Llegamos al nivel 2 del MOOC «Gamificación en el aula». El diario de misión incluye realizar un carnet, un análisis DAFO y diversas reflexiones.
Carnet de gamificación
Continuando con el diario de misión, en el nivel 2 he de realizar un análisis DAFO, una herramienta sencilla de utilizar, pero muy potente como mecanismo de análisis de la realidad y de toma de decisiones. Su nombre proviene de las cuatro ideas que centran el análisis: Debilidades, Amenazas, Fortalezas y Oportunidades. Mi análisis es el siguiente:
Sinceramente, las conclusiones a las que he llegado realizando este análisis han sido muy positivas. He encontrado muchas fortalezas y oportunidades (en la presentación muestro una pequeña selección), y pocas debilidades y amenazas. Respecto a estas últimas, incluso se podría considerar la segunda debilidad («exceso de recursos disponibles que, en ocasiones bloquean la actividad creativa») como una fortaleza. Tengo revistas, juegos, libros muy variados, etc. que están esperando por mí. En verano tendré más tiempo para ello.
Los elementos claves de todo proyecto gamificado son la elección adecuada de las dinámicas, mecánicas y componentes del juego. - piopialo
Por otro lado, hemos de poder valorar mi proyecto, la diversión, y de ahí la importancia de las métricas y de un estudio de los jugadores.
Entendemos por mecánicas a los componentes básicos del juego, sus reglas, su motor y su funcionamiento. Las dinámicas son la forma en que se ponen en marcha las mecánicas; determinan el comportamiento de los estudiantes y están relacionadas con la motivación de nuestro alumnado. Por último, los componentes son los recursos con los que contamos y las herramientas que utilizamos para diseñar una actividad en la práctica de la gamificación.
DINÁMICAS
Según Kevin Werbach y Dan Hunter, las dinámicas de juego son aspectos más globales que las mecánicas de juego. Las mecánicas de juego están unidas a los deseos, objetivos y motivaciones que se quiere reconducir y potenciar en el usuario, de modo que, para alcanzarlos se utilizan las mecánicas. En cambio, las dinámicas se encuentran ligadas a los deseos, necesidades e inquietudes humanas que construyen la motivación de los usuarios.
Otro elemento que debemos tener en cuenta antes de implementar una estrategia o un elemento de la gamificación es las características específicas de nuestro alumnado. Es imprescindible tener en cuenta el perfil de nuestros estudiantes y sus características específicas como jugadores/alumnos para desarrollar nuestras actividades. Para ello, contamos con la clasificación hecha por Richard Bartle (1996) que clasifica el perfil de los jugadores según la personalidad y los comportamientos que muestran:
Llegados a este punto, me gustaría afirmar, en este diario de misión, que cuento con todos los tipos de jugadores, quizá por la metodología que empleo, en muchos casos ABJ (Aprendizaje Basado en Juegos). Son, sobre todo, triunfadores y exploradores: a ello contribuye el hecho de presentar nuevos juegos con frecuencia. Se interesan por la metodología, por el contenido y ello les motiva incluso a proponer nuevas actividades.
Espero que os haya gustado la continuación de este diario de misión. Lo cierto es que he aprendido mucho tanto por los contenidos como por la forma de mostrar los mismos (aplicaciones como Genially, Gocongr, etc.). ¡Hasta la próxima!
Referencias:
Werbach, K., & Hunter, D. (2012). For the Win: How Game Thinking Can Revolutionize Your Business. Wharton Digital Press.
Hoy he empezado el MOOC «Gamificación en el aula». Descubrid conmigo este apasionante mundo a través del diario de misión.
MOOC, ABJ, gamificación, juego, diario de misión… ¿qué significan estas palabras tan raras? Llevo meses formulándome esta pregunta, intentando dar un pequeño giro a mis clases para que tanto mi alumnado como vosotros disfrutéis lo máximo aprendiendo. Precisamente por eso me he inscrito este año en el curso TIC y música, impartido por María Jesús Camino Rentería y ahora en éste de gamificación.
Comenzamos. Los MOOC (acrónimo en inglés de Massive Open Online Course) o CEMA en español (Curso En-línea Masivo y Abierto) son cursos en línea dirigidos a un número ilimitado de participantes a través de Internet según el principio de educación abierta y masiva.
Gamificación se refiere al uso de mecánicas y elementos de juego en entornos no lúdicos. A su vez, mecánicas de juego se refiere a la existencia de un desafío cuya superación va asociada a una experiencia divertida o estimulante y que tiene algún tipo de recompensa. Ejemplos de recompensa son mejorar una puntuación, descubrir una sorpresa, obtener un premio… Por tanto, no tiene un contexto de ganancia o pérdida.
La primera tarea consiste en crear un diario de misión, que viene siendo un diario de aprendizaje para incluir todas mis evidencias de aprendizaje de manera que tanto mis compañeros como yo podamos compartir la información y crecer conjuntamente. Para esta misión he creado mi propio avatar, que representa mi rol, ¿os gusta? Es un elemento de juego como sería mi ficha o mi perfil de participación.
Continúo. Cuando estaba estudiando en el conservatorio, uno de mis profesores de armonía me dijo que copiase piezas de los grandes compositores y las modificase en función de mis gustos. Eso hice en su momento… y actualmente, inspirándome en el trabajo de otros profesores que comparten material en las redes sociales. Pues bien, gracias a este curso de gamificación he podido acuñar un nombre a este proceso: curación de contenidos. Yo la estoy realizando a través de Pinterest: ver mis pines.
Si bien este curso está basado en la gamificación,
os avanzo que estoy editando un juego de creación propia: el juego de la M. Como juego que es, sí se pierde o se gana. Es muy útil y recomendable para aprender los intervalos, las armaduras y las tonalidades relativas. - piopialo
Los más peques aprenden a escribir sonidos cortos y largos dibujando líneas. Recursos TIC para que podáis practicar en casa con vuestros hijos/as.
La escritura no convencional para trabajar música en la infancia consiste en dibujar líneas largas y cortas en función de la duración del sonido. - piopialo Con Vega he realizado primero un dictado musical, interpretando secuencia de dos o tres sonidos. Ella tenía que escribirlos en la carretera y, para terminar, los interpretaba utilizando un Lacasito a modo de coche. Recordad cuando practicamos con el sonido de la vaca y el pollito.
¡Cuidado, que hay curvas!
Podéis comenzar con este vídeo de Musizón, en el que muestra de forma amena y divertida los diferentes tipos de sonido:
Descubriendo los sonidos
En esta actividad el mago nos invita a escuchar y observar los sonidos que proceden del cuco. Incluye sonidos onomatopéyicos de animales y objetos.
Por último, este ejercicio, algo más complejo, consiste en escuchar los audios y asociar cada dibujo a lo que habéis escuchado (tenéis que permitir Adobe Flash Player):
Hoy se estrena en los cines «Un mundo ideal» de Aladdín, tema al que ponen voz Aitana y Zayn Malik. Ofrezco la partitura de piano con letra para vosotros.
Disney estrenaba en 1992 Aladdín. Una adaptación de una historia homónima incluida en “Las mil y una noches.” Por un viajero francés que a su vez la había escuchado de un investigador maronita en Alepo. (Si que ha dado vueltas la historia hasta la adaptación occidental.)
Hablemos de una de las canciones más representativas de Disney, de la infancia de muchos y la más reconocible en la aventura oriental de Disney, Un mundo ideal.
Lejos de parecer el clásico cuento de una princesa desvalida la cual necesita un príncipe que la rescate de un malvado villano u/o dragón, está historia muestra una personaje femenina fuerte y en la letra nos lo deja muy patente.
La letra hay que leerla entre líneas pues ambos personajes quieren escapar de su condición social. Uno por ser un pobre ladronzuelo de las calles y ella por vivir encarcelada en una jaula de opulencia sin poder salir de palacio ni ver el mundo tras los muros de este.
Yo te quiero enseñar
Un fantástico mundo
Ven Princesa y deja a tu corazón soñar
Yo te puedo mostrar
Cosas maravillosas
Ven Princesa y déjate llevar a un mundo ideal
Un mundo ideal
Un mundo en el que tú y yo
Podamos decidir cómo vivir
Sin nadie que lo impida
La primera estrofa de la canción es una declaración de intenciones y nos deja patente el deseo de ambos. Uno por vivir penurias cada día y que a su vez se da cuenta de que la princesa, a estas alturas del cuento, vive una vida que no desea. Como comentaba antes esta letra hace bastante inmersión en un deseo paritario en vez del clásico en el que se mantienen las preferencias de uno sobre otro.
A partir de aquí prácticamente Aladdin le da voz y mando a Yasmin, en la letra y se queda en un segundo plano siendo ella la que comunica cuales son de verdad sus deseos y por primera vez se siente escuchada.
YASMÍN:
Un mundo ideal
Que nunca pude imaginar
Donde ya comprendí que junto a ti
El mundo es un lugar para soñar.
YASMÍN:
Soy como un haz de luz que lejos va
Y nunca más podrá volver atrás
En estas dos partes de la letra se deja ver claramente la idea anterior. Ella quiere cambiar su vida, junto a alguien que la entienda. Desea empezar de cero, lejos donde nadie la conozca, donde no importa que sea princesa o plebeya. Lo que desea es ser libre sin ataduras ni prisiones. Ella quiere y desea ser dueña de sus elecciones y no mirar atrás.
Reflexiones musicales sobre los comentarios aportados por mis compañeros/as de posgrado. Ésta ha sido la respuesta de mi profesor, Pere Godall Castell.
María. Realmente tienes idees muy claras del qué y del como enseñar. Una suerte para tus alumnos! Destacaría que en tu elección consigues poner de relieve contenidos fundamentales: tener presente la variedad, la expresión de emociones, ámbitos como el de la música para el cine, y el valor de fomentar el espítitu crítico, a reflexionar. Excelente. Lo mismo sobre las propuestas. En tu selección hay diversidad y hay valores (como impulsar la música tradicional)…
La última tarea del posgrado sobre Ed. Musical que he realizado consistía en reflexionar sobre diferentes temas: por un lado, seleccionar tres audiciones propuestas por mis compañeros, justificando el porqué de la elección; por otro, a partir de los distintos foros realizados, seleccionar cinco comentarios de mis compañeros y reflexionar sobre por qué la había escogido.
Por Marta Portolés Personat – Jueves, 21 de marzo 2019, 11:13
Rock and Roll: Como cantante representante del Rock and Roll he elegido a Elvis Presley con la canción «Jailhouse Rock». He escogido esta porque pienso que es la que representa mejor las características del género musical.
Jailhouse Rock (Elvis Presley)
He escogido esta pieza pensando en el alumnado de 5º y 6º de Ed. Primaria. Es fundamental que conozcan al autor, uno de los más importantes de la historia del rock en la década de 1950. Me centraría tanto en los datos históricos como en el ritmo del rock, aprovechando para repasar el compás de 4/4 e incluso la voz, ya que a partir de 5º diferencian dos tipos de voces masculinas y femeninas (enmarcado en la ópera).
Por Aida Bel Segarra – Domingo, 24 de marzo 2019, 15:49
Instrumental: «River flows in you» de Yurima. Esta es una composición hecha únicamente al piano. Su intérprete es Yurima, un compositor coreano que desde 2001 que está en activo, a día de hoy ya ha grabado 15 álbumes.
River Flows in You (Yurima)
Esta pieza la aprovecharía para repasar cuestiones relacionadas con la dinámica y los instrumentos de cuerda, sobre todo en el caso de piano que se trata de un instrumento que crea controversia ya que las cuerdas no están a simple vista y muchos alumnos/as no conocen el funcionamiento del mismo.
5 COMENTARIOS
Por Julia Molas Casellas – Domingo, 24 de marzo 2019, 20:53
Quería proponer una audición para acercarnos a nuestro propio contexto y en nuestra cultura, pues se trata de una sardana. Pienso que las músicas étnicas, tanto del propio país como de los otros, se deben conocer ya que nos ayudan a comprender la realidad y la historia de estas. Esta es «La santa espina», con música de Enric Morera y texto de Àngel Guimerà. Propongo esta sardana ya que es un himno para los catalanes y de las más representativas.
Esta propuesta me ha parecido interesante para hacer hincapié en la riqueza cultura de nuestro país. De la misma forma que enseño canciones populares gallegas, considero esencial enseñar música de otras comunidades autónomas: ritmo, instrumentación e incluso la letra, en este caso.
Y de lectura y escucha obligatoria, estos enlaces con información y partituras de música gallega:
Por Anxo Abalde García – dijous, 28 març 2019, 02:29
Muchos músicos rechazan el encasillamiento de la música, pero las etiquetas de géneros y estilos nos permiten “aislar” los distintos tipos de música de tal forma que las distintas expectativas que nos creamos sobre sus estructuras y normas no interfieran unas en otras. Pero la creciente diversidad de estilos musicales y, sobre todo, de medios tecnológicos para acceder a ellos, pone en cuestión algunas de las definiciones convencionales, que no captan las propiedades emocionales de una composición en particular. De ahí la proliferación o diversidad de estilos ya que se van introduciendo nuevas categorías en función de su congruencia con una atmósfera o entorno determinado.
He escogido este comentario porque transmite la dificultad que existe respecto a la clasificación de los diferentes géneros y estilos.
por Julia Molas Casellas – Domingo, 24 de marzo 2019, 20:53
No sabría destacar ningún género en concreto, a mí particularmente me gustan muchos, desde la ópera hasta la electrónica, pasando por el reggae, el rock and roll, el pop, el rap … Considero que es importante que se conozca un amplio abanico de géneros musicales para poder comprender mejor la diversidad que también encontramos en la sociedad, así como la historia de las diferentes culturas.
Como profesora de música que soy considero fundamental que niños y niñas escuchen mucha variedad de géneros y músicos diferentes. Así, como bien apunta Julia, entienden la diversidad que existe y aprecian más la historia.
por Mireia Llongueras Boque – Jueves, 28 de marzo 2019, 22:28
Sílvia Pérez Cruz es una cantante muy versátil que canta diferentes géneros de música popular. Ha cantado flamenco con el grupo «Las migas», también con grupos de música tradicional catalana, de jazz, rumba … Últimamente canta en solitario acompañada de cinco músicos de cámara (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Esta habanera «Vestida de noche» la encuentro muy bonita, sobre todo me gustaría destacar su expresividad musical y este sentimiento mediterráneo que transmite cuando la canta, propio de nuestra tierra.
La expresión de las emociones es un aspecto crucial en la educación musical, ya desde los 3 años de edad. Por eso me he decantado por este comentario de Mireia. La expresión de los sentimientos ayuda a progresar ya no solo en el colegio, sino en muchos aspectos de la vida.
por Rebeca Ureña Mallen – Sábado, 23 de marzo 2019, 09:09
Me parece interesante hablar del género de música de cine. Hay una película que me gusta mucho que es Tarzán y la banda sonora es brutal. La música la compuso Mark Mancina un músico de género rock famoso a partir de los 80. En el año 2000 la banda sonora obtuvo el Grammy al mejor álbum de banda sonora.
Las bandas sonoras son un recurso educativo ideal para cualquier curso, ya sea de Ed. Infantil, Primaria e incluso Secundaria. Se puede tratar instrumentación, las propiedades del sonido, etc. a través de música de cortos, en el caso de las primeras etapas (La pantera rosa, etc) o películas muy variadas, como Tarzán, como bien he escogido en este caso.
por Aida Bel Segarra – Domingo, 24 de marzo 2019, 15:49
Punk: El vals del obrero de Ska-P. Esta es una canción del género punk del grupo español Ska-P que hace una denuncia social al capitalismo y la explotación de los trabajadores. Tiene un objetivo reinvindicativo de cara a las injusticias que hay en España.
El vals del obrero (Ska-P)
Para finalizar, me gustaría hacer hincapié en este comentario para destacar el aspecto reivindicativo. Es crucial en el s. XXI enseñar a los alumnos a ser críticos, a pensar por sí mismos, y la música es un buen medio para llevar a cabo actividades de este estilo, ya sea escuchando canciones o bien componiendo letras interesantes con piezas que estemos trabajando en clase.
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La Catedral de Notre-Dame, además de ser la catedral gótica más importante, es la cuna de la polifonía. Conozcamos la historia de la Escuela de Notre-Dame.
Notre-Dame, por Milosz Labinski
La época de Notre-Dame constituye uno de los primeros puntos culminantes en la historia de la polifonía. Su nombre proviene de la escuela de cantores de la Catedral de Notre-Dame de París. Este época coincide, aproximadamente, con la Construcción de la Catedral (1.163-m.s.XIII). Su música es un arte exquisito del clero, destinado sobre todo al servicio religioso. Prestad especial atención a partir del min.4 del siguiente vídeo.
¿Por qué la Escuela de Notre-Dame cambió la historia?
En general, se trata aún de compositores anónimos. Sin embargo, el teórico inglés del s.XIII Anonymus 4 cita a los maestros Leonin y Perotin. El autor de textos más conocido es Phiplippe le Chancelier.
RITMO Y NOTACIÓN MODALES
Con excepción de las partes libres del organum, prevalecen ritmos ternarios rápidos. Los teóricos los dividen en 6 modos, con lo cual se intenta clasificarlos dentro de las antiguas medidas de versificación. De hecho, el ritmo ternario y los modos estarían relacionados con la nueva poesía rítmica latino-romana del s.XII.
LOS GÉNEROS MUSICALES
Eran el organum, el motete y el conductus.
Aunque el organum había existido en la polifonía primitiva se va a desarrollar en gran medida hasta crearse «organum triplum» (a tres voces) y «organum cuadruplum» (a cuatro voces). Las voces ahora ya van a ser mucho más libres, sin tener que respetarse el paralelismo del organum primitivo. El organum melismático es aquel en el que la voz principal (del antiguo gregoriano) se mueve con notas muy largas mientras que las otras voces van haciendo melismas (adornos). Esto se puede ver en la obra de Perotin: «Sederunt Principes».
Perotin: Sederunt Principes
El duplum (dos voces) provisto de texto se llama motetus, y el nuevo género así formado, motete. Este se separó del origen y se convirtió en el principal género profano del Ars Antiqua y del Ars Nova (s.XIII-XIV).
En su carácter de canción a 1 y hasta 3 voces, es un género principal de la época de Notre-Dame. Su contenido es sacro, pero no litúrgico, siendo luego también profano, moral, político, etc., siempre como un arte clerical festivo y serio. La voz principal se halla en la parte inferior (conductus), dada según una estructura regular correspondiente y no anticipada (como el tenor gregoriano del motete. Puede ser silábico o con partes melismáticas más prolongadas en todas las voces al mismo tiempo.
Música de la Escuela de Notre-Dame
Cliquead en este enlace para saber más sobre historia de la música. ¡Otro día más y mejor!
Jornada de descanso. Día del trabajador. No me importa. Para mí es día de reflexiones personales con frases de música.
Corazón de maestro con frases musicales
Me gusta mi trabajo, me encanta, me pirra. Según el día, pero lo disfruto cada día, con más o menos ganas. Tengo la gran suerte de trabajar en lo que me gusta, aspecto que considero imprescindible siendo docente. Hay que ponerse las pilas, actualizarse constantemente y disfrutar el proceso.
«La música es la taquigrafía de la emoción». Leon Tolstoi
Reconozco estar saturada debido a la cantidad de cursos que he realizado este año: un posgrado de educación musical, el curso Composición y arreglos musicales para el aula y un curso de TIC y música, entre otros. Por cierto, este último, curiosamente el más breve, es el que más ideas me ha aportado para el aula: creo juegos del ahorcado, emparejar audios con imágenes, etc.
Las reflexiones personales con frases de música ayudan a encontrarte, a alcanzar tu objetivo y a crecer. Si queréis saber más sobre máquinas infernales no os perdáis esta publicación.
Dedico horas a las redes sociales, al blog y a revistas musicales cada semana. Ojeo métodos, aplicaciones y recursos utilizados por otros docentes con la misma pasión que yo por la enseñanza - piopialo . Aún queda buena gente en el mundo que trabaja sin descanso con una vocación pasmosa. No concibo la enseñanza de otra forma. Mis reflexiones personales me llevan a actuar así.
Los patrones de la música y de todas las artes son las claves del aprendizaje». Platón
Podría vender partituras a través de mi tienda online, al lado de los marcapáginas con frases musicales, pero no me interesa. Quiero que la gente disfrute. Me producen más placer los vídeos que recibo de mis seguidores tocando las partituras que edito, los agradecimientos, o el simple placer de compartirlas, que recibir x € por ellas. Precisamente por eso pongo a la venta los marcapáginas, para que podáis aportar vuestro grano de arena.
Frases musicales en mis marcapáginas: «nunca es tarde para empezar con la música»
Me recuerda a los conciertos y a los discos: podéis escuchar el disco (partituras y apuntes gratis) en Internet, pero cada clase personalizada recibida tiene un coste. Mientras la vida me lo permita, seguiré esforzándome por que este gran proyecto siga adelante, compartiendo material e información muy útil e interesante.
«En verdad, si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco». Tchaikovsky
Recordad siempre estas reflexiones personales con frases musicales. Definen en parte mi proyecto, mi forma de trabajar, de pensar. Así soy yo, así es el proyecto Musiqueando con María. 😄
Además de diferenciar entre ruido y sonidos, los más pequeños escuchan música de los grandes clásicos, en este caso de Mozart.
Libro «Paco y Mozart»
Las clases de Musiqueando con María no se limitan al aprendizaje de lenguaje musical. Como bien muestra el siguiente vídeo, aparte de diferenciar entre ruido y sonidos, vamos introduciendo poco a poco música de los grandes clásicos. En este caso suena el movimiento Allegro con brio de la la Sinfonía nº 40 K.550. Os recomiendo el titulado Paco y Mozart. Libro musical (Libros con sonido)
Fragmento del libro
¿Recordáis el paisaje sonoro? Es un ejercicio relacionado con la altura del sonido, como el siguiente, que consistió en colorear el semicírculo que se correspondiera con la altura la campana. Así, vamos educando el oído musicalmente ya desde los 4 añitos. Los beneficios de la música en todas las edades son muy claros y evidentes.
Otro de los parámetros musicales básicos del sonido, además de la altura, es el de la duración. Lo hemos trabajado con la siguiente ficha: primero imitamos el sonido de los diferentes objetos y, por último, coloreamos los que producían sonidos largos.
Una batidora, una moto, una caja china y las gotas de la lluvia son los sonidos (¿o ruidos?) incluidos en esta ficha. Como bien sabéis, a veces la diferenciación no está muy clara, por ejemplo con el sonido de las motos: algunas suenan realmente bien y otras nos obligan a tapar los oídos.
Os avanzo que próximamente incluiré actividades interactivas para que todos mis seguidores, tanto de nivel básico como intermedio, podáis poner en práctica vuestros conocimientos. El ahorcado, emparejar fichas, unir el audio con la imagen correspondiente, son algunos ejemplos.
Espero que esta publicación con actividades recomendadas sobre ruido y sonidos, duración, etc, os haya gustado y sea útil para todos vosotros.
Seguidme a través de las redes sociales para no perderos ninguna novedad y disfrutar con la música como os merecéis: recursos educativos, eventos, cultura musical, etc. Si queréis colaborar con mi proyecto adquirid un marcapáginas 📚 en mi tienda online. 😉
En Semana Santa fui a Lisboa, ciudad de la que me enamoré hace años y me ha vuelto a sorprender con músicos e instrumentos de todo tipo. ¿Te animas a descubrirlos?
SIERRA FROTADA en RÚA DA AUGUSTA
Uno de los primeros que me sorprendió fue Sergey Nichitovschi. Nació en Moldavia. Comenzó a estudiar música de pequeño – a os 4 anos comenzó a estudiar acordeón (su padre tocaba la trompeta), piano y varios instrumentos. Se apasionó por flauta de pan a los 8 años y más tarde estudió el instrumento. Se licenció en música. En Moldavia, daba clases de música, tocaba con orquestas. Tocó en varios países – Romanía, Alemania y Rusia. Los padres llegaron a Portugal en 1999 y él fue unos años más tarde en busca de una vida mejor. Sergiu tocó por toda a Europa como músico callejero.
Produce música frotando una sierra (saw, en inglés) con un arco. Modifica la altura de las notas doblando el arco (cuando lo dobla más suenan notas agudas y cuando vuelve a su posición natural crea sonidos más graves. Le grabé en vídeo (lo podéis ver en mi canal de Youtube), pero se ve mejor en el siguiente:
Avé Maria, de Schubert
ARCO DEL TRIUNFO DE LA RÚA AUGUSTA
Continuando por la Rúa Augusta llegas a la Praza do Comercio, donde está situado el Arco de Augusta. Su construcción se inició después del terremoto de 1755, pero esta primera versión sería demolida en 1777, después del comienzo del reinado de María I. En 1873 comienza la construcción del segundo arco diseñado por Veríssimo José Dacosta, terminando las obras en 1875.
Arco del Triunfo
En la parte superior del arco se pueden ver esculturas que representan la Gloria, el Genio supremo y el Valor. En un plano inferior podemos ver otras esculturas de Víctor Bastos que representan a Nuno Álvares Pereira, Viriato, Vasco da Gama y el Marqués de Pombal. El texto de la parte superior del arco nos lleva a la grandeza de los descubrimientos portugueses y el descubrimiento de nuevos pueblos y culturas. El letrero reza: «Que la virtud de los grandes sea una enseñanza para todos».
Detalle de la alegoría de la Gloria recompensando valor y genio (porta una lira).
QUINTA DA REGALEIRA
Hijo de los dioses Apolo, dios de la música, y de Calíope, musa del canto. Patrón de poetas y músicos que descendió a los infiernos para rescatar a su amada Eurídice, adormeciendo al guardián Cerbero, perro de tres cabezas, con el sonido de su lira.
Escultura de Orfeo
Escultura del caracol: representa la lentitud en la adquisición de conocimientos.
Tortuga marina: representa la longevidad y la paciencia en la adquisición de conocimientos. De ahí que yo esté indicando con una V de victoria, objetivo conseguido.
N’GONI
En el exterior de la Quinta da Regaleira sonaba un n’goni, arpa africana tocada por un músico callejero. Cuando le pregunté qué instrumento era, me contestó amablemente y me dijo que estaba aprendiendo a comunicarse con la fauna de la zona.
N'goni, arpa africana en la Quinta da Regaleira (Sintra)
Arpa africana (Senegal / Malí /Burkina Faso) que se originó en el siglo XII. Si bien el N’goni es el instrumento característico de Malí, se puede localizar también de forma bastante extendida en toda la zona entre Marruecos y Nigeria. El instrumento consta de dos partes: la caja de resonancia y el mástil.
La caja de resonancia suele ser confeccionada con calabazas gigantes de la zona, vaciadas, pulidas, embellecidas y/o barnizadas. A la calabaza se le coloca una piel, habitualmente de cabra, que puede haberse curtido o no, lo que genera grandes diferencias entre los sonidos resultantes de ambas técnicas.
N’goni
El mástil es un palo generalmente de un tipo de caña espacial del Río Níger, muy resistente y elástica a su vez, que atraviesa la calabaza, creando un pie que recuerda al metálico del contrabajo, con la diferencia de que es la misma pieza que el mástil.
La afinación depende de muchos factores partiendo de una escala pentatónica, cuyo tono sube o baja según la amplitud de la calabaza, las cuerdas usadas, la piel de la caja de resonancia, el artista que la toque y el estilo con que lo haga.
Mástil del n’goni
Curiosidades: En sus primeros tiempos fue un instrumento para uso de pastores y constaba de una sola cuerda. Se cree que el N’goni junto con el Akonting y el Xalam o Khalam son los antepasados del Banjo utilizado en América del Norte.
Se trata de un palacio real construido a mediados del XVIII por encargo de los Braganza a los arquitectos Manuel Caetano de Sousa y Mateus Vicente de Oliveira. De estilo barroco pero con elementos típicos de la arquitectura portuguesa, como los azulejos, fue residencia principal de la realeza, especialmente desde el terremoto de 1755 que asoló Lisboa, y hasta principios del siglo XIX, cuando los franceses invadieron el país y la familia real se vio obligada a exiliarse a Brasil.
(Cliquead en el título para acceder a la visita virtual 360º). Proyectada por el arquitecto Mateus Vicente de Oliveira y finalizada en 1959, es una de las salas más antiguas del palacio. Su estructura se mantuvo prácticamente igual hasta la actualidad. Su volumetría contiene una pared curva formando en conjunto con el techo una concha acústica, en el escenario de los músicos. También conocida como casa de las serenatas, fue armada varias veces como Casa de la Ópera, recurriendo a la ayuda del velamen de los barco. Hasta la inauguración del Nuevo Teatro de la Ópera de Queluz, en 1778 y después de la destrucción de éste, fue escenario de innumerables seriones musicales.
SALA DE LA LINTERNA
Sala de la linterna
Hace de bisagra entre el volumen naciente del palacio y el volumen sur donde se encuentran los aposentos e la princesa, y tiene conexión con la capilla. Por no tener contacto con el exterior, era llamada Sala oscura. Durante la primera invasión francesa, Junot dio orden para abrir este farol, sacrificando la decoración del techo de tela pintada. Esta obra no llegó a concluir, por falta de pago de los obreros, y fue al final de 1809 que Don Joao VI ordena la reposición del farol como los franceses habían planeado.
Sala de la Linterna, con el retrato de D. Miguel en lugar destacado
MUSEO NACIONAL DE LOS COCHES
Alberga una gran colección de carruajes y carrozas antiguas, y de hecho el museo está considerado el mejor del mundo de este tipo, pues contiene decenas de piezas que datan de entre los siglos XVII y XIX.
Vehículo de viaje, España. Fue utilizado para el viaje de Madrid hasta Lisboa, en 1619. Era conducido por un tronquero y su ayudante montados a caballo. Es la carroza más antigua de la colección del museo.
TROMPAS DE CAZA
En el Museo Nacional de los Coches también estaban estas trompas. datadas en el s.XIX. Son instrumentos de viento en latón fabricados en el arsenal real del Ejército en los talleres de la Fundição de Cima, en Lisboa.
Trompas de caza
Detalle
CHARANGA REAL (s. XVIII):
Conjunto de tompetas, timbales y sus tocadores, un total de 28 músicos. Telliz bordado con hilos de plata y oro con el blasón del Rey José I. Usado para colocarlo sobre la silla del caballo. Faldones de timbal: revestimiento para tambor en damasco de seda decorado en oro.
Charanga real
Detalle
Espero que os haya gustado la información que os he ofrecido sobre música e instrumentos en Lisboa. Podéis acceder a más publicaciones sobre historia en este enlace: Historia de la música.
A lo largo del tiempo se inventaron máquinas que revolucionaron la grabación y reproducción musical. Conozcamos su historia.
Primera grabación de la historia en el fonoautógrafo de Scott de Martinville
Hace más de un siglo, el compositor y director de banda John Philip Sousa advirtió que la tecnología acabaría por destruir la música.
«Estas máquinas parlantes van a arruinar el desarrollo artístico de la música en este país. […] Todo el mundo tendrá su música ya preparada o ya pirateada en sus armarios. […] El canto del ruiseñor es delicioso porque es el propio ruiseñor el que lo produce».
Antes de despachar a Sousa como un cascarrabias, podríamos reflexionar sobre cuán drásticamente ha cambiado la música en los últimos cien años. En el futuro, podrá decir el espíritu de Sousa, la reproducción desplazará a la producción. - piopialo
Primeras voces humanas grabadas en la historia
Desde que Edison inventara el cilindro de fonógrafo en 1877 la gente ha estado opinando sobre lo que el medio de la grabación ha hecho por y para el arte de la música. Inevitablemente, la conversación se ha decantado hacia los extremos retóricos. Sousa fue un portavoz pionero de los catastrofistas; en el bando opuesto se encuentran los utópicos, que defienden que la tecnología no ha aprisionado a la música, sino que la ha liberado, llevando el arte de la élite a las masas y el arte de los márgenes al centro.
El fonógrafo y el disco democratizaron la música
Glenn Gould, después de renunciar a tocar en directo en 1964, predijo que en el lapso de un siglo el concierto público desaparecería en el éter electrónico, con un efecto en gran medida benéfico para la cultura musical.
La principal ironía de la historia de la grabación es que Edison no construyó el fonógrafo teniendo la música en la mente. Lo concibió más bien como un artilugio comercial, llamado a reemplazar a la costosa e imperfecta práctica de la estenografía, y que tendría la virtud añadida de preservar a perpetuidad las voces de los fallecidos.
Aunque Edison mencionó la idea de grabar música en su artículo de 1878, no pudo presentir siquiera la aparición de una industria musical. Se imaginó el fonógrafo como una herramienta para enseñar a cantar y como una extensión natural de las interpretaciones musicales domésticas. En la década de 1890, sin embargo, empresarios avispados habían instalado fonógrafos en salones recreativos, permitiendo que los clientes oyeran sus canciones predilectas con tubos para los oídos.
En 1888, Emil Berliner introdujo el disco plano, un procedimiento de almacenaje menos incómodo, y concibió con ello el moderno negocio musical en su totalidad: distribución masiva, estrellas discográficas, derechos de autor y todo lo demás.
El gramófono
Siempre que surge un nuevo artilugio, los vendedores se aprestan a señalar inevitablemente que un artilugio más antiguo ha quedado obsoleto. El automóvil apartó al ferrocarril; el ordenador reemplazó a la máquina de escribir. Sousa temió que el fonógrafo suplantara a la música en directo. Su temores eran excesivos, pero o irracionales.
Edison, cuyos cilindros empezaron enseguida a quedar a la zaga de los discos planos en cuanto a popularidad, estaba tan decidido a demostrar la verosimilitud de sus máquinas que organizó por todo el país una serie de Pruebas de Sonido, durante las cuales las salas se quedaban a oscuras y los oyentes se mostraban supuestamente incapaces de percibir la diferencia entre Anna Case cantando en vivo y uno de sus discos.
Prueba de sonido (1896)
La cinta magnética dio lugar al cambio más trascendental en la relación entre grabaciones y realidad musical. Los ingenieros alemanes perfecccionaron el reproductor de cinta magnética, o magnetofón, durante la Segunda Guerra Mundial. A altas horas de la noche, un experto en audio convertido en soldado y llamado Jack Mullin estaba monitorizando la radio alemana cuando se dio cuenta de que una transmisión orquestal nocturna era asombrosamente clara: sonaba «en vivo», aunque ni siquiera por un capricho de Hitler podía haber estado tocando la orquesta en plena noche. (El siguiente vídeo tiene disponibles subtítulos en español).
Historia de la cinta magnetofónica
Después de concluida la guerra, Mullin localizó un magnetofón y se lo llevó a Estados Unidos. Hizo una demostración a Bing Crosby, que lo utilizó para grabar con antelación sus emisiones. Crosby fue un pionero del que fue quizás el más famoso de todos los efectos tecnológicos: cantar de modo intimista con una voz suave.
La cinta magnética significaba que Bing podía prácticamente susurrar al micrófono y, aun así, ser oído en todo el país. El proceso magnético también permitía que los intérpretes inventaran su propia realidad en el estudio. Podían corregirse los errores empalmando trozos de tomas diferentes.
El magnetofón
La llegada de la grabación digital fue, para muchos escépticos, el ultraje definitivo. Las viejas máquinas vibraban empáticamente con lo que había sido grabado: las colinas y los valles de un cilindro o un disco plano seguían los perfiles de la música. La tecnología digital desmenuzaba literalmente las vibraciones entrantes en bits: series de ceros y unos que se codificaban en un disco compacto y a continuación se reconstituían en un reproductor de CD’s.
Neil Young, el cantante y compositor canadiense de voz áspera, se mostró especialmente mordaz:
«Escuchar un CD es como mirar el mundo a través del estor de una ventana».
No hay duda que la tecnología ha hecho progresar las carreras de personas insignificantes, pero también ha echado una mano a aquellos que carían de apoyos dentro del sistema. El hip-hop, la forma de pop dominante del cambio de siglo, ofrece la demostración más electrizante del todopoderoso efecto dela tecnología. Como indica Jeff Chang, el género surgió en guetos empobrecidos de altos bloques de viviendas, en los que las familias no podían permitirse comprar instrumentos para sus hijos e incluso la forma más rudimentaria de ejecución musical parecía estar fuera de su alcance. Pero, aún así, se hacía música de todos modos: el propio fonógrafo pasó a ser un instrumento.
Antes o después, toda crítica de las grabaciones acaba por citar el ensayo de Walter Benjamin «La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica». El pasaje citado con más frecuencia es la reflexión que hace Benjamin sobre la pérdida de un «aura» que rodea a las obras de arte» el «aquí y ahora» del objeto artístico sagrado, su conexión con una comunidad bien definida.
Aunque a los intérpretes y oyentes clásicos les gusta imaginarse en una alta torre, muy alejada del tumulto electrónico, también ellos son esclavos de las máquinas. Parte de la propaganda más encendida en defensa de las nuevas tecnologías ha procedido del bando clásico, donde la ilusión de la reproducción perfecta resulta especialmente seductora. El fenómeno de la estrella que no lo es más que en apariencia y que tiene grandes dificultades para repetir en la sala de conciertos lo que se supone que hace en el disco, no es algo que carezca de precedentes.
Quizás hay algo de antinatural en el acto mismo de realizar una grabación de estudio. En el cenit de la época de la alta fidelidad destacados productores y ejecutivos clásicos gastaron muchos millones de dólares para crear grabaciones definitivas de las cimas del repertorio.
Auditorio de Hamburgo: Elbphilharmnie o Filarmónica del Alba
El siglo XXI presenta un panorama confuso. Los sellos discográficos están tambaleándose. El concepto de un álbum individual y distinto de otros con una serie de canciones u obras están experimentando probablemente un declive terminal. En el pop, el grueso del dinero se hace ahora con el márketing de las giras y con la venta de productos relacionados con ellas. La música ha dejado ya de ser un premio en una colección; está volviendo a su evanescente estado natural.
La música clásica, o una parte de ella, está floreciendo en línea en los ordenadores de modos inesperados. Las instituciones con más recursos están ofreciendo material de audio en vivo y archivado. Los compositores jóvenes al tanto de las potencialidades de la red ya no dependen de los editores para legar a su público, distribuyendo sus mercancías por medio de blogs, YouTube, Facebook, Twitter, etc
Según Hans Heinz Stuckenschimidt,
«La máquina no es ni un dios ni un demonio»
La gente tiene montones de músicas pirateadas en sus armarios, pero siguen acudiendo a conciertos en vivo, pagando centenares o incluso miles de dólares para conseguir ver fugazmente a sus ídolos. Estamos casi de regreso en el punto en el que comenzamos.
