Los alumnos de Musiqueando con Maríareciben una educación musical acorde con su edad.
Todo en la vida, más que aptitud, es una cuestión de actitud
Son mis pequeñas fierecillas, con las que disfruto cada tarde descubriendo nuevos sonidos, potenciando la memoria, riéndonos, concentrándonos adivinando notas y ritmos… Y cada uno realiza diferentes actividades, en función de su edad y sus gustos: sonidos de la granja, cuentos musicales, solfeo cantado, musicografía braille, piano…
Vega, la benjamina del grupo, está descubriendo nuevos instrumentos, como el cencerro, y escuchando el sonido de diferentes animales.
Vega tocando el cencerro
Vega descubre los sonidos de la granja
Tiene la edad ideal para aprender el crescendo y el decrescendo. en este caso a través de un cuento con canción incluida, cuyos protagonistas son los personajes Plim y Plom: Plim es un punto pequeñito, mientras que Plom es muy grande; para poder realizar visitas a las respectivas casas tuvieron que pedirle ayuda al mago de los puntos, quien trazó un camino que les ayudaba a cambiar el tamaño poco a poco y acceder sin dificultad.
Canción para aprender el crescendo y el decrescendo
Valentina continúa progresando con la musicografía braille. Escribe con la máquina Perkins ejercicios que yo le dicto y después ella los solfea y los canta, como podéis ver a continuación. La próxima semana comenzaremos a practicar nuevas partituras de piano y, por supuesto, ¡seguiremos moviendo el esqueleto al ritmo de la música!
Valentina canta un ejercicio en musicografía braille
En cuanto al solfeo que practica al recibir educación musical, siempre he dicho que lo importante es aprender a razonar las células rítmicas. A partir de ahí es cuestión de practicar la altura de las notas y dedicarle tiempo. Precisamente en este punto están Nayara, Mirella y Paula. Analizamos diferentes ritmos con una plantilla y después cantan los ejercicios.
Plantilla para solfear ritmos de subdivisión ternaria
Esta semana han aprendido a solfear la negra con puntillo unida a la corchea. Podéis ver algunos tutoriales de ritmo en este enlace.
1, 2, 3 y... ¡esas manos!
A este respecto he de decir que próximamente compartiré en mi canal de Youtubeuna serie de tutoriales sobre solfeo para que os sirvan de guía y podáis aprender vosotros también.
Por último, existen técnicas diferentes para desarrollar la memoria: de forma auditiva, sensorial y visual, como podéis comprobar en la siguiente partitura: rodeé varias células melódicas con diferentes colores en función de las notas que las formaran.
Partitura coloreada para ayudar a memorizarla
Espero que os hayan gustado mis métodos. ¡Un abrazo musical! 😊
Se acerca final de año, y con él, las reflexiones sobre la evolución de mi proyecto personal durante estos meses. Lo resumiré con frases musicales que vosotros mismos habéis aportado.
Logo de Musiqueando con María
De nuevo, insisto en que las palabras azuladas son enlaces a otras publicaciones, en este caso de mi blog por tratarse, a grosso modo, de un resumen de este año.
McM es vocación, esfuerzo, ilusión y pasión
“La música siempre es inspiración, el motor de cualquier emoción”.
(Noelia Piñeiro)
Si por algo me caraterizo es por mi humildad, según algunos exagerada. Para que no me lo vuelvan a repetir, al menos durante estas fechas, he de decir que cuando me inspiro sale a relucir mi creatividad y con ella la emoción de mis alumnos, seguidores, amigos, etc. Prueba de ello el tiempo y la ilusión con la que trabajo elaborando juegos y actividades musicales, véase el apartado MATERIAL PROPIO y FOTOS DE ALUMNOS, por poner algún ejemplo.
Shhh
“Sin silencio, no hay música”.
(Kaunis Lupus).
En la música, el uso del silencio es esencial y en una buena interpretación, tiene tanto peso como el sonido. Por un lado, es un elemento determinante de la forma musical porque delimita las dos fronteras del tiempo: el inicio y el final de una pieza. Por otro, el silencio es imprescindible para el ritmo y la emoción de la obra. Estas notas sin ejecución permiten el descanso de los intérpretes y, al combinarse el silencio musical de varios instrumentos, se puede entablar un diálogo entre ellos.
Incluso existe una obra musical en la que se escucha precisamente silencio (o no). Comprobadlo vosotros mismos en el “Top 5 de las obras “Clásicas” más excéntricas del siglo XX” . Estoy segura de que os sorprenderá, sobre todo si no la conocéis.
“Pez cantando”, de Joan Miró
“Dije una vez, la vida me espanta y el eco me respondió, canta”.
(Ana Fernández)
Cantad cuando estéis alegres, cuando estéis tristes, cuando estéis apáticos o llenos de energía. En la publicación “Canciones infantiles en homenaje a la lucha contra el cáncer” ofrezco varios canales de Youtube con canciones para niños en español, gallego e inglés. Por supuesto, no podía faltar una publicación con una selección de “Villancicos: historia, vídeos y partituras”, con los que podéis entreteneros y pasar un rato agradable con vuestros familiares y amigos.
También me gustaría comentar que, siendo pianista, durante los últimos años he aprendido a tocar varios instrumentos: la viola (3 años en Musicología), y actualmente saxo tenor y canto. Es curioso cuánto cambia el sonido en un instrumento de viento en función de cómo soples, cuánto aprietes los labios, etc., pero ninguna sensación alcanza la del canto, donde el instrumento es tu propio cuerpo. Las clases de canto que he recibido desde hace unos meses con María Costas han supuesto para mí un gran descubrimiento, además de, en cierto modo, una terapia (salgo relajada e incluso me encuentro mejor).
Frase de Cristina Angulo
“Música es Musiqueando con María”.
“Música es alegría, tristeza, amor, odio rabia, admiración”.
“Música es todo, aunque pueda parecer nada”.
(Calson)
Como bien dijo José Luis Perales, quien sorprende a una seguidora enferma en un hospital: “Por encima de todo, de todos los males, de todos los hospitales y de los malos momentos, todo eso puede la música”. Comprobadlo vosotros mismos en el vídeo: “cantar para vivir”.
A propósito de estas frases musicales aportadas por Calson, menuda sorpresa llevé hoy cuando, buscando en Google las publicaciones que he compartido sobre los beneficios de la música (palabras exactas: musiqueandoconmaria.com beneficios música), me encontré con otros blogs que me mencionaron mi blog por mis aportaciones musicales. Saber que sirvo de ayuda para otras personas, de una u otra forma, supone para mí una satisfacción increíble.
El blog Música en la red realizó una adaptación para flauta de la partitura que compartí de “Tu canción”, tema cantado por Amaia y Alfred de Operación Triunfo y que representó a España en Eurovisión.
Fran Balsera, profesor que impartió el curso “Inteligencia emocional y enseñanza de la música” al que asistí el año pasado, es el responsable del blog Abriendo mi aula al mundo. Como profesional que es, me siento orgullosa de que cuando conoció mi blog lo insertase como enlace de interés en el suyo.
Mi esencia
Y, ahora sí, me despido con frases escritas por mis alumnas y sus familiares:
Ahora entiendo por qué la peque sale feliz cada vez que va a tus clases. No cambies. Eso se los transmites a tus alumnos. Gracias.
¡¡¡Eres única creando y recreando!!!
No cambies nunca. ¡¡Es esa pasión la que nos hace seres únicos e irrepetibles!!
Yo doy fe de lo buena profesora que eres y mejor persona. Gracias a tus enseñanzas musicales hoy soy un jubilado feliz. Parte de mi tiempo de ocio se lo dedico a la música y me lo paso muy bien. Gracias, María .
Se acerca la Navidad y con ella los villancicos. ¿Conocéis su verdadero origen? Os lo cuento a continuación, con vídeos intercalados.
Llegó la Navidad a Musiqueando con María, y con ella los villancicos
⚠️⚠️⚠️ Antes de nada me gustaría comentar lo siguiente⚠️⚠️⚠️: por un lado, las palabras en azul son ENLACES: si cliqueáis encima accedéis a páginas que ofrecen más información. Además, en los vídeos, una vez cliqueáis en play, si después volvéis a hacer click en Youtube (abajo a la derecha), tenéis acceso a listas de reproducción completas. Por otro lado, os recomiendo volver a visitar las PUBLICACIONES Regalos y actividades musicales para Navidad y también Libros de música recomendados para todos los gustos y edades. Hay muchas ideas y tiempo invertido en estos enlaces 😊 . Por último, y ahora sí, el último regalo de este año, comparto el enlace de acceso a la carpeta que contiene partituras de villancicos gallegos (panxoliñas), en apoyo a la cultura de mi tierra. ¡Ojo a la sorpresa del final!
¿Quién no ha cantado en estas fechas un villancico? Resultaría interminable recoger las numerosas tradiciones navideñas, muchas de las cuales son conocidas y practicadas por todos nosotros: decorar el árbol, montar el Belén, cantar villancicos… Sin embargo, ¿sabemos realmente el significado y el origen de estas tradiciones que, por ser practicadas en tiempos remotos o en países lejanos, las hemos incorporado a nuestra rutina festiva?
Durante estos días los grandes éxitos musicales ceden el paso a esas canciones que año tras año se tararean y cantan durante la Navidad. Canciones populares cuya existencia data de tiempos remotos, pero que mantienen toda su frescura y sabor. Se trata de los villancicos: construcciones poéticas y musicales de carácter popular y de estructura sencilla que forman parte de la cultura literaria y musical de los pueblos.
RESUMEN
El villancico, como indica su propio nombre, es la canción de villa; la que servía para registrar la vida cotidiana de los pueblos. Según algunos historiadores, este canto surgió por el siglo XIII, siendo difundido en España en los siglos XV y XVI, y en Latinoamérica desde el siglo XVII. En sus inicios fue una forma poética española y lo usaban como registro de los principales hechos de una comarca.
Los 30 mejores villancicos
A lo largo de la historia, ha sufrido muchas transformaciones, hasta que en el siglo XIX su nombre quedó exclusivamente para denominar a los cantos que aluden a al Navidad. El villancico no sólo se consolidó como género, sino que se convirtió en el arquetipo de la ‘canción de Navidad’. Su temática se concentra en el niño Jesús, la Virgen María, San José, los Reyes Magos, los pastores y la Estrella de Belén.
HISTORIA DEL VILLANCICO
Se remonta al siglo XIII, siendo muy difundido en España en los siglos siguientes. En el siglo XV se consagraría como una peculiar forma de entender las tonadillas popularesde la España Medieval, dando origen y asentándose la costumbre de entonar villancicos durante las fechas navideñas, señalándose como el primer villancico “Puer Natus Est”.
Villancicos que me recuerdan a mi infancia
Algunas de las melodías europeas de los villancicos formaron parte de los misterios y representaciones teatrales medievales del Ciclo de Navidad. Al prohibirse éstas en los templos, quedaron como cantos sueltos que se ejecutaban con motivo de la Navidad. Pronto los villancicos se trasladarían del pueblo a la Corte, convirtiéndose en los siglos XV y XVI —junto con el romance—, en las composiciones poético-musicales profanas más interpretadas.
El villancico, que en sus inicios fue una forma poética española, significa como hemos mencionado con anterioridad “canción de la villa”, o “canción campesina” ya que, al parecer, fue un canto rústico de villanos o aldeanos en sus fiestas; su estructura musical fue más bien sencilla y utilizada, a manera de cronismo musical, para registrar los principales hechos de una comarca.
Sin embargo, esto no impidió que, más tarde, el villancico no solo se consolidase como género, sino que se convirtiera en el arquetipo de la “canción de Navidad”, hasta llegar a nuestros días como un complejo y vasto repertorio de canciones (de diferente origen) que se entonan, casi universalmente, en la época navideña.
La música de los villancicos aparece – en la historia occidental – hacia la época medieval, aproximadamente en el siglo XIII y en sus orígenes estuvo conformado por un refrán que se repite como en las obras en forma de “rondó”. Surge como una monodía (línea melódica sola) con Alfonso X, convirtiéndose en los siglos XV y XVI en una composición de estilo madrigalesco (a dos, tres y hasta cinco voces), llegando por último a ser una especie de cantata para solos, coro y acompañamiento instrumental. En la Europa de los siglos XVI y XVII se registra una extraordinaria vigencia de este género.
Los primeros villancicos en España fueron composiciones polifónicas a tres y cuatro voces que se encuentran recopiladas en los cancioneros españoles de la época: en el “de Palacio”, el “de Medinaceli”, el “de Upsala” (editado en Venecia en 1556 y denominado “de Upsala” porque el único ejemplar conocido se encuentra en la Biblioteca de la Universidad de dicha ciudad sueca), en el “de Sablonara”, en el “de la Colombina”, el “de Stúñiga”, etc.
Estos cancioneros contienen buena cantidad de villancicos polifónicos cortesanos que poéticamente derivan del “zéjel” y de los géneros italianos “virelai” y “ballata”, todos ellos conformados formalmente por estribillo (A), seguido de copla en dos partes (mudanza: bb – y vuelta: ba), al final de la cual se repite el estribillo (A) y sigue otra copla. Paralelamente al villancico polifónico se cuenta ya en el siglo XVI con el villancico a una voz y acompañamiento de vihuela que, a partir del siglo XVII, se acompañaría de guitarra.
Estructura de los villancicos
Desde fines del siglo XIX el nombre ha quedado exclusivamente para denominar a los cantos populares – religiosos o profanos – que aluden al misterio de la Navidad y que se cantan con el acompañamiento de instrumentos musicales populares. A partir de esta época, el villancico sufre grandes cambios pues su temática se va concentrando hacia la referencia de los elementos que intervienen en la fiesta de Navidad.
LOS VILLANCICOS COMO RECURSO DIDÁCTICO
La utilidad del villancico, no sólo se centra en aludir a la Navidad, para los especialistas de otras lenguas es un gran recurso didáctico para unir culturas: la nativa y la del idioma aprendido. Por medio del villancico, fomentamos el desarrollo de numerosas capacidades: captación rítmica y melodía, captación del pulso y el acento musical, expresión de matices, expresión a través del movimiento corporal…
Let`s sing!
A través de las canciones, se establece un contacto directo con los elementos básicos de las culturas; por este motivo, nunca será excesivo el cuidado que se ponga al seleccionar el material de enseñanza. Puede decirse que una canción debe responder a las necesidades musicales y espirituales más auténticas del niño. Cuando cumple estas condiciones, el pequeño la acepta y la hace suya, entrando en ese mismo momento a formar parte de su mundo interior, abriendo así el camino para la enseñanza del segundo idioma. Las canciones son una actividad muy apreciada entre el alumnado. En general, están dispuestos a escuchar e incluso a entonar una misma canción repetidas veces.
Descansad la voz y... ¡a bailar!
¡SORPRESA! Si queréis camisetas personalizadas de Musiqueando con María poneos en contacto conmigo a través del correo musiqueandoconmaria@gmail.com o enviadme un mensaje privado a mi página de Facebook.
Después de conocer “Teléfono”, Aitana ha sorprendido a sus seguidores con “Vas a quedarte”, su nueva canción incluida en el disco “Tráiler”.
Carátula del disco Tráiler
Aitana Ocaña Morales, conocida simplemente como Aitana, es una cantante y compositora española. Se dio a conocer en el año 2017, cuando formó parte de la novena temporada de Operación Triunfo quedando en segundo puesto. Obtuvo el segundo puesto en el concurso musical, siendo una de los seis candidatos para representar a España en el Festival de Eurovisión 2018, con «Arde» en solitario y «Lo malo» en dueto con la también concursante Ana Guerra.
El sencillo «Lo malo» que quedó en tercer lugar con un 26%, alcanzó el número 1 en las listas musicales de España y obtuvo cuatro discos de platino con 160.000 compras digitales. Al finalizar el concurso, Aitana firmó un contrato con la discográfica Universal Music Spain y lanzó su sencillo debut, «Teléfono»,el cual se convirtió en su segundo sencillo número uno que también ha alcanzado triple disco de platino. El lanzamiento de su primer EP, «Tráiler» con temas en inglés y en español, se produjo el 30 de noviembre de 2018 y ya es disco de oro en España.
La canción “Vas a quedarte” es más lenta de lo que Aitana nos tenía acostumbrados, pero desprende todo el poder de su voz. El tema, compuesto, en parte, por los chicos de Morat, es profundo y emotivo y forma parte de la historia de Aitana. Ella misma eligió México para dar a conocer su nuevo tema y no fue casualidad: la cantante quiere conquistar el mercado latinoamericano y su presencia en los Grammy Latinos, entregando un premio junto a la venezolana Lele Pons, es sólo un paso más hacia su objetivo.
Este es el último regalo de este año. Mi vocación y amor por la música me llevan a compartir con todos mis seguidores las partituras que mis alumnos me piden - piopialo . Recordad que en la sección Descargas de mi blog tenéis más partituras disponibles, además de apuntes de lenguaje musical.
Muchos músicos profesionales cuentan con el apoyo radiofónico y de grandes marcas. Hoy saco a la luz discos musicales de músicos no tan conocidos, pero no por ello menos interesantes.
Nuevos discos musicales
Rosalía, Aitana, Morat, Pablo Alborán, Beret, Maluma, Luis Fonsi, Ana Guerra, Álvaro Soler… ¿y qué es de los músicos que no cuentan con el mismo apoyo y publicidad? También se merecen que se escuchen sus discos, su música en directo. Por eso no he dudado en darles al menos una oportunidad y mostrar su trabajo. ¿Sabéis qué es un theremin? Y ya puestos, ¿conocéis A Guarda? Algunos músicos de los que voy a hablar son paisanos míos de dicho pueblo. Pese a estar en una esquinita de Galicia, es conocido por sus castros celtas y… ¡también por su gran tradición musical! Pasen, vean y disfruten.
En 2017 iniciaba una carrera en solitario con el nombre de Bruce Grinn, autoeditándose este año 2018 su primer álbum bajo el título genérico de “Fustian Fumes”. Contiene ocho canciones que resultan especialmente conmovedores por su épica dimensión intimista concebida bajo parámetros musicales diversos que se mueven en un amplio recorrido que abarca el rock, el folk, el pop, el blues y el country, desde las raíces hasta las corrientes más actuales. En este nuevo proyecto coexiste una necesidad personal de dar vida a inquietudes que, por múltiples razones, no encajaban en su anterior proyecto, por sensacional que éste fuese.
Kind of Like
Con su nuevo álbum, no solo nos invita a compartir un universo lírico y sonoro rico en matices, de composiciones desbordantes, con arreglos absorbentes, y voces inigualables, sino que nos descubre su capacidad de reinventarse con una solidez y una emoción contagiosa. Ya en el libreto del Cd, podemos leer en inglés, a modo de sentencia aclaratoria para esta sensacional bitácora existencial:
Durante el viaje a través del cansancio finito, los humos “fustian” (fig. “sin propósito”) se asoman de vez en cuando en formas inesperadas para redimir a los pasajeros de su pesaroso anhelo.
Bruce Grinn
Y en esta brillante reflexión personal del autor se encuentra condensada la esencia vital del arte para plena satisfacción de personas con una capacidad innata para emocionarse ante una obra tan sumamente perfecta y fascinante como ésta.
The Pretty Shirts es una banda de rock and roll crudo y directo que sigue la premisa original del garage-rock, derrochar energía sobre el escenario. La banda nace en A Guarda (Pontevedra) en 2009 tras varios proyectos de sus componentes, con la única idea de crear rock and roll y recorrer cuanto escenario se ponga por delante.
Componentes del grupo The Pretty Shirts
En octubre de 2011 se meten en un estudio para grabar su primer EP de presentación So Good To Be Right Here recibiendo muy buena respuesta por parte del público.
So good to be right here EP (making-of)
En junio de 2014 publican un single de dos temas titulado Ain’t No Another Love Song y tras rodar por múltiples escenarios con el single bajo el brazo, en abril de 2015, graban su primer LP homónimo en Baixo Miño estudios. El disco consta de 8 temas en los que por un lado se ve la energía que derrochan en directo y por otro se ve el lado más sosegado de la banda.
En octubre de 2018 presentanA Few Seconds de la mano de Clifford Records. Un álbum conceptual compuesto por 11 canciones donde The Pretty Shirtshablan del impredecible camino que transcurre entre el primer y puro amor, pasando por noches oscuras, euforia, errores, penitencia y situaciones de superación hasta que la gran verdad debe ser afrontada.
MY GIRL (videoclip)
Componentes:
Miguel Castro – Guitarra y coros
Miguel Domínguez Lomba – Voz
Manuel González – Percusión y coros
Álvaro Vázquez – Bajo
Es precisamente Álvaro, el bajista del grupo, quien ha lanzado hace poco un proyecto en solitario. Se llama Wild Cactus y es un espectáculo de comedia y música country.
DOUS nace allá por el año 2001 cuando Fernando Abreu y Pablo Carrera se conocen durante la grabación del primer disco de Mercedes Peón. A partir de aquel encuentro comienzan a realizar sesiones de improvisación que quedan grabadas y que servirán tiempo después como punto de partida de las composiciones recogidas en su primer trabajo“sÓ sOn sOns” (Falcatruada, 2008). En el año 2012 publican “Dous” (Nakra), un conjunto de piezas donde la melodía y las músicas populares del mundo se sitúan en la base de su creación.
Componentes del grupo Dous
En el año 2017DOUS presenta “A viaxe de Yoyo”, su tercer trabajo discográfico editado con el sello gallego Nakra en el que continúan la línea marcada en sus dos trabajos anteriores, mezclando influencias de músicas del mundo e improvisación para crear un repertorio de composiciones propias en el que profundizan en la búsqueda de la emoción por encima del virtuosismo técnico, invitando al oyente a un viaje a través de los sentidos.
A lo largo de su trayectoria también han trabajado en la creación de espacios sonoros para los espectáculos teatrales “A paz do Crepúsculo” y “García” junto al director gallego Cándido Pazó. Su música también ha servido de acompañamiento en varios trabajos audiovisuales y en talleres de arteterapia por toda la península ibérica como parte del equipo VoArte junto a Víctor Orive. Estas experiencias resultaron fundamentales para llevarlos a profundizar en la capacidad terapéutica de la música. DOUS ha sido finalista en tres ediciones de los Premios Martín Códax de la Música Gallega dentro de la categoría de Músicas del Mundo.
“A viaxe de Yoyo” (2017) narra el apasionante viaje de Yoyo, un ratón afable y soñador que un buen día decide abandonar la seguridad de su madriguera en busca de aventuras. Yoyo nos acercará cautivadoras melodías de jardines, de bailes de máscaras o de las profundidades del océano.
A viaxe de Yoyo (fragmentos)
Marcos Vázquez – batería Pablo Pérez – contrabajo Leandro Deltell – percusiones en “Manani” Olalla Fernández – diseño, ilustración y fotos Gus Abreu – fotos
Modulador de Ondas es el nombre del proyecto en solitario del compositor, thereminista y guitarrista Paulo Pascual.
A principios de 2017 Paulo Pascual inició un camino en solitario tras formar parte de múltiples proyectos grupales. Se propuso crear un repertorio propio en un par de meses y desarrolló una manera totalmente autónoma de llevarlo al directo, para lo que utilizó una combinación de instrumentos que no cuenta con precedentes a nivel internacional llevada a cabo por un sólo músico: theremin y guitarra eléctrica.
Caribou con theremin y guitarra
Estos fueron los dos únicos instrumentos con los que ofreció más de 30 actuaciones durante ese año. Lo intercaló con sesiones de cine musicado en directo y talleres de acercamiento al theremin, una labor divulgativa que combina con sus clases de theremin. Es la única persona que lo hace en Galicia, y con esto busca que el número de intérpretes se multiplique y se forme “comunidad” para compartir experiencias y conocimientos y avanzar en el placer de hacer música acariciando el espacio de radio de acción de las dos antenas. Para esto, pasa su tiempo en un taller-estudio en Vigo (Galicia,España) llamado Planeta Theremin, lugar de trabajo y punto de encuentro entre thereministas.
Paulo Pascual ensayando entre medusas
El theremin es el único instrumento que se toca sin tocar, de una forma casi mágica y que responde a un funcionamiento radicalmente distinto al resto. Es electromagnetismo, electrónica del pasado que viaja sobre nuestro mundo al futuro. En este trabajo, el músico da rienda suelta a su necesidad expresiva. Las melodías, armonías y sonidos fluyeron en el aire de cada tema durante la composición sin prestar atención a condicionantes estilísticos.
LP Modulador de ondas
Planeta Theremin es un disco que marca un paso hacia la naturalidad, sencillez y al placer de hacer música sin condicionantes, o metas. “Menos es más” decía Clara Rockmore a los futuros thereministas, entender eso en este instrumento es entender mucho. Se trata de un album autoeditado; grabado y mezclado por Alber Costas en agosto de 2018 en Vigo.
Pablo Navas nació en Madrid. Estudió Educación Social y empezó a tocar la guitarra y componer a los 15 años. Con 23 años (allá por el 2006) decidió cambiar de aires. Desde entonces vive en Santiago de Compostela. Trabajó de Educador Social en diferentes proyectos durante muchos años y fue compaginándolo con la música, al principio como un hobby, pero… En el 2014 se lanzó a vivir exclusivamente de la música, dando CONCIERTOS YEYUNOS (porque también se le conoce como Yeyo) en bares, locales y fiestas, solo con mi guitarra y voz…
Llevo componiendo canciones muchos años, aunque me gano la vida desde hace una década haciendo conciertos de versiones de otros grupos y músicos. Nunca había sentido que fuera el momento de lanzar mis canciones al mundo… hasta ahora. El disco Mundos paralelos está formado por nada menos que ¡12 canciones! compuestas por mí, tanto la letra como la música. Aunque compongo con guitarra acústica, en mi cabeza siempre fueron canciones para tocar con banda. Y está formada por Pablo Navas (voz y guitarra), Suso Pereiro (bajo), Pablo Pazo (guitarras y violín) e Iria Iglesias (teclados).
“Quien se atreva a enseñar nunca debe dejar de aprender”.
Enseñar y aprender
Antes de tratar el objeto de esta publicación me gustaría comentaros un detalle importante para mí. Hace un año, aproximadamente (el tiempo pasa volando), Ricardo Otero, mi community manager, me recomendó actualizar pequeños detalles del blog. Volví a leer el apartado Quién soy y tuve muy claro que quería añadir un párrafo, cuyo título, “C” de Compatir y Colaborar, me parecía imprescindible para transmitir mi filosofía docente. El texto es el siguiente:
Logotipo personal
Siempre he estado convencida del valor de aportar ideas pedagógicas y material de descarga gratuita. Por eso, ya desde septiembre del 2014, he editado y publicado partituras y apuntes de lenguaje musical elaborados por mí. Las canciones escogidas son las que mis propios alumnos me piden o la que vosotros proponéis. Una vez editadas las partituras, que es lo que más esfuerzo conlleva, sólo pienso en compartirlas y que todos disfrutéis interpretándolas. […]
Intento estar en contacto con otros músicos a través de las redes sociales (Facebook, Instagramy Twitter), sobre todo con profesores que comparten fotos y vídeos de sus clases. Este hecho enriquece nuestras experiencias musicales, de forma que todos salimos beneficiados. […]
Musiqueando con María
Como bien indica la frase de John Cotton Dana, la formación docente es vital para ofrecer una educación de calidad. Por eso, durante los últimos meses, además de matricularme en un postgrado, cursos de educación musical, leer artículos de revistas de pedagogía musical, etc., me he inscrito en el Simposio Internacional de ME&DM (24 y 25 de enero) y en el II Congreso Mundial de Educación (22 al 24 de febrero).
Cartel publicitario del simposio
En el simposio internacional de educación musical y materiales didácticos voy a intentar presentar algunas de mis ideas. Fue Rosa Mª Vicente Álvarez (Educación primaria en la enseñanza pública, Stellae-Universidade de Santiago de Compostela, Universidade de Vigo) quien, al ver mi blog, me animó a ello. Ahora intento crear una cadena y enviar el mensaje a otros docentes o personas interesadas. Ojo, porque la fecha límite para la aceptación de trabajos termina el día 15 de este mes. (Recordad que comparto documentos gratuitos (apuntes y partituras) a través de la sección Descargas).
La propuesta para llevar a cabo este simposio surge de la necesidad de hacer visible el trabajo llevado a cabo en investigación educativa desarrollada por un grupo de música de IARTEM y el grupo de investigación STELLAE y la necesidad de ofrecer un espacio común para el debate a todos los investigadores que tratan el tema.
II Congreso Mundial de Educación
Por otra parte, tras el éxito de la primera edición la Asociación Educa en co-organización con la plataforma MIAC organiza el II Congreso Mundial de Educación. EDUCA 2019. El evento desea ser un foro de intercambio de conocimiento y experiencias didácticas entre profesorado y alumnado de todas las etapas educativas y materias.
Son pocas las oportunidades actuales de encontrarse en un mismo evento técnico-científico todo el profesorado que imparte docencia en las diferentes etapas educativas. Quizá una perspectiva en común, pueda favorecer las sinergias y directrices para establecer una mayor calidad educativa y especialmente para conocerse entre todos, ver cómo trabajan otros compañeros, aportar ideas, establecer líneas de actuación…
Miriam de Operación Triunfo ha lanzado “No!”, su nuevo single en colaboración con Pablo López.
Hoy te cuento en mi blog un poquito más sobre “No!” de Pablo López y Miriam
Pablo y Miriam, compositores de la canción “No!”
CANCIÓN
Miriam, la tercera clasificada de Operación Triunfo en la pasada edición, ha lanzado su nuevo single, “No!”, una colaboración con el artista Pablo López. La canción es una balada que se revela en un grito de desesperación. El estilo musical del Pablo casa a la perfección con la fuerza que Miriam impregna a sus interpretaciones vocales.
El videoclip está dirigido por Gus Carballo y ha sido grabado en la biblioteca del Ateneo de Madrid. Miriam siempre ha confesado ser una gran admiradora de Pablo López, que además de colaborar en la composición se ha ocupado de la producción del tema.
Si bien este blog está destinado a personas de todas las edades y gustos musicales, lo cierto es que muchos de mis seguidores (alumnos) son adolescentes. De ahí que las publicaciones más visitadas de este blog sean partituras de canciones interpretadas o compuestas por concursantes de Operación Triunfo. Mi vocación pedagógica me ha llevado, en esta ocasión, además de compartir con todos vosotros estos documentos de descarga gratuita, a explicar un concepto de lenguaje musical: la síncopa.
Una síncopa es el efecto rítmico causado por el uso de notas sobre partes débiles del tiempo o compás y su prolongación sobre tiempos más fuertes. Es conveniente explicar que existen dos tipos de ligaduras: de unión o prolongación (entre notas de la misma altura), y de expresión (notas diferentes)
Podéis descargar la siguiente foto con dos ejemplos en este enlace. El segundo es un fragmento del estribillo de “No”, de Pablo López y Miriam.
Explicación de la síncopa con ejemplo de la canción “No!”
Espero que disfrutéis tanto la canción “No!”, de Pablo López y Miriam, como mis aportaciones de lenguaje musical.
Samaín es una celebración de origen celta. Musiqueando con María os cuenta su historia, con música para todas las edades.
Rueda del año celta
HISTORIA
Los antiguos pueblos celtas, llegado el final de Octubre, solían celebrar una gran fiesta para conmemorar “el final de la cosecha”, bautizada con la palabra gaélica de Samhain. Significa, etimológicamente, “el final del verano”.
Samaín, el período entre dos épocas
Esta fiesta representaba el momento del año en el que los antiguos celtas almacenaban provisiones para el invierno y sacrificaban animales. Se acababa el tiempo de las cosechas, y a partir de entonces, los días iban a ser más cortos y las noches más largas. Los celtas creían que en esta noche de Samaín (Halloween hoy en día), los espíritus de los muertos volvían a visitar el mundo de los mortales.
Magosto
Encendían grandes hogueras para ahuyentar a los malos espíritus. Era la fiesta nocturna de bienvenida al Año Nuevo. La costumbre era dejar comida y dulces fuera de sus casas y encender velas para ayudar a las almas de los muertos a encontrar el camino hacia la luz y el descanso junto al dios Sol, en las Tierras del Verano.
El origen celta de Halloween
Tras la romanización de los pueblos celtas – con alguna excepción como es el caso de Irlanda- y, a pesar de que la religión de los druidas llegó a desaparecer; el primitivo ‘Samhain’ logreó sobrevivir conservando gran parte de su espíritu y algunos de sus ritos. Así pues, la tradición será recogida y se extenderá por los pueblos dela Europa medieval, en especial los de origen céltico, quienes tradicionalmente ahuecaban nabos y en su interior ponían carbón ardiente para iluminar el camino de regreso al mundo de los vivos a sus familiares difuntos más queridos dándoles así la bienvenida, a la vez que se protegían de los malos espíritus.
Nabo para celebrar Samaín
Con el auge de la nueva religión -el cristianismo- la fiesta pagana se cristianizó después como el dia ‘de Todos los Santos’ (la traducción en inglés es, “All Hallow´s Eve”, de ahí la expresión actual de ‘Hallowe’en’).
A pesar de ello, los irlandeses , entre otros pueblos de origen celta, siguieron celebrando la tradición festiva de la noche de Samhaim, el 31 de Octubre, desde el año 100 d.C. A mediados del siglo XVIII, los emigrantes irlandeses empiezan a llegar a Norteamérica. Con ellos llegan, su cultura, su folclore, sus tradiciones, y también su noche de Samhain. Eso sí con algunos cambios, estos europeos comenzaron a utilizar calabazas-mucho más grandes y fáciles de ahuecar- en lugar de los nabos.
Simbología
En un primer momento, la fiesta sufre una fuerte represión por parte de las autoridades de Nueva Inglaterra, de arraigada tradición luterana. Pero a finales del siglo XIX, los Estados Unidos reciben una nueva oleada de inmigrantes de origen céltico. La fiesta irlandesa entonces, se mezcla con otras creencias indias y en la secuela colonial, el Halloween incluye entre sus tradiciones la conocida leyenda de Jack-o-lantern, como se conoce actualmente, “Jack O’Lantern”. Esta leyenda tiene su origen en un irlandés taciturno y pendenciero llamado Jack, quien una noche, de 31 de Octubre, cuenta la tradición, que se tropezó con el mísmisimo diablo.
Destripando el origen de Halloween
SAMAÍN, LA FIESTA QUE SE RECUPERÓ EN CEDEIRA
«Era a noite máis perigosa do ano, as portas do outro mundo abríanse e as ánimas visitaban a terra […]. Para afastar as perigosas ánimas defuntas e errantes, adoitaban poñer no alto das muradas dos castros as caveiras iluminadas dos inimigos mortos en campaña [sic]».
Este fragmento del libro Samaín, a festa das caliveras, del profesor Rafael López Loureiro, Kalel, resume el origen y el espíritu del Samaín. Él fue quien recuperó, hace ya 29 años, «a tradición das caveiras», y desde Cedeira se ha extendido por toda Galicia y por todo el norte de la Península. López Loureiro y el colectivo cultural Chirlateira coordinaron la celebración durante más de una década, y hace años que se creó la Asociación Amigos do Samaín.
MÚSICA
Canciones infantiles:
Canción de Mamá Cabra con pictogramas
“NO SAMAÍN” es una de las 12 canciones incluidas en el libro-cd-dvd “BRINCA VAI!”, compuesto e interpretado por Paco Nogueiras, con ilustraciones de David Pintor y vídeos de Sr. Sagüillo. Está publicado por KALANDRAKA. Estribillo: “Moito maxín, no Samaín é hora de contar historias de medo e fuxir. Moito maxín hai no Samaín, é hora de contar historias de medo e botar a rir”.
Como todos deberíamos tener los mismos derechos, aquí tenéis una versión en lengua de signos:
“Las calaveras salen de su tumba”, canción infantil muy divertida con la que podréis enseñar a los peques los números y a ver la hora en un reloj.
Knock Knock, Trick or Treat?
Canciones para adultos
Helloween es una banda alemana de power metal y speed metal fundada en Hamburgo, Alemania. La banda comenzó en 1978 con el nombre de Gentry, y después de varios cambios de denominación llegaron al nombre de Helloween en 1983 por decisión de los fundadores Kai Hansen y Piet Sielck. Se los considera padres del Power metal por las influencias de sus trabajos, sin embargo, bandas anteriores realizaron temas musicales que podrían ser considerados como los primeros del género; aun así Helloween es considerado como un precursor importante del género. En Alemania, es una de las bandas mas oídas en la radio. Desde su creación Helloween ha vendido más de 10 millones de álbumes alrededor del mundo.
The Misfits es una banda estadounidense de horror punk y hardcore punk formada en 1977 en la ciudad de Lodi, Nueva Jersey, liderada originalmente por el cantante Glenn Danzig y el bajista Jerry Only. El grupo está enlazado al hardcore además de estar estrechamente relacionado con géneros como el punk rock, el rock gótico, el heavy metal, y el rock and roll.
“Puede que no vuelva más y quiero divertirme un poco”.
Durante estos días está llegando a las salas de cine la esperada película “Bohemian Rhapsody”. Es una celebración de Queen, de su música y de su extraordinario cantante Freddie Mercury. Entre las 22 canciones que incluye la banda sonora, producida por Brian May y Roger Taylor, se encuentra “Bohemian Rhapsody”, de la cual ofrezco hoy la partitura de descarga gratuita. Tenéis más partituras y apuntes en la sección Descargas.
Bohemian Rhapsody
“Puede que no vuelva más y quiero divertirme un poco”. Así expresaba su particular carpe diem Freddie Mercury, británico de ascendencia persa criado en la India y nacido en la Zanzíbar colonial con el nombre de Farrokh Bulsara. Corrían los últimos ’70 y Queen era un delirio escénico, lumínico y sonoro que abarrotaba estadios y vendía millones de discos por todo el mundo.
Componentes en los Países Bajos (1974)
Sus orígenes se remontan a 1968 y a un grupo llamado Smile, formado por Roger Taylor (batería), Brian May (guitarra) y Tim Staffel (bajo y voz), compañero de clase y amigo de Freddie. Mercury, que ya había cantado en un par de grupos, acudía habitualmente a sus conciertos y, cuando en 1970 Staffel decide dejar la banda, no duda en unirse a ellos y propone cambiar el nombre por el de Queen. Un año después se incorpora John Deacon completando la formación.
Tras dos años dando conciertos y con un puñado de temas propios obtienen una cierta repercusión y consiguen grabar su primer disco, Queen (1973). Aunque sus inicios fuesen marcados por un sonido duro y éste sea predominante a lo largo de su discografía, gran parte del éxito del grupo reside en la variedad musical y su puesta en escena. Que los cuatro músicos portasen en labores de composición contribuyó a esta riqueza estilística con una clara tendencia rock de May y Taylor y Mercury y Deacon poniendo un contrapunto más pop y comercial, pasando por el funk, disco, sinfónico… e incluso ópera.
“Bohemian Rhapsody” (A Night at the Opera, 1975) es considerada por muchos una de las mejores canciones de la historia del rock. Single de éxito casi inmediato pese a su larga duración y complejidad, en concierto era interpretada sólo parcialmente. Al empezar la parte operística, grabada en estudio con multitud de pistas vocales superpuestas e imposible de recrear en directo, el grupo se retiraba mientras sonaba una grabación para regresar para tocar el final de la canción.
Videoclip oficial
En 1985 a Freddie le diagnostican la enfermedad del SIDA. Al año siguiente, al finalizar el Magic Tour, Queen deja de dar conciertos para preservar la privacidad y la salud de su cantante. El último álbum, en vida, es Innuendo (1991), publicado diez meses antes de morir. Freddie Mercury falleció el 24 de noviembre de 1991. Atrás quedaban catorce discos de estudio y suficientes registros de voz para la grabación de un álbum póstumo que vería la luz en 1995.
Abrid bien los ojos, afinad el oído y descubriréis los secretos que encierran las bandas sonoras.
Bandas sonoras
Desde la invención del cinematógrafo por los hermanos Lumière en 1895, el cine se ha servido de la música para apoyar el desarrollo de la acción, continuando la larga tradición de la música incidental.En los primeros años del cine mudo, la proyección de las películas se acompañaba con un pianista o una pequeña orquesta que interpretaban popurrís de melodías populares o arreglos de música clásica seleccionados en función de los distintos ambientes o emociones que aparecían en la pantalla.
Con la generalización del cine sonoro a partir de 1930 las grandes productoras cinematográficas empezarán a contratar compositores que escribirán bandas sonoras específicas para sus películas.
La música cinematográfica desempeña la doble función de reforzar el significado de las ideas que, por sí solas, las imágenes no son capaces de expresar y, a la vez, establecer un vínculo narrativo continuo en el discurso cinematográfico, contribuyendo a dar credibilidad a la acción.
La importancia de la música en el cine
La parte sonora de una película se denomina banda sonora. En ella se incluyen tres tipos de sonidos diferentes:
Efectos sonoros: son todos aquellos ruidos que deben escucharse para dar credibilidad a la imagen (una puerta que se cierra, pasos al caminar, un grifo que gotea, una calle con tráfico, la lluvia…). Sirven para ambientar o decorar la escena. Cuando la música forma parte de los efectos sonoros (una radio encendida), se denomina diegética; está justificada dentro del argumento de la película y es una música previa a la grabación de la escena, que suele utilizar músicas prestadas o más o menos conocidas.
Sin embargo, la mayor parte de las veces, la música que suena en el cine no está justificada por el argumento ni la pueden escuchar los personajes. Es la música extradiegética, incidental o música de fondo. No aparece en pantalla ninguna fuente de sonido y, por tanto, el compositor tiene libertad para crear la música de ambientación que considere más conveniente. Ésta es la música que constituye el verdadero trabajo del compositor.
Diálogos (locución): se pueden grabar en un estudio o mediante la toma de sonido directo.
Sonidos diegéticos y extradiegéticos
Las bandas sonoras “sonorizan” las imágenes y con ello se consigue transmitir al espectador el paisaje sonoro que da credibilidad a una escena. Es muy habitual que se utilice el término banda sonora original (BSO) para referirnos únicamente a la música que se utiliza en una película, ya que es la parte sonora con más interés.
La partitura original de la banda sonora se escribe siempre después de terminada la película. De esta forma, el compositor, junto con el director y los distintos técnicos, pueden decidir, viendo la película, cuándo se necesitará y dónde.
¿Cómo influye la música en el cine?
Funciones de la música en el cine:
Ayuda a crear la atmósfera adecuada al desarrollo de la acción: los compositores adaptan la música a la época y al contexto de la película.
Influye en la emoción del espectador creando un efecto psicológico determinado. La música refuerza la acción de la pantalla cargando una escena de tensión, de alegría o de tristeza, para acercar la emoción de los personajes al espectador.
Sostiene la estructura de la narración, dando un sentido de continuidad a la película. La música sirve también de fondo neutro para rellenar los pasajes vacíos y unificar el montaje de las distintas escenas.
Funciones de la música en el cine
Entre los compositores más destacados de bandas sonoras figuran Max Steiner para “Lo que el viento se llevó”, Bernard Herrmann para “Psicosis”, Miklos Rosza con “Ben-Hur”, Henri Machini con “La pantera rosa”, John Barry con “Memorias de África”, John Williams con “Tiburón”, “Superman”, “E.T”, Vangelis con “Carros de fuego” y Howard Shore con “El señor de los anillos”, entre otras. P
Precisamente hablando sobre la película “El señor de los anillos”, os recomiendo el análisis musical que realizó Jaime Altozano. Podéis ver más análisis suyos de bandas sonoras en este enlace.
El Señor de los Anillos – Análisis de la Banda Sonora
Espero que esta publicación os haya gustado y la información os sirva de provecho. La semana que viene ofreceré material de descarga gratuitarelacionado con este tema, ¡no os lo perdáis! Un abrazo musical
