A lo largo del tiempo se inventaron máquinas que revolucionaron la grabación y reproducción musical. Conozcamos su historia.
Primera grabación de la historia en el fonoautógrafo de Scott de Martinville
Hace más de un siglo, el compositor y director de banda John Philip Sousa advirtió que la tecnología acabaría por destruir la música.
«Estas máquinas parlantes van a arruinar el desarrollo artístico de la música en este país. […] Todo el mundo tendrá su música ya preparada o ya pirateada en sus armarios. […] El canto del ruiseñor es delicioso porque es el propio ruiseñor el que lo produce».
Antes de despachar a Sousa como un cascarrabias, podríamos reflexionar sobre cuán drásticamente ha cambiado la música en los últimos cien años. En el futuro, podrá decir el espíritu de Sousa, la reproducción desplazará a la producción. - piopialo
Primeras voces humanas grabadas en la historia
Desde que Edison inventara el cilindro de fonógrafo en 1877 la gente ha estado opinando sobre lo que el medio de la grabación ha hecho por y para el arte de la música. Inevitablemente, la conversación se ha decantado hacia los extremos retóricos. Sousa fue un portavoz pionero de los catastrofistas; en el bando opuesto se encuentran los utópicos, que defienden que la tecnología no ha aprisionado a la música, sino que la ha liberado, llevando el arte de la élite a las masas y el arte de los márgenes al centro.
El fonógrafo y el disco democratizaron la música
Glenn Gould, después de renunciar a tocar en directo en 1964, predijo que en el lapso de un siglo el concierto público desaparecería en el éter electrónico, con un efecto en gran medida benéfico para la cultura musical.
La principal ironía de la historia de la grabación es que Edison no construyó el fonógrafo teniendo la música en la mente. Lo concibió más bien como un artilugio comercial, llamado a reemplazar a la costosa e imperfecta práctica de la estenografía, y que tendría la virtud añadida de preservar a perpetuidad las voces de los fallecidos.
Aunque Edison mencionó la idea de grabar música en su artículo de 1878, no pudo presentir siquiera la aparición de una industria musical. Se imaginó el fonógrafo como una herramienta para enseñar a cantar y como una extensión natural de las interpretaciones musicales domésticas. En la década de 1890, sin embargo, empresarios avispados habían instalado fonógrafos en salones recreativos, permitiendo que los clientes oyeran sus canciones predilectas con tubos para los oídos.
En 1888, Emil Berliner introdujo el disco plano, un procedimiento de almacenaje menos incómodo, y concibió con ello el moderno negocio musical en su totalidad: distribución masiva, estrellas discográficas, derechos de autor y todo lo demás.
El gramófono
Siempre que surge un nuevo artilugio, los vendedores se aprestan a señalar inevitablemente que un artilugio más antiguo ha quedado obsoleto. El automóvil apartó al ferrocarril; el ordenador reemplazó a la máquina de escribir. Sousa temió que el fonógrafo suplantara a la música en directo. Su temores eran excesivos, pero o irracionales.
Edison, cuyos cilindros empezaron enseguida a quedar a la zaga de los discos planos en cuanto a popularidad, estaba tan decidido a demostrar la verosimilitud de sus máquinas que organizó por todo el país una serie de Pruebas de Sonido, durante las cuales las salas se quedaban a oscuras y los oyentes se mostraban supuestamente incapaces de percibir la diferencia entre Anna Case cantando en vivo y uno de sus discos.
Prueba de sonido (1896)
La cinta magnética dio lugar al cambio más trascendental en la relación entre grabaciones y realidad musical. Los ingenieros alemanes perfecccionaron el reproductor de cinta magnética, o magnetofón, durante la Segunda Guerra Mundial. A altas horas de la noche, un experto en audio convertido en soldado y llamado Jack Mullin estaba monitorizando la radio alemana cuando se dio cuenta de que una transmisión orquestal nocturna era asombrosamente clara: sonaba «en vivo», aunque ni siquiera por un capricho de Hitler podía haber estado tocando la orquesta en plena noche. (El siguiente vídeo tiene disponibles subtítulos en español).
Historia de la cinta magnetofónica
Después de concluida la guerra, Mullin localizó un magnetofón y se lo llevó a Estados Unidos. Hizo una demostración a Bing Crosby, que lo utilizó para grabar con antelación sus emisiones. Crosby fue un pionero del que fue quizás el más famoso de todos los efectos tecnológicos: cantar de modo intimista con una voz suave.
La cinta magnética significaba que Bing podía prácticamente susurrar al micrófono y, aun así, ser oído en todo el país. El proceso magnético también permitía que los intérpretes inventaran su propia realidad en el estudio. Podían corregirse los errores empalmando trozos de tomas diferentes.
El magnetofón
La llegada de la grabación digital fue, para muchos escépticos, el ultraje definitivo. Las viejas máquinas vibraban empáticamente con lo que había sido grabado: las colinas y los valles de un cilindro o un disco plano seguían los perfiles de la música. La tecnología digital desmenuzaba literalmente las vibraciones entrantes en bits: series de ceros y unos que se codificaban en un disco compacto y a continuación se reconstituían en un reproductor de CD’s.
Neil Young, el cantante y compositor canadiense de voz áspera, se mostró especialmente mordaz:
«Escuchar un CD es como mirar el mundo a través del estor de una ventana».
No hay duda que la tecnología ha hecho progresar las carreras de personas insignificantes, pero también ha echado una mano a aquellos que carían de apoyos dentro del sistema. El hip-hop, la forma de pop dominante del cambio de siglo, ofrece la demostración más electrizante del todopoderoso efecto dela tecnología. Como indica Jeff Chang, el género surgió en guetos empobrecidos de altos bloques de viviendas, en los que las familias no podían permitirse comprar instrumentos para sus hijos e incluso la forma más rudimentaria de ejecución musical parecía estar fuera de su alcance. Pero, aún así, se hacía música de todos modos: el propio fonógrafo pasó a ser un instrumento.
Antes o después, toda crítica de las grabaciones acaba por citar el ensayo de Walter Benjamin «La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica». El pasaje citado con más frecuencia es la reflexión que hace Benjamin sobre la pérdida de un «aura» que rodea a las obras de arte» el «aquí y ahora» del objeto artístico sagrado, su conexión con una comunidad bien definida.
Aunque a los intérpretes y oyentes clásicos les gusta imaginarse en una alta torre, muy alejada del tumulto electrónico, también ellos son esclavos de las máquinas. Parte de la propaganda más encendida en defensa de las nuevas tecnologías ha procedido del bando clásico, donde la ilusión de la reproducción perfecta resulta especialmente seductora. El fenómeno de la estrella que no lo es más que en apariencia y que tiene grandes dificultades para repetir en la sala de conciertos lo que se supone que hace en el disco, no es algo que carezca de precedentes.
Quizás hay algo de antinatural en el acto mismo de realizar una grabación de estudio. En el cenit de la época de la alta fidelidad destacados productores y ejecutivos clásicos gastaron muchos millones de dólares para crear grabaciones definitivas de las cimas del repertorio.
Auditorio de Hamburgo: Elbphilharmnie o Filarmónica del Alba
El siglo XXI presenta un panorama confuso. Los sellos discográficos están tambaleándose. El concepto de un álbum individual y distinto de otros con una serie de canciones u obras están experimentando probablemente un declive terminal. En el pop, el grueso del dinero se hace ahora con el márketing de las giras y con la venta de productos relacionados con ellas. La música ha dejado ya de ser un premio en una colección; está volviendo a su evanescente estado natural.
La música clásica, o una parte de ella, está floreciendo en línea en los ordenadores de modos inesperados. Las instituciones con más recursos están ofreciendo material de audio en vivo y archivado. Los compositores jóvenes al tanto de las potencialidades de la red ya no dependen de los editores para legar a su público, distribuyendo sus mercancías por medio de blogs, YouTube, Facebook, Twitter, etc
Según Hans Heinz Stuckenschimidt,
«La máquina no es ni un dios ni un demonio»
La gente tiene montones de músicas pirateadas en sus armarios, pero siguen acudiendo a conciertos en vivo, pagando centenares o incluso miles de dólares para conseguir ver fugazmente a sus ídolos. Estamos casi de regreso en el punto en el que comenzamos.
Este curso Valentina ha despegado. Hoy os cuento los comienzos de mi experiencia con la musicografía braille y el resultado de la práctica.
Musicografía braille
COMIENZO DE LA EXPERIENCIA
Mi interés por la musicografía braille me llevó, allá por el año 2014, a contactar con la ONCE para formarme y poder enseñar música a los ciegos. No hay mejor demostración que el propio correo que les envié en aquella época (he borrado mi presentación):
Primer contacto con la ONCE
A los pocos días me contestó, muy amablemente, el responsable de la sección musical, José Luis, quien adjuntó, para mi sorpresa, un archivo con musicografía braille. Lo imprimí al momento, y empecé a a analizar las partituras, viendo la correspondencia de las partituras con las de braille.
Respuesta de José Luis
Lejos de echarme atrás, mi reacción fue interesarme más y pedir más material, llegando a quedar personalmente con José Luis: me informó cómo debía darles ciertas indicaciones a los ciegos, cómo solía ser su reacción con la música debido a su enorme sensibilidad en este mundo, etc.
Tras una pausa de un año contactó conmigo la madre de Valentina, para preguntarme si le podía dar clase de música, petición que acepté con mucho agrado. Es curioso, y ya le he comentado el siguiente detalle a varios amigos: cuando su madre me dio las gracias por haber aceptado ser la profesora de su hija, ya que no todo el mundo está dispuesto a aprender el sistema Braille, le respondí que las gracias se las tenía que dar yo, puesto que me considero muy afortunada por llevar a la práctica mis conocimientos y continuar avanzando y aprendiendo en todos los sentidos.
MUSICOGRAFÍA BRAILLE
Sois muchos los que me habéis preguntado en qué consiste la musicografía Braille (ver documentos). Por eso, además, de mostraros varias fotos, la propia Valentina os va a mostrar cómo funciona la máquina Perkins, y yo os explicaré cómo se escriben las notas y las figuras musicales. Por si os apetece verlo con calma, inserto varias imágenes con información básica.
En el siguiente vídeo, Valentina nos enseña una máquina Perkins: sus partes, cómo funciona, etc. y, entre las dos, explicamos cómo se escriben las notas musicales y las figuras en musicografía braille.
Valentina muestra una máquina Perkins
Ejemplo de partitura
Para terminar, os invito a acceder a otras secciones de mi blog:
Descargas gratuitas de partituras y apuntes de lenguaje musical. Ya que son gratuitas, podéis colaborar con mi proyecto comprando un marcapáginas personalizado (os lo envío a la dirección que me indiquéis).
Material propio: fruto de la incansable búsqueda de nuevos recursos.
Grabaciones de alumnos: la teoría está bien, pero la música es práctica, movimiento y felicidad.
Y si me queréis conocer un poquito más, visitad la sección «¿Quién soy?».
El color forma parte de nuestra vida, y más ahora que se acerca la primavera. ¿Cómo emplearlo para aprender música?
Mi alumna más joven, de 4 añitos, está aprendiendo aspectos de lenguaje musical tan básicos como importantes: el timbre con distintos instrumentos (triángulo, maracas, claves, crótalos, etc.), sonidos cortos y largos, fuertes y suaves y la altura del sonido, entre otros. En cuanto a la duración del sonido se pueden realizar dictados muy entretenidos en los que la alumna, como en este caso, pegue la ficha de la vaca cuando escucha un sonido largo y un pájara en el caso del sonido corto. He de decir que hice la actividad un poco más compleja ya que interpreté dos sonidos seguidos, de forma que tenía que memorizarlos.
En el siguiente vídeo, mientras Vega desliza sobre la línea melódica el muñeco, yo interpreto con una flauta de émbolo la altura del sonido. Éste es uno de los muchos paisajes sonoros con notación no convencional que podemos inventar:
Paisaje sonoro con notación no convencional
Después de las actividades de educación auditiva nos ponemos manos a la obra con el instrumento, el piano, no sin antes divertirnos con un bingo musical lleno de color para aprender música, en especial la digitación, que nos será muy útil para aprender algunas piezas: pintamos un círculo de color azul en la mano izquierda, uno rojo en la derecha y… empezamos a contar dedos. ¡Ah, que no falten los Lacasitos a modo de fichas!
Bingo rítmico de digitación
Al desarrollar la memoria ya desde pequeños, cuando tienen que tocar piezas de cierta complejidad tienen muchas más facilidades, y más si les enseñamos a aprender. Sí, sí, como lo estáis oyendo. Es cuestión de enseñar recursos similares en diferentes obras.
En algunas ocasiones es suficiente con memorizar la melodía de la mano derecha y fijarse en la dirección de las notas de la izquierda. Eso es lo que ha hecho Paula con esta pieza:
Trucos para memorizar una partitura
Pero, volviendo al color como recurso para aprender música, podemos emplear varios tonos para las diferenciar células melódicas, en un nivel más amplio secciones de la estructura formal e incluso trucos.
Células musicales: el color nos facilita la visualización y memorización
Coloreamos la estructura formal A B A
Trucos en color: los intervalos de 3ª en naranja y el sol en azul se van alternando
Si la sección estrella de mi blog en cuanto al número de visitas son las partituras, en mis clases destacan los juegos musicales. - piopialo
El puzzle de parejas de tonalidades relativas lo hice ya hace años, y no pocos. Lo sé porque están plastificados con forro de libros y no con plastificadora (¡qué gran invento!). Como podéis comprobar, todas las fichas son blancas y los colores os he escogido al azar. La próxima semana estrenaré un nuevo puzzle que contenga también tonalidades con bemoles. Y, precisamente para facilitar la actividad, utilizaré cuatro colores diferentes: dos para las tonalidades con sostenidos Mayores y menores, y otros dos para los bemoles. No son muchas fichas, pero seguro que les ayuda y les resulta más atractivo.
Emparejamos tonalidades relativas
Otro tema con el que insisto mucho es el de las armaduras. Considero que deben saberlas ya desde un principio, razonando siempre qué son y por qué se usan. Por eso las trabajamos con juegos variados, entre ellos éste, sencillo y práctico a la vez: tienen que adivinar la armadura de la casilla que les indique el dado. Pero ojo, porque hay rebote, no vale despistarse: si una de las jugadoras no la adivina puede responder cualquier otra y avanzar las casillas de su compañera.
Por último, y hablando de recursos como el color para aprender música, os recomiendo visitar la página web de María Jesús Camino Rentería, quien imparte durante estas semanas un curso sobre TIC y música en el que me he inscrito. Espero aprender un montón para poder compartir más recursos musicales con todos vosotros. ¡Hasta la próxima!
¿Sabías que este poema se dice que habla de Benito Soto, un personaje pontevedrés? Más música relacionada con literatura en este enlace.
La canción del pirata
Con diez cañones por banda,
viento en popa a toda vela,
no corta el mar, sino vuela
un velero bergantín;
bajel pirata que llaman,
por su bravura, el Temido,
en todo mar conocido
del uno al otro confín […]
Bucanero de profesión, el barrio de la Moureira lo vio nacer hasta convertirse en el pirata más temido incluso a el otro lado del atlántico. Sanguinario, cruel y despiadado, comenzó sus andaduras hacia el nuevo mundo donde asesina sin piedad a toda tripulación que con él se topa. Fue mandado ejecutar en Gibraltar tras, se dice, haber dado uno de sus mayores botines a su tío, José Aboal, y éste haberlo escondido en uno de los edificios más ilustres de Pontevedra.
Benito Soto
«La canción del pirata» es uno de los cinco poemas que José Espronceda dedica a los seres marginados de la sociedad en señal de protesta: el pirata, el mendigo, el verdugo, el cosaco y el reo de muerte. Es considerado uno de los poemas icónicos del romanticismo español. Fue publicado en el libro Poesías, en el año 1846, después de su muerte.
Parque infantil en forma de barco pirata en la plaza Valentín García Escudero, el «kilómetro cero» de la Pontevedra romana
El grupo musical Tierra Santa musicalizó «La canción pirata», un romance decimonónico.
«A casa da Campá», también conocida por la antigua casa del pitillo, pues en ella había un bar donde con el café se daba un pitillo. Ésta es la actual sede del Vicerrectorado de la Universidad de Vigo y, se dice, existe un documento en el que los antiguos propietarios hicieron firmar al concejo de Pontevedra, que si en algún recobeco del edificio se hayara dicho tesoro, los legítimos propietarios serían ellos. Cada año se recrea en Pontevedra con la fiesta pirata el desembarco del bergantín El defensor de Pedro, comúnmente mal denominado por The Black joke.
La Casa de la campana
La denominación de Casa de la Campana, tal como se atestigua documentalmente en 1587, debe proceder de encontrarse a escasos metros de la fachada principal de la desaparecida iglesia parroquial de san Bartolomé o Vello. Esta parroquia, por causas que se desconocen, carecía de campanario hasta que, en 1637, el maestre de cantería compostelano Benito Vidal acomete su construcción
Iglesia de San Bartolomé O Vello, con la Casa de la Campana a la derecha. Más información con fotos en este enlace
Para financiar la obra fue preciso deshacerse de la vieja custodia parroquial de plata, mediando autorización arzobispal. Esta carencia obligaba a convocar a los parroquianos con el carillón de la inmediata casa de los Puga, que había pasado a manos de los benedictinos de San Salvador do Lérez. Sus badaladas indicaban el entorno rural de la villa, que delimitaba una frontera acústica, hasta donde fuera posible escucharlas.
Con el paso de los años, el carnaval tomó formas y estilos diferentes según cada país. En España son famosos los de Cádiz, Canarias (El Carnaval de Cádiz junto con el de Santa Cruz de Tenerife actualmente son Patrimonio de la Humanidad) yLaza (Ourense), Verín y Xinzo de Limia (Ourense). En esta ocasión os voy a hablar sobre un nuevo pueblo: Viana do Bolo.
Folión Alternativo, uno de los más espectaculares
En Viana do Bolo (Ourense) el carnaval es algo más que descontrol y fiesta. Es un sentimiento, unha pasión, es autentica magia. En estas tierras la tradición y las culturas ancestrales van de la mano, dando como resultado un carnaval único, como muestra el siguiente documental, hecho por la vianesa Cristina Fernández.
Seis meses de trabajo tardan en darle vida a cada uno de los bombos que atronan los foliones del carnaval. En Viana do Bolo su elaboración artesanal pasa de una generación a otra en un trabajo que requiere maña, tiempo y paciencia a partes iguales (fotos cedidas por Toty, el hijo de Ceferino).
Todo, dicen, por la fiesta de las fiestas, la que llevan esperando todo el año.
Os bombos de Ceferino
Suena con fuerza el folión en el jueves de compadres. Y muchos de esos bombos que ahora atronan salieron de las manos de artesanos como estos de Mourisca, en el ayuntamiento de Viana. Un trabajo que se va cociendo poco a poco durante todo el año. Aquí de nada valen las prisas. Y para ese trabajo de meses no hay que escatimar en materiales: utilizan piel de cabra y maderas de chopo, nogal, cerezo o castaño.
La experiencia aquí es un grado. Ceferino sale con el folión desde los siete años. Grandes y pequeños participan en la fiesta. Acabó el trabajo y comienza lo bueno, lo que llevan esperando todo el año: los días grandes del carnaval.
Bombos y azadas tocando al ritmo de cada folión
LAS MURGAS
Las murgas consisten en un grupo de personas que cantan con letras en las que se hace crítica generalmente hacia a la política, pero también a los problemas de la sociedad en general. Frecuentemente desarrolladas con humor e ironía, las composiciones se hacen sobre la base de canciones populares, a las que se les cambia la letra. A continuación podéis ver tres murgas que actuaron el año pasado en el Pazo de la Cultura, en Pontevedra.
«La venda» será la canción que nos represente este año en Eurovisión. Analizamos 5 aspectos musicales a través de su partitura.
Análisis musical de «La venda»
«La venda», compuesta por Adriá Salas (La pegatina) y cantado por Miki OT2018, es la canción que representará a España en el festival de Eurovisión. Esta propuesta, a medio camino entre la rumba catalana y el ska, habla sobre quitarse los prejuicios.
«A medida que pasan las estrofas nos vamos liberando de la presión social, de ese momento en el que uno está muy encerrado y va haciendo lo que la corriente le dicta. Ahí es donde empieza la canción. Poco a poco se nos cae esa venda que hace que sigamos la corriente, lo preestablecido», declaró el compositor a Televisión Española.
Interpretación en una gala de OT
Analicemos algunos de sus elementos musicales fundamentales.
TONALIDAD Y ARMADURA
Tonalidad de do menor
En la armadura aparecen tres bemoles, por tanto, en principio estaría en Mi bemol Mayor, pero al empezar y terminar la canción en la nota do, que se repite con frecuencia, estamos en la tonalidad de su relativo menor: do menor. Recordad que las tonalidades relativas están a distancia de una tercera menor. Para más información y apuntes de descarga gratuita visitad mi publicación sobre intervalos y armaduras musicales.
COMPÁS
En rojo, la indicación de compás
Los dos números que veis después de la armadura indican el compás, en este caso un compás de 4/4 o compasillo (¡en la partitura no escribáis nunca la línea como en las fracciones!). Se trata, por tanto, de un compás de tipo cuaternario: entran 4 negras -o lo equivalente- en cada compás (flechas y círculos verdes) y de subdivisión binaria, ya que cada negra (que es lo que indica el 4 inferior) se subdivide a su vez en dos corcheas. ¿Tenéis dudas o queréis conocer los demás tipos de compases? En esta publicación os los explico todos con pelos y señales. Y en este enlace, todas las publicaciones relacionadas con este tema, ¡a navegarrr!
ANACRUSA
La anacrusa se da cuando el primer compás de una frase está incompleto. En este ejemplo vemos cómo la frase «te vendes porque te sobras» no empieza a principio de compás (justo después de la línea roja) sino antes. Aunque en los compases en anacrusa pueden aparecer varias notas al principio, en este caso sólo aparece la nota si (pintada de verde). Si observáis con atención la partitura completa de «La venda» podréis comprobar cómo existen multitud de ejemplos similares a éste.
SÍNCOPA
Fijaos en los ejercicios de solfeo sobre síncipas que les preparé a mis alumnas esta semana:
Ejemplos de síncopas
La síncopa es una nota que empieza en parte débil y continúa en parte fuerte. No siempre implica una ligadura de unión (entre notas del mismo nombre), como bien indican las notas rojas al lado de la «carita». Por cierto, la dichosa carita representa una síncopa (cuando se lo explico así a mis alumnas no se olvidan): los ojos son la cabeza de las notas y la boca la ligadura, ¡toma ya! Por último, hay que destacar que en la interpretación la nota débil se convierte en fuerte y a la inversa. Bien, ahora sólo falta ponerlo en práctica en la partitura de «La venda».
Uno de los múltiples ejemplos de «La venda»
PUNTILLO
Un error muy frecuente consiste en considerar que el puntillo equivale a dos tiempos, y no es así: esta confusión viene dada porque, con frecuencia, la primera nota que se explica con puntillo es la blanca (y muchos aumentan su valor completo). Así que
ojo, el puntillo aumenta SÓLO LA MITAD del valor de la nota que acompaña - piopialo
. Espero que con las indicaciones de la siguiente imagen lo entendáis incluso mejor.
Por último, vuelvo a mostraros el ritmo del reggaeton, en el que también hay un puntillo implicado.
Hasta aquí un mini cursillo de lenguaje musical comprimido. Para los que os lo hayáis tomado con calma (los habrá también que bajaran a toda mecha con la rueda del ratón) y, con un poquito de suerte, entendido las explicaciones (¡recordad que las palabras en azul son enlaces!) , ahí va de regalo la partitura de «La venda» (Eurovisión). ¡A disfrutarla! Y ahora sí, sabiendo, al menos, parte de lo que tocáis, leéis o escucháis. ¡Viva la música! - piopialo
Adaptación de «Lo siento», de Beret, para aprender los compases musicales
«Lo siento», de Beret, es una de los temas musicales que más está sonando en la radio durante estos meses. Niños y adolescentes cantan melodías similares a ésta con una energía sorprendente, así que pensé… ¿por qué no aprovechar la música y escribir una letra enfocada a mis objetivos? Y eso he hecho: he sacado la melodía y armonía de Beret de oído y después he inventado esta letra relacionada con los compases musicales: - piopialo
En música hay muchas notas y símbolos por descifrar, sólo tienes que escuchar y sentir los acentos que van a sonar Pon atención busca y el ritmo y aprende esta explicación: tienen dos números que nos indican los tiempos y subdivisión. Busca la subdivisión, está abajo: un cuatro o un ocho te van a guiar: si ves un cuatro significa negra, ocho corcheas en grupos de tres. Cuando aparezca un cuatro abajo y un dos arriba binario será, si ves un tres será un tipo ternario y si es cuaternario un cuatro verás. Sin miedo, sigue el ritmo con movimiento, imagina crea y baila. Con la música surge un lenguaje universal. Disfruta, canta en cualquier parte y no olvides que es un arte, el que más te acompañará.
En más de una ocasión me han escrito profesores de algunos colegios pidiéndome la partitura para flauta de canciones compartidas en este blog. Para aquellos a los que os interese enseñársela a vuestros alumnos, aquí tenéis la versión adaptada. Agradecería que si la compartís me mencionaseis. Con permiso, os recomiendo el canal de Youtube de Musygaunas, en el que podéis encontrar más canciones para flauta.
Rozalén es la gran colaboración de 1980, álbum de David Otero en el que está incluido «Baile», tema del que os ofrezco la partitura.
Rozalén y David Otero
“La canción habla de la incapacidad que tenemos a veces de tocar, de ver, de sentir, de estar un poco con los brazos abiertos a la vida. Me parece que estamos más ocupados en la comunicación online que la offline y creo que es super positivo decirnos «para». Surgió el braille que es una forma de comunicarnos a través del tacto. Era como un braille gigante, tócate (en el buen sentido) y toca a los demás, y abrázate y quiérete y siente un poco”, comenta David.
Versión en acústico
La idea nostálgica a lo Toy Story es una parte protagonista del vídeo. Con una delicadeza y estética maravillosas, David Otero y Rozalén se lanzan con el videoclip de ‘Baile’, en el que descubrimos a dos personajes extraordinarios: una cowgirl y un explorador, interpretados por Lucía López y Sergio Melantuche. En forma de muñecos hiperrealistas, estos dos bailarines saldrán por la noche de sus cajas y se buscarán para acabar fundiéndose en una coreografía memorable.
Videoclip oficial
“Es una de mis pelis favoritas, la he visto un millón de veces y la seguiré viendo”, confiesa.
No era la referencia inicial pero cuando estuvieron buscando personajes tenían claro que querían dos que
“no fueran clichés de muñecos y encontramos dos que eran muy pintorescos, el explorador y la cowboy. Queríamos evitar el momento muñeca y muñeco estereotipo, chica-vestido, chico-guerrero. El cowboy es una figura muy masculina, muy de tío y se lo dimos a ella. Una tía que si te pones a profundizar es una tía que trabaja con animales, trabaja duro, es una tía power. Y él intelectual, investigador, científico, evitando el muñeco que lleva armas o solo es físico”, aclara sobre la elección de estos dos personajes que quieren romper con los estereotipos de femenino y masculino.
La forma más habitual de uso de las canciones infantiles desde una perspectiva educativa es su uso como recurso didáctico.
Disfrutando en grupo canciones infantiles
Las canciones, como elementos culturales, son construcciones creadas por el ser humano que explican los diferentes aspectos de la cultura. Son testigos de la realidad histórica, social y cultural donde se originan y sus funciones están determinadas por la sociedad.
Se abordan desde las diferentes teorías del aprendizaje, de manera que podemos adquirir conocimientos al observar e imitar las conductas de los protagonistas que se narran en las canciones. Conocer e interpretar las canciones. Para ello es preciso en primer lugar enseñar a nuestros alumnos a realizar una escucha activa, de manera que sea capaz de discernir los contenidos, emociones y valores trasladados en las letras. Es importante realizar una elección correcta de las canciones a analizar, teniendo en cuenta los objetivos que pretendemos alcanzar.
Acompañada de Violeta Hemsy de Gaínza en un curso realizado en el Conservatorio Superior de Música de Vigo
Hoy en día, gracias a Internet, puedes conseguir todas tus canciones preferidas: vídeos en Youtube, canciones para descargar, audio cuentos, tiendas online con multitud de partituras, etc.
En una publicación en homenaje a la lucha contra el cáncer infantil compartí 8 canales de Youtube en gallego, castellano e inglés. Las canciones tradicionales siguen teniendo un papel importante en el canto infantil. Por suerte, se está realizando poco a poco una recuperación del folklore, tal y como recomendó hace décadas la pedagoga Violeta Hemsy de Gainza el repertorio es cada vez más variado y amplio.
Cantajuegos
Cantar melodías puede ser también un excelente método para reconocer intervalos musicales (distancia entre dos notas): vídeos en los que se muestran fragmentos musicales de varias canciones para cada intervalo, que se repite varias veces y, además, se añade la línea melódica para contextualizarlos.
Canciones para ayudar a reconocer intervalos
EL CUENTO MUSICAL
Encabo y Rubio (2010) definen el cuento musical como un relato que a través de los elementos musicales adquiere mayor expresión en diferentes momentos, movimientos, emociones, acciones, etc. En definitiva, lo definen como una narración musicalizada. Lo relevante en estos cuentos es que aparezcan elementos musicales o canciones para enriquecer la narración.
La actividad musical en la educación infantil debe desarrollarse en el marco de contextos de trabajo que sean suficientemente motivadores y estimulantes para las niñas y los niños en esta etapa. Además, deben ofrecer la posibilidad de adaptar el tiempo de las actividades que se realicen en ellos a los niveles de atención y disposición que son capaces de mantener en el período 0-6 años.
Entre los muchos contextos de trabajo que se pueden proponer, el cuento y la canción reúnen todas las cualidades de riqueza, variedad, flexibilidad, diversidad temática…; por lo cual son llamativos y adecuados para estas edades. Un cuento o una canción son motivadores en sí mismos y basta plantearlos como una actividad a realizar para que los niños y niñas manifiesten su disposición a participar en su desarrollo.
Instrumentos para el cuento Pedro y el lobo
El cuento y la canción unidos producen en el niño un efecto que aumenta las posibilidades de ambos recursos, tanto del cuento como de la música. Su utilización fomenta en los niños una motivación que enriquece la atención y participación activa, de tal forma que los niños estén continuamente motivados y tengan una actitud favorable ante las actividades que
se planteen.
Entre la multitud de libros que incluyen canciones, voy a recomendaros «De aquí para allá», creado por Lydia Botana, una de las muchas personas con quienes tuve el enorme placer de coincidir en el Simposio Internacional de Educación y Materiales Didácticos celebrado en Santiago en Enero.
¡Muchísimas gracias por compartir tu trabajo con todos nosotros!
La música alemana actual es sólo la punta del iceberg. Para conocer su cultura musical echamos la vista atrás.
La base del iceberg la conforman las tres “B’s”: Bach, Beethoven y Brahms. Pero Alemania «esconde» mucha más música, de todos los géneros, salas de conciertos, orquestas de música, festivales, etc.
una de las cantantes alemanas más reconocidas a nivel mundial, es conocida como la reina del Schlager, un cóctel a base de folclore nacional, melodías pegadizas y buen rollo (hit en inglés).
You Raise Me Up
NENA
Gabriele Susanne Kerner, más conocida como Nena, alcanzó la fama en 1983 gracias a la canción «99 Luftballons» («99 Red Balloons» en la versión en inglés). ¿Cómo lo logró? La respuesta, en este enlace.
99 Luftballons
RAMMSTEIN
Es una banda que tiene un montón de características que le hacen ser muy peculiar:
Lo primero es que son todos de la antigua Alemania del Este, por lo que su formación musical se nutre de la música que les llegaba de la Alemania occidental y discos que conseguían de forma clandestina.
Con la reunificación empiezan a formar parte de bandas punk de extrema izquierda, skas y hasta neonazis, y sin embargo confluyen en 1994 en un proyecto totalmente diferente.
Transita en un estilo muy personal, siendo su música una mezcla de metal industrial con elementos tecno y hasta operísticos, que algunos han denominado Tanzmetall (metal de baile) por su popularización en discotecas.
Videoclip oficial
«Du hast» es una canción de la banda de música industrial alemana Rammstein editada como segundo sencillo del álbum Sehnsucht, de 1997. La letra es un juego de ambigüedades léxicas con los votos de matrimonio alemanes. Comienza jugando con la ambigüedad de sus primeras palabras, pues «du hast mich» («tú me has/ tú me tienes») y «du hasst mich» (grafía alternativa: «du haßt mich», «me odias») son frases homófonas. La anfibología se resuelve al terminar la frase: «du hast mich gefragt und ich hab nichts gesagt», «me has preguntado y yo no he dicho nada».
SCORPIONS
La balada heavy es un contrasentido. Nadie sabe cómo empezó la campaña difamatoria para presentar al Heavy Metal como fuente y caudal de la cursilería. Pero sí sabemos qué es lo que ocurrió. La fuerzas dela reacción anti-heavy encontró la manera de destrozar la reputación del metal. Una balada de Scorpions ‘Still loving you’ (1983) tuvo la culpa de que miles de fanáticos encendieran sus mecheros a la vez.
Still Loving You
Scorpions era una banda alemana que atravesaba momentos difíciles. Su cantante Klauss Maine había perdido la voz en 1981; desolado, el vocalista decidió retirarse, pero su guitarrista, Rudof Shenker, fue categórico: «Si Klauss no puede seguir, es mejor disolverse antes que sustituirlo». La historia es conocida. El tipo pide una segunda opinión médica y se recupera, canta el disco ‘Blackout’, el asunto es un éxito y, con el siguiente, ‘Love at the first sting’, graban el baladón de marras ‘Still loving you’, que sólo en Francia vende más de un millón de copias.
Por último, una pequeña referencia a la música tradicional alemana.
Alemania y su música
Espero que os resultara interesante la información ofrecida. En este enlacetenéis más publicaciones de mi blog relacionadas con historia de la música. ¡Prosit!
