ser la catedral gótica más importante, es la cuna de la polifonía. Conozcamos la historia de la Escuela de Notre-Dame.
Notre-Dame, por Milosz Labinski
La época de Notre-Dame constituye uno de los primeros puntos culminantes en la historia de la polifonía. Su nombre proviene de la escuela de cantores de la Catedral de Notre-Dame de París. Este época coincide, aproximadamente, con la Construcción de la Catedral (1.163-m.s.XIII). Su música es un arte exquisito del clero, destinado sobre todo al servicio religioso. Prestad especial atención a partir del min.4 del siguiente vídeo.
¿Por qué la Escuela de Notre-Dame cambió la historia?
En general, se trata aún de compositores anónimos. Sin embargo, el teórico inglés del s.XIII Anonymus 4 cita a los maestros Leonin y Perotin. El autor de textos más conocido es Phiplippe le Chancelier.
RITMO Y NOTACIÓN MODALES
Con excepción de las partes libres del organum, prevalecen ritmos ternarios rápidos. Los teóricos los dividen en 6 modos, con lo cual se intenta clasificarlos dentro de las antiguas medidas de versificación. De hecho, el ritmo ternario y los modos estarían relacionados con la nueva poesía rítmica latino-romana del s.XII.
LOS GÉNEROS MUSICALES
Eran el organum, el motete y el conductus.
Aunque el organum había existido en la polifonía primitiva se va a desarrollar en gran medida hasta crearse «organum triplum» (a tres voces) y «organum cuadruplum» (a cuatro voces). Las voces ahora ya van a ser mucho más libres, sin tener que respetarse el paralelismo del organum primitivo. El organum melismático es aquel en el que la voz principal (del antiguo gregoriano) se mueve con notas muy largas mientras que las otras voces van haciendo melismas (adornos). Esto se puede ver en la obra de Perotin: «Sederunt Principes».
Perotin: Sederunt Principes
El duplum (dos voces) provisto de texto se llama motetus, y el nuevo género así formado, motete. Este se separó del origen y se convirtió en el principal género profano del Ars Antiqua y del Ars Nova (s.XIII-XIV).
En su carácter de canción a 1 y hasta 3 voces, es un género principal de la época de Notre-Dame. Su contenido es sacro, pero no litúrgico, siendo luego también profano, moral, político, etc., siempre como un arte clerical festivo y serio. La voz principal se halla en la parte inferior (conductus), dada según una estructura regular correspondiente y no anticipada (como el tenor gregoriano del motete. Puede ser silábico o con partes melismáticas más prolongadas en todas las voces al mismo tiempo.
Música de la Escuela de Notre-Dame
Cliquead en este enlace para saber más sobre historia de la música. ¡Otro día más y mejor!
Jornada de descanso. Día del trabajador. No me importa. Para mí es día de reflexiones personales con frases de música.
Corazón de maestro con frases musicales
Me gusta mi trabajo, me encanta, me pirra. Según el día, pero lo disfruto cada día, con más o menos ganas. Tengo la gran suerte de trabajar en lo que me gusta, aspecto que considero imprescindible siendo docente. Hay que ponerse las pilas, actualizarse constantemente y disfrutar el proceso.
«La música es la taquigrafía de la emoción». Leon Tolstoi
Reconozco estar saturada debido a la cantidad de cursos que he realizado este año: un posgrado de educación musical, el curso Composición y arreglos musicales para el aula y un curso de TIC y música, entre otros. Por cierto, este último, curiosamente el más breve, es el que más ideas me ha aportado para el aula: creo juegos del ahorcado, emparejar audios con imágenes, etc.
Las reflexiones personales con frases de música ayudan a encontrarte, a alcanzar tu objetivo y a crecer. Si queréis saber más sobre máquinas infernales no os perdáis esta publicación.
Dedico horas a las redes sociales, al blog y a revistas musicales cada semana. Ojeo métodos, aplicaciones y recursos utilizados por otros docentes con la misma pasión que yo por la enseñanza - piopialo . Aún queda buena gente en el mundo que trabaja sin descanso con una vocación pasmosa. No concibo la enseñanza de otra forma. Mis reflexiones personales me llevan a actuar así.
Los patrones de la música y de todas las artes son las claves del aprendizaje». Platón
Podría vender partituras a través de mi tienda online, al lado de los marcapáginas con frases musicales, pero no me interesa. Quiero que la gente disfrute. Me producen más placer los vídeos que recibo de mis seguidores tocando las partituras que edito, los agradecimientos, o el simple placer de compartirlas, que recibir x € por ellas. Precisamente por eso pongo a la venta los marcapáginas, para que podáis aportar vuestro grano de arena.
Frases musicales en mis marcapáginas: «nunca es tarde para empezar con la música»
Me recuerda a los conciertos y a los discos: podéis escuchar el disco (partituras y apuntes gratis) en Internet, pero cada clase personalizada recibida tiene un coste. Mientras la vida me lo permita, seguiré esforzándome por que este gran proyecto siga adelante, compartiendo material e información muy útil e interesante.
«En verdad, si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco». Tchaikovsky
Recordad siempre estas reflexiones personales con frases musicales. Definen en parte mi proyecto, mi forma de trabajar, de pensar. Así soy yo, así es el proyecto Musiqueando con María. 😄
Además de diferenciar entre ruido y sonidos, los más pequeños escuchan música de los grandes clásicos, en este caso de Mozart.
Libro «Paco y Mozart»
Las clases de Musiqueando con María no se limitan al aprendizaje de lenguaje musical. Como bien muestra el siguiente vídeo, aparte de diferenciar entre ruido y sonidos, vamos introduciendo poco a poco música de los grandes clásicos. En este caso suena el movimiento Allegro con brio de la la Sinfonía nº 40 K.550. Os recomiendo el titulado Paco y Mozart. Libro musical (Libros con sonido)
Fragmento del libro
¿Recordáis el paisaje sonoro? Es un ejercicio relacionado con la altura del sonido, como el siguiente, que consistió en colorear el semicírculo que se correspondiera con la altura la campana. Así, vamos educando el oído musicalmente ya desde los 4 añitos. Los beneficios de la música en todas las edades son muy claros y evidentes.
Otro de los parámetros musicales básicos del sonido, además de la altura, es el de la duración. Lo hemos trabajado con la siguiente ficha: primero imitamos el sonido de los diferentes objetos y, por último, coloreamos los que producían sonidos largos.
Una batidora, una moto, una caja china y las gotas de la lluvia son los sonidos (¿o ruidos?) incluidos en esta ficha. Como bien sabéis, a veces la diferenciación no está muy clara, por ejemplo con el sonido de las motos: algunas suenan realmente bien y otras nos obligan a tapar los oídos.
Os avanzo que próximamente incluiré actividades interactivas para que todos mis seguidores, tanto de nivel básico como intermedio, podáis poner en práctica vuestros conocimientos. El ahorcado, emparejar fichas, unir el audio con la imagen correspondiente, son algunos ejemplos.
Espero que esta publicación con actividades recomendadas sobre ruido y sonidos, duración, etc, os haya gustado y sea útil para todos vosotros.
Seguidme a través de las redes sociales para no perderos ninguna novedad y disfrutar con la música como os merecéis: recursos educativos, eventos, cultura musical, etc. Si queréis colaborar con mi proyecto adquirid un marcapáginas 📚 en mi tienda online. 😉
En Semana Santa fui a Lisboa, ciudad de la que me enamoré hace años y me ha vuelto a sorprender con músicos e instrumentos de todo tipo. ¿Te animas a descubrirlos?
SIERRA FROTADA en RÚA DA AUGUSTA
Uno de los primeros que me sorprendió fue Sergey Nichitovschi. Nació en Moldavia. Comenzó a estudiar música de pequeño – a os 4 anos comenzó a estudiar acordeón (su padre tocaba la trompeta), piano y varios instrumentos. Se apasionó por flauta de pan a los 8 años y más tarde estudió el instrumento. Se licenció en música. En Moldavia, daba clases de música, tocaba con orquestas. Tocó en varios países – Romanía, Alemania y Rusia. Los padres llegaron a Portugal en 1999 y él fue unos años más tarde en busca de una vida mejor. Sergiu tocó por toda a Europa como músico callejero.
Produce música frotando una sierra (saw, en inglés) con un arco. Modifica la altura de las notas doblando el arco (cuando lo dobla más suenan notas agudas y cuando vuelve a su posición natural crea sonidos más graves. Le grabé en vídeo (lo podéis ver en mi canal de Youtube), pero se ve mejor en el siguiente:
Avé Maria, de Schubert
ARCO DEL TRIUNFO DE LA RÚA AUGUSTA
Continuando por la Rúa Augusta llegas a la Praza do Comercio, donde está situado el Arco de Augusta. Su construcción se inició después del terremoto de 1755, pero esta primera versión sería demolida en 1777, después del comienzo del reinado de María I. En 1873 comienza la construcción del segundo arco diseñado por Veríssimo José Dacosta, terminando las obras en 1875.
Arco del Triunfo
En la parte superior del arco se pueden ver esculturas que representan la Gloria, el Genio supremo y el Valor. En un plano inferior podemos ver otras esculturas de Víctor Bastos que representan a Nuno Álvares Pereira, Viriato, Vasco da Gama y el Marqués de Pombal. El texto de la parte superior del arco nos lleva a la grandeza de los descubrimientos portugueses y el descubrimiento de nuevos pueblos y culturas. El letrero reza: «Que la virtud de los grandes sea una enseñanza para todos».
Detalle de la alegoría de la Gloria recompensando valor y genio (porta una lira).
QUINTA DA REGALEIRA
Hijo de los dioses Apolo, dios de la música, y de Calíope, musa del canto. Patrón de poetas y músicos que descendió a los infiernos para rescatar a su amada Eurídice, adormeciendo al guardián Cerbero, perro de tres cabezas, con el sonido de su lira.
Escultura de Orfeo
Escultura del caracol: representa la lentitud en la adquisición de conocimientos.
Tortuga marina: representa la longevidad y la paciencia en la adquisición de conocimientos. De ahí que yo esté indicando con una V de victoria, objetivo conseguido.
N’GONI
En el exterior de la Quinta da Regaleira sonaba un n’goni, arpa africana tocada por un músico callejero. Cuando le pregunté qué instrumento era, me contestó amablemente y me dijo que estaba aprendiendo a comunicarse con la fauna de la zona.
N'goni, arpa africana en la Quinta da Regaleira (Sintra)
Arpa africana (Senegal / Malí /Burkina Faso) que se originó en el siglo XII. Si bien el N’goni es el instrumento característico de Malí, se puede localizar también de forma bastante extendida en toda la zona entre Marruecos y Nigeria. El instrumento consta de dos partes: la caja de resonancia y el mástil.
La caja de resonancia suele ser confeccionada con calabazas gigantes de la zona, vaciadas, pulidas, embellecidas y/o barnizadas. A la calabaza se le coloca una piel, habitualmente de cabra, que puede haberse curtido o no, lo que genera grandes diferencias entre los sonidos resultantes de ambas técnicas.
N’goni
El mástil es un palo generalmente de un tipo de caña espacial del Río Níger, muy resistente y elástica a su vez, que atraviesa la calabaza, creando un pie que recuerda al metálico del contrabajo, con la diferencia de que es la misma pieza que el mástil.
La afinación depende de muchos factores partiendo de una escala pentatónica, cuyo tono sube o baja según la amplitud de la calabaza, las cuerdas usadas, la piel de la caja de resonancia, el artista que la toque y el estilo con que lo haga.
Mástil del n’goni
Curiosidades: En sus primeros tiempos fue un instrumento para uso de pastores y constaba de una sola cuerda. Se cree que el N’goni junto con el Akonting y el Xalam o Khalam son los antepasados del Banjo utilizado en América del Norte.
Se trata de un palacio real construido a mediados del XVIII por encargo de los Braganza a los arquitectos Manuel Caetano de Sousa y Mateus Vicente de Oliveira. De estilo barroco pero con elementos típicos de la arquitectura portuguesa, como los azulejos, fue residencia principal de la realeza, especialmente desde el terremoto de 1755 que asoló Lisboa, y hasta principios del siglo XIX, cuando los franceses invadieron el país y la familia real se vio obligada a exiliarse a Brasil.
(Cliquead en el título para acceder a la visita virtual 360º). Proyectada por el arquitecto Mateus Vicente de Oliveira y finalizada en 1959, es una de las salas más antiguas del palacio. Su estructura se mantuvo prácticamente igual hasta la actualidad. Su volumetría contiene una pared curva formando en conjunto con el techo una concha acústica, en el escenario de los músicos. También conocida como casa de las serenatas, fue armada varias veces como Casa de la Ópera, recurriendo a la ayuda del velamen de los barco. Hasta la inauguración del Nuevo Teatro de la Ópera de Queluz, en 1778 y después de la destrucción de éste, fue escenario de innumerables seriones musicales.
SALA DE LA LINTERNA
Sala de la linterna
Hace de bisagra entre el volumen naciente del palacio y el volumen sur donde se encuentran los aposentos e la princesa, y tiene conexión con la capilla. Por no tener contacto con el exterior, era llamada Sala oscura. Durante la primera invasión francesa, Junot dio orden para abrir este farol, sacrificando la decoración del techo de tela pintada. Esta obra no llegó a concluir, por falta de pago de los obreros, y fue al final de 1809 que Don Joao VI ordena la reposición del farol como los franceses habían planeado.
Sala de la Linterna, con el retrato de D. Miguel en lugar destacado
MUSEO NACIONAL DE LOS COCHES
Alberga una gran colección de carruajes y carrozas antiguas, y de hecho el museo está considerado el mejor del mundo de este tipo, pues contiene decenas de piezas que datan de entre los siglos XVII y XIX.
Vehículo de viaje, España. Fue utilizado para el viaje de Madrid hasta Lisboa, en 1619. Era conducido por un tronquero y su ayudante montados a caballo. Es la carroza más antigua de la colección del museo.
TROMPAS DE CAZA
En el Museo Nacional de los Coches también estaban estas trompas. datadas en el s.XIX. Son instrumentos de viento en latón fabricados en el arsenal real del Ejército en los talleres de la Fundição de Cima, en Lisboa.
Trompas de caza
Detalle
CHARANGA REAL (s. XVIII):
Conjunto de tompetas, timbales y sus tocadores, un total de 28 músicos. Telliz bordado con hilos de plata y oro con el blasón del Rey José I. Usado para colocarlo sobre la silla del caballo. Faldones de timbal: revestimiento para tambor en damasco de seda decorado en oro.
Charanga real
Detalle
Espero que os haya gustado la información que os he ofrecido sobre música e instrumentos en Lisboa. Podéis acceder a más publicaciones sobre historia en este enlace: Historia de la música.
A lo largo del tiempo se inventaron máquinas que revolucionaron la grabación y reproducción musical. Conozcamos su historia.
Primera grabación de la historia en el fonoautógrafo de Scott de Martinville
Hace más de un siglo, el compositor y director de banda John Philip Sousa advirtió que la tecnología acabaría por destruir la música.
«Estas máquinas parlantes van a arruinar el desarrollo artístico de la música en este país. […] Todo el mundo tendrá su música ya preparada o ya pirateada en sus armarios. […] El canto del ruiseñor es delicioso porque es el propio ruiseñor el que lo produce».
Antes de despachar a Sousa como un cascarrabias, podríamos reflexionar sobre cuán drásticamente ha cambiado la música en los últimos cien años. En el futuro, podrá decir el espíritu de Sousa, la reproducción desplazará a la producción. - piopialo
Primeras voces humanas grabadas en la historia
Desde que Edison inventara el cilindro de fonógrafo en 1877 la gente ha estado opinando sobre lo que el medio de la grabación ha hecho por y para el arte de la música. Inevitablemente, la conversación se ha decantado hacia los extremos retóricos. Sousa fue un portavoz pionero de los catastrofistas; en el bando opuesto se encuentran los utópicos, que defienden que la tecnología no ha aprisionado a la música, sino que la ha liberado, llevando el arte de la élite a las masas y el arte de los márgenes al centro.
El fonógrafo y el disco democratizaron la música
Glenn Gould, después de renunciar a tocar en directo en 1964, predijo que en el lapso de un siglo el concierto público desaparecería en el éter electrónico, con un efecto en gran medida benéfico para la cultura musical.
La principal ironía de la historia de la grabación es que Edison no construyó el fonógrafo teniendo la música en la mente. Lo concibió más bien como un artilugio comercial, llamado a reemplazar a la costosa e imperfecta práctica de la estenografía, y que tendría la virtud añadida de preservar a perpetuidad las voces de los fallecidos.
Aunque Edison mencionó la idea de grabar música en su artículo de 1878, no pudo presentir siquiera la aparición de una industria musical. Se imaginó el fonógrafo como una herramienta para enseñar a cantar y como una extensión natural de las interpretaciones musicales domésticas. En la década de 1890, sin embargo, empresarios avispados habían instalado fonógrafos en salones recreativos, permitiendo que los clientes oyeran sus canciones predilectas con tubos para los oídos.
En 1888, Emil Berliner introdujo el disco plano, un procedimiento de almacenaje menos incómodo, y concibió con ello el moderno negocio musical en su totalidad: distribución masiva, estrellas discográficas, derechos de autor y todo lo demás.
El gramófono
Siempre que surge un nuevo artilugio, los vendedores se aprestan a señalar inevitablemente que un artilugio más antiguo ha quedado obsoleto. El automóvil apartó al ferrocarril; el ordenador reemplazó a la máquina de escribir. Sousa temió que el fonógrafo suplantara a la música en directo. Su temores eran excesivos, pero o irracionales.
Edison, cuyos cilindros empezaron enseguida a quedar a la zaga de los discos planos en cuanto a popularidad, estaba tan decidido a demostrar la verosimilitud de sus máquinas que organizó por todo el país una serie de Pruebas de Sonido, durante las cuales las salas se quedaban a oscuras y los oyentes se mostraban supuestamente incapaces de percibir la diferencia entre Anna Case cantando en vivo y uno de sus discos.
Prueba de sonido (1896)
La cinta magnética dio lugar al cambio más trascendental en la relación entre grabaciones y realidad musical. Los ingenieros alemanes perfecccionaron el reproductor de cinta magnética, o magnetofón, durante la Segunda Guerra Mundial. A altas horas de la noche, un experto en audio convertido en soldado y llamado Jack Mullin estaba monitorizando la radio alemana cuando se dio cuenta de que una transmisión orquestal nocturna era asombrosamente clara: sonaba «en vivo», aunque ni siquiera por un capricho de Hitler podía haber estado tocando la orquesta en plena noche. (El siguiente vídeo tiene disponibles subtítulos en español).
Historia de la cinta magnetofónica
Después de concluida la guerra, Mullin localizó un magnetofón y se lo llevó a Estados Unidos. Hizo una demostración a Bing Crosby, que lo utilizó para grabar con antelación sus emisiones. Crosby fue un pionero del que fue quizás el más famoso de todos los efectos tecnológicos: cantar de modo intimista con una voz suave.
La cinta magnética significaba que Bing podía prácticamente susurrar al micrófono y, aun así, ser oído en todo el país. El proceso magnético también permitía que los intérpretes inventaran su propia realidad en el estudio. Podían corregirse los errores empalmando trozos de tomas diferentes.
El magnetofón
La llegada de la grabación digital fue, para muchos escépticos, el ultraje definitivo. Las viejas máquinas vibraban empáticamente con lo que había sido grabado: las colinas y los valles de un cilindro o un disco plano seguían los perfiles de la música. La tecnología digital desmenuzaba literalmente las vibraciones entrantes en bits: series de ceros y unos que se codificaban en un disco compacto y a continuación se reconstituían en un reproductor de CD’s.
Neil Young, el cantante y compositor canadiense de voz áspera, se mostró especialmente mordaz:
«Escuchar un CD es como mirar el mundo a través del estor de una ventana».
No hay duda que la tecnología ha hecho progresar las carreras de personas insignificantes, pero también ha echado una mano a aquellos que carían de apoyos dentro del sistema. El hip-hop, la forma de pop dominante del cambio de siglo, ofrece la demostración más electrizante del todopoderoso efecto dela tecnología. Como indica Jeff Chang, el género surgió en guetos empobrecidos de altos bloques de viviendas, en los que las familias no podían permitirse comprar instrumentos para sus hijos e incluso la forma más rudimentaria de ejecución musical parecía estar fuera de su alcance. Pero, aún así, se hacía música de todos modos: el propio fonógrafo pasó a ser un instrumento.
Antes o después, toda crítica de las grabaciones acaba por citar el ensayo de Walter Benjamin «La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica». El pasaje citado con más frecuencia es la reflexión que hace Benjamin sobre la pérdida de un «aura» que rodea a las obras de arte» el «aquí y ahora» del objeto artístico sagrado, su conexión con una comunidad bien definida.
Aunque a los intérpretes y oyentes clásicos les gusta imaginarse en una alta torre, muy alejada del tumulto electrónico, también ellos son esclavos de las máquinas. Parte de la propaganda más encendida en defensa de las nuevas tecnologías ha procedido del bando clásico, donde la ilusión de la reproducción perfecta resulta especialmente seductora. El fenómeno de la estrella que no lo es más que en apariencia y que tiene grandes dificultades para repetir en la sala de conciertos lo que se supone que hace en el disco, no es algo que carezca de precedentes.
Quizás hay algo de antinatural en el acto mismo de realizar una grabación de estudio. En el cenit de la época de la alta fidelidad destacados productores y ejecutivos clásicos gastaron muchos millones de dólares para crear grabaciones definitivas de las cimas del repertorio.
Auditorio de Hamburgo: Elbphilharmnie o Filarmónica del Alba
El siglo XXI presenta un panorama confuso. Los sellos discográficos están tambaleándose. El concepto de un álbum individual y distinto de otros con una serie de canciones u obras están experimentando probablemente un declive terminal. En el pop, el grueso del dinero se hace ahora con el márketing de las giras y con la venta de productos relacionados con ellas. La música ha dejado ya de ser un premio en una colección; está volviendo a su evanescente estado natural.
La música clásica, o una parte de ella, está floreciendo en línea en los ordenadores de modos inesperados. Las instituciones con más recursos están ofreciendo material de audio en vivo y archivado. Los compositores jóvenes al tanto de las potencialidades de la red ya no dependen de los editores para legar a su público, distribuyendo sus mercancías por medio de blogs, YouTube, Facebook, Twitter, etc
Según Hans Heinz Stuckenschimidt,
«La máquina no es ni un dios ni un demonio»
La gente tiene montones de músicas pirateadas en sus armarios, pero siguen acudiendo a conciertos en vivo, pagando centenares o incluso miles de dólares para conseguir ver fugazmente a sus ídolos. Estamos casi de regreso en el punto en el que comenzamos.
Este curso Valentina ha despegado. Hoy os cuento los comienzos de mi experiencia con la musicografía braille y el resultado de la práctica.
Musicografía braille
COMIENZO DE LA EXPERIENCIA
Mi interés por la musicografía braille me llevó, allá por el año 2014, a contactar con la ONCE para formarme y poder enseñar música a los ciegos. No hay mejor demostración que el propio correo que les envié en aquella época (he borrado mi presentación):
Primer contacto con la ONCE
A los pocos días me contestó, muy amablemente, el responsable de la sección musical, José Luis, quien adjuntó, para mi sorpresa, un archivo con musicografía braille. Lo imprimí al momento, y empecé a a analizar las partituras, viendo la correspondencia de las partituras con las de braille.
Respuesta de José Luis
Lejos de echarme atrás, mi reacción fue interesarme más y pedir más material, llegando a quedar personalmente con José Luis: me informó cómo debía darles ciertas indicaciones a los ciegos, cómo solía ser su reacción con la música debido a su enorme sensibilidad en este mundo, etc.
Tras una pausa de un año contactó conmigo la madre de Valentina, para preguntarme si le podía dar clase de música, petición que acepté con mucho agrado. Es curioso, y ya le he comentado el siguiente detalle a varios amigos: cuando su madre me dio las gracias por haber aceptado ser la profesora de su hija, ya que no todo el mundo está dispuesto a aprender el sistema Braille, le respondí que las gracias se las tenía que dar yo, puesto que me considero muy afortunada por llevar a la práctica mis conocimientos y continuar avanzando y aprendiendo en todos los sentidos.
MUSICOGRAFÍA BRAILLE
Sois muchos los que me habéis preguntado en qué consiste la musicografía Braille (ver documentos). Por eso, además, de mostraros varias fotos, la propia Valentina os va a mostrar cómo funciona la máquina Perkins, y yo os explicaré cómo se escriben las notas y las figuras musicales. Por si os apetece verlo con calma, inserto varias imágenes con información básica.
En el siguiente vídeo, Valentina nos enseña una máquina Perkins: sus partes, cómo funciona, etc. y, entre las dos, explicamos cómo se escriben las notas musicales y las figuras en musicografía braille.
Valentina muestra una máquina Perkins
Ejemplo de partitura
Para terminar, os invito a acceder a otras secciones de mi blog:
Descargas gratuitas de partituras y apuntes de lenguaje musical. Ya que son gratuitas, podéis colaborar con mi proyecto comprando un marcapáginas personalizado (os lo envío a la dirección que me indiquéis).
Material propio: fruto de la incansable búsqueda de nuevos recursos.
Grabaciones de alumnos: la teoría está bien, pero la música es práctica, movimiento y felicidad.
Y si me queréis conocer un poquito más, visitad la sección «¿Quién soy?».
El color forma parte de nuestra vida, y más ahora que se acerca la primavera. ¿Cómo emplearlo para aprender música?
Mi alumna más joven, de 4 añitos, está aprendiendo aspectos de lenguaje musical tan básicos como importantes: el timbre con distintos instrumentos (triángulo, maracas, claves, crótalos, etc.), sonidos cortos y largos, fuertes y suaves y la altura del sonido, entre otros. En cuanto a la duración del sonido se pueden realizar dictados muy entretenidos en los que la alumna, como en este caso, pegue la ficha de la vaca cuando escucha un sonido largo y un pájara en el caso del sonido corto. He de decir que hice la actividad un poco más compleja ya que interpreté dos sonidos seguidos, de forma que tenía que memorizarlos.
En el siguiente vídeo, mientras Vega desliza sobre la línea melódica el muñeco, yo interpreto con una flauta de émbolo la altura del sonido. Éste es uno de los muchos paisajes sonoros con notación no convencional que podemos inventar:
Paisaje sonoro con notación no convencional
Después de las actividades de educación auditiva nos ponemos manos a la obra con el instrumento, el piano, no sin antes divertirnos con un bingo musical lleno de color para aprender música, en especial la digitación, que nos será muy útil para aprender algunas piezas: pintamos un círculo de color azul en la mano izquierda, uno rojo en la derecha y… empezamos a contar dedos. ¡Ah, que no falten los Lacasitos a modo de fichas!
Bingo rítmico de digitación
Al desarrollar la memoria ya desde pequeños, cuando tienen que tocar piezas de cierta complejidad tienen muchas más facilidades, y más si les enseñamos a aprender. Sí, sí, como lo estáis oyendo. Es cuestión de enseñar recursos similares en diferentes obras.
En algunas ocasiones es suficiente con memorizar la melodía de la mano derecha y fijarse en la dirección de las notas de la izquierda. Eso es lo que ha hecho Paula con esta pieza:
Trucos para memorizar una partitura
Pero, volviendo al color como recurso para aprender música, podemos emplear varios tonos para las diferenciar células melódicas, en un nivel más amplio secciones de la estructura formal e incluso trucos.
Células musicales: el color nos facilita la visualización y memorización
Coloreamos la estructura formal A B A
Trucos en color: los intervalos de 3ª en naranja y el sol en azul se van alternando
Si la sección estrella de mi blog en cuanto al número de visitas son las partituras, en mis clases destacan los juegos musicales. - piopialo
El puzzle de parejas de tonalidades relativas lo hice ya hace años, y no pocos. Lo sé porque están plastificados con forro de libros y no con plastificadora (¡qué gran invento!). Como podéis comprobar, todas las fichas son blancas y los colores os he escogido al azar. La próxima semana estrenaré un nuevo puzzle que contenga también tonalidades con bemoles. Y, precisamente para facilitar la actividad, utilizaré cuatro colores diferentes: dos para las tonalidades con sostenidos Mayores y menores, y otros dos para los bemoles. No son muchas fichas, pero seguro que les ayuda y les resulta más atractivo.
Emparejamos tonalidades relativas
Otro tema con el que insisto mucho es el de las armaduras. Considero que deben saberlas ya desde un principio, razonando siempre qué son y por qué se usan. Por eso las trabajamos con juegos variados, entre ellos éste, sencillo y práctico a la vez: tienen que adivinar la armadura de la casilla que les indique el dado. Pero ojo, porque hay rebote, no vale despistarse: si una de las jugadoras no la adivina puede responder cualquier otra y avanzar las casillas de su compañera.
Por último, y hablando de recursos como el color para aprender música, os recomiendo visitar la página web de María Jesús Camino Rentería, quien imparte durante estas semanas un curso sobre TIC y música en el que me he inscrito. Espero aprender un montón para poder compartir más recursos musicales con todos vosotros. ¡Hasta la próxima!
¿Sabías que este poema se dice que habla de Benito Soto, un personaje pontevedrés? Más música relacionada con literatura en este enlace.
La canción del pirata
Con diez cañones por banda,
viento en popa a toda vela,
no corta el mar, sino vuela
un velero bergantín;
bajel pirata que llaman,
por su bravura, el Temido,
en todo mar conocido
del uno al otro confín […]
Bucanero de profesión, el barrio de la Moureira lo vio nacer hasta convertirse en el pirata más temido incluso a el otro lado del atlántico. Sanguinario, cruel y despiadado, comenzó sus andaduras hacia el nuevo mundo donde asesina sin piedad a toda tripulación que con él se topa. Fue mandado ejecutar en Gibraltar tras, se dice, haber dado uno de sus mayores botines a su tío, José Aboal, y éste haberlo escondido en uno de los edificios más ilustres de Pontevedra.
Benito Soto
«La canción del pirata» es uno de los cinco poemas que José Espronceda dedica a los seres marginados de la sociedad en señal de protesta: el pirata, el mendigo, el verdugo, el cosaco y el reo de muerte. Es considerado uno de los poemas icónicos del romanticismo español. Fue publicado en el libro Poesías, en el año 1846, después de su muerte.
Parque infantil en forma de barco pirata en la plaza Valentín García Escudero, el «kilómetro cero» de la Pontevedra romana
El grupo musical Tierra Santa musicalizó «La canción pirata», un romance decimonónico.
«A casa da Campá», también conocida por la antigua casa del pitillo, pues en ella había un bar donde con el café se daba un pitillo. Ésta es la actual sede del Vicerrectorado de la Universidad de Vigo y, se dice, existe un documento en el que los antiguos propietarios hicieron firmar al concejo de Pontevedra, que si en algún recobeco del edificio se hayara dicho tesoro, los legítimos propietarios serían ellos. Cada año se recrea en Pontevedra con la fiesta pirata el desembarco del bergantín El defensor de Pedro, comúnmente mal denominado por The Black joke.
La Casa de la campana
La denominación de Casa de la Campana, tal como se atestigua documentalmente en 1587, debe proceder de encontrarse a escasos metros de la fachada principal de la desaparecida iglesia parroquial de san Bartolomé o Vello. Esta parroquia, por causas que se desconocen, carecía de campanario hasta que, en 1637, el maestre de cantería compostelano Benito Vidal acomete su construcción
Iglesia de San Bartolomé O Vello, con la Casa de la Campana a la derecha. Más información con fotos en este enlace
Para financiar la obra fue preciso deshacerse de la vieja custodia parroquial de plata, mediando autorización arzobispal. Esta carencia obligaba a convocar a los parroquianos con el carillón de la inmediata casa de los Puga, que había pasado a manos de los benedictinos de San Salvador do Lérez. Sus badaladas indicaban el entorno rural de la villa, que delimitaba una frontera acústica, hasta donde fuera posible escucharlas.
Con el paso de los años, el carnaval tomó formas y estilos diferentes según cada país. En España son famosos los de Cádiz, Canarias (El Carnaval de Cádiz junto con el de Santa Cruz de Tenerife actualmente son Patrimonio de la Humanidad) yLaza (Ourense), Verín y Xinzo de Limia (Ourense). En esta ocasión os voy a hablar sobre un nuevo pueblo: Viana do Bolo.
Folión Alternativo, uno de los más espectaculares
En Viana do Bolo (Ourense) el carnaval es algo más que descontrol y fiesta. Es un sentimiento, unha pasión, es autentica magia. En estas tierras la tradición y las culturas ancestrales van de la mano, dando como resultado un carnaval único, como muestra el siguiente documental, hecho por la vianesa Cristina Fernández.
Seis meses de trabajo tardan en darle vida a cada uno de los bombos que atronan los foliones del carnaval. En Viana do Bolo su elaboración artesanal pasa de una generación a otra en un trabajo que requiere maña, tiempo y paciencia a partes iguales (fotos cedidas por Toty, el hijo de Ceferino).
Todo, dicen, por la fiesta de las fiestas, la que llevan esperando todo el año.
Os bombos de Ceferino
Suena con fuerza el folión en el jueves de compadres. Y muchos de esos bombos que ahora atronan salieron de las manos de artesanos como estos de Mourisca, en el ayuntamiento de Viana. Un trabajo que se va cociendo poco a poco durante todo el año. Aquí de nada valen las prisas. Y para ese trabajo de meses no hay que escatimar en materiales: utilizan piel de cabra y maderas de chopo, nogal, cerezo o castaño.
La experiencia aquí es un grado. Ceferino sale con el folión desde los siete años. Grandes y pequeños participan en la fiesta. Acabó el trabajo y comienza lo bueno, lo que llevan esperando todo el año: los días grandes del carnaval.
Bombos y azadas tocando al ritmo de cada folión
LAS MURGAS
Las murgas consisten en un grupo de personas que cantan con letras en las que se hace crítica generalmente hacia a la política, pero también a los problemas de la sociedad en general. Frecuentemente desarrolladas con humor e ironía, las composiciones se hacen sobre la base de canciones populares, a las que se les cambia la letra. A continuación podéis ver tres murgas que actuaron el año pasado en el Pazo de la Cultura, en Pontevedra.
