Simposio Internacional y congreso mundial para continuar mi formación

Simposio Internacional y congreso mundial para continuar mi formación

“Quien se atreva a enseñar nunca debe dejar de aprender”.

Enseñar y aprender

Enseñar y aprender

Antes de tratar el objeto de esta publicación me gustaría comentaros un detalle importante para mí. Hace un año, aproximadamente (el tiempo pasa volando), Ricardo Otero, mi community manager, me recomendó actualizar pequeños detalles del blog. Volví a leer el apartado Quién soy y tuve muy claro que quería añadir un párrafo, cuyo título, “C” de Compatir y Colaborar, me parecía imprescindible para transmitir mi filosofía docente. El texto es el siguiente:

musiqueando con maria

Logotipo personal

Siempre he estado convencida del valor de aportar ideas pedagógicas y material de descarga gratuita. Por eso, ya desde septiembre del 2014, he editado y publicado partituras y apuntes de lenguaje musical elaborados por mí. Las canciones escogidas son las que mis propios alumnos me piden o la que vosotros proponéis. Una vez editadas las partituras, que es lo que más esfuerzo conlleva, sólo pienso en compartirlas y que todos disfrutéis interpretándolas. […]

Intento estar en contacto con otros músicos a través de las redes sociales (FacebookInstagram Twitter), sobre todo con profesores que comparten fotos y vídeos de sus clases. Este hecho enriquece nuestras experiencias musicales, de forma que todos salimos beneficiados. […]

 

Musiqueando con María

 

Como bien indica la frase de John Cotton Dana, la formación docente es vital para ofrecer una educación de calidad. Por eso, durante los últimos meses, además de matricularme en un postgrado, cursos de educación musical, leer artículos de revistas de pedagogía musical, etc., me he inscrito en el Simposio Internacional de ME&DM (24 y 25 de enero) y en el II Congreso Mundial de Educación (22 al 24 de febrero).

Cartel definitivo Simposio

Cartel publicitario del simposio

En el simposio internacional de educación musical y materiales didácticos voy a intentar presentar algunas de mis ideas. Fue Rosa Mª Vicente Álvarez (Educación primaria en la enseñanza pública, Stellae-Universidade de Santiago de Compostela, Universidade de Vigo) quien, al ver mi blog, me animó a ello. Ahora intento crear una cadena y enviar el mensaje a otros docentes o personas interesadas. Ojo, porque la fecha límite para la aceptación de trabajos termina el día 15 de este mes. (Recordad que comparto documentos gratuitos (apuntes y partituras) a través de la sección Descargas).

La propuesta para llevar a cabo este simposio surge de la necesidad de hacer visible el trabajo llevado a cabo en investigación educativa desarrollada por un grupo de música de IARTEM y el grupo de investigación STELLAE y la necesidad de ofrecer un espacio común para el debate a todos los investigadores que tratan el tema.

Congreso Mundial Educa

II Congreso Mundial de Educación

Por otra parte, tras el éxito de la primera edición la Asociación Educa en co-organización con la plataforma MIAC organiza el II Congreso Mundial de Educación. EDUCA 2019. El evento desea ser un foro de intercambio de conocimiento y experiencias didácticas entre profesorado y alumnado de todas las etapas educativas y materias.

Son pocas las oportunidades actuales de encontrarse en un mismo evento técnico-científico todo el profesorado que imparte docencia en las diferentes etapas educativas. Quizá una perspectiva en común, pueda favorecer las sinergias y directrices para establecer una mayor calidad educativa y especialmente para conocerse entre todos, ver cómo trabajan otros compañeros, aportar ideas, establecer líneas de actuación…

 

 

Proyectos premiados en la Gala de los V Premios Martín Códax da Música

Musiqueando con María apoya a los artistas gallegos, en este caso dando la enhorabuena a todos los proyectos premiados en la Gala de los V Premios Martín Códax da Música.

¡Enhorabuena a todos los premiados!

 

En este enlace podéis ver la publicación que les dediqué a algunos músicos inscritos en varias categorías.

Ramón Bermejo, vocal de la asociación:

Recuerda que MAV cumpre 10 ano de existencia e que este ano despidese a antiga Xunta Directiva e da paso á nova, composta por 9 músicos. Desde o 1 de Febreiro deste ano existe como cooperativa galega e deuse por concluido o convenio con . Agradece a o seu apoio e o seu impecable traballo de tantos anos en prol da dignificación dos músicos. En canto á nova Lei de Espectáculos “Non se pode vivir permanentemente ao pairo dunha lei redactada de forma ambigüa, e que deixa a música ao vivo, unha vez máis, nun terreo esvaradizo e inseguro”. “Precisamos unha lei que protexa a nosa actividade profesional, leis que sirvan de esrtímulo e de amparo para que se programe música ao vivo sen risco de que aos espazos que o fagan se lles multe por facelo”. Recalca que é fundamental que nesta batalla estemos xuntos, non para facer ruido, senon para poder facer música con garantías. Volve un ano máis a facer referencia a falta de música ao vivo na radio e na TVG.

Non debemos conformarnos cun ensino musical exclusivo de conservatorios e escolas de música, que a música ten que estar presente como asignatura troncal en todas as etapas do ensino obrigatorio. Apoiando á campaña que nestes días está a levar a cabo a Confederación de Asociacións de Educción Musical. Declara o rexeitamento á condea de compañeiros da música e as artes, por expresar mediante a arte o que pensan,  e envía todo o apoio de MAV a todas as persoas que sofren cadea por ter exercido un dereito tan fundamental e irrenunciable como é a liberdade de expresión. Ramón asegura que “Nunca deixaremos de teimar na necesidade de acadar unha igualdade real entre xéneros, comezando por nós mesmos”. Esta nova Xunta Directiva está composta por unha maioría de mulleres que velarán por esa igualdade. Continúa dicindo que precisamos do apoio dos concellos, da Xunta, dos medios e do público, pero sobre todo, e máis ca nunca, do colectivo de músicos. Anima ós musicos a que se asocien, e se non o fan, poden colaborar de moitas formas “xa que esta segue a ser tamén a súa loita”

Sonia Lebedynski toma o relevo como nova voceira de

Esta nova Xunta Directiva “seguirá apostando por mudar as cousas por sentirnos libres para crear e falarlle ao mundo”. Continúa dicindo: “A propia música é a que nos dá os porqués para continuar, por que hai silencios que nos berran, porque a música e as palabras constrúen o relato colectivo e ten o poder de axitar conciencias”. “Cremos no traballo en equipo baseado na boa comunicación, no respeto e no intercambio de opinións, baixo o prisma do ben común. Somos un colectivo amplo con necesidades diversas polo que precisamos de vós, da vosa axuda, confianza e da vosa implicación” remarcou. Sonia continúa dicindo que hai un fío conductor que nos une a todas as persoas que formamos parte deste colectivo e non é outro que as nosas músicas. “De maneira unánime quixemos mudar e referirnos de agora en diante á asiciación como Músicas ao Vivo” dixo.

  • Jazz músicas improvisadas: Yago Vázquez Trío

Música clásica contemporánea: Roberto Oliveira 

Canción de autor: Uxía

Música tradicional folk: Xosé Lois Romero Aliboria

 

 

 

V Premios Martín Códax da Música

Un año más se consolida el éxito de los Premios Martín Códax da Música con una creciente participación desde muchos lugares de Galicia y del exterior.

V Premios Martín Códax da Música

Este certamen vino marcado por el reconocimiento a Dorothé Schubart. Por primera vez el premio honorífico se le concedió a una mujer que, a pesar de su nacionalidad suiza, realizó una labor muy importante por la música tradicional de Galicia.

 

Entrevista por ser galardonada en la cuarta edición

 

Los Premios Martín Códax da Música nacieron en 2013 promovidos por la Asociación de Músicos ao Vivo, en un contexto que sigue rebosando creatividad musical pero carece de apoyos, de reconocimiento, de visibilidad y de una industria capaz de hacer rentable el inmenso potencial de este sector estratégico, un sector que, en el caso de ser dimensionado, muy probablemente se rebelaría como o más productivo y con más potencial para la cultura galega.

Estos galardones tienen unos objetivos que van muchos más allá da autocomplaciencia y el autobombo de los músicos. Éstas son las principales metas de los Premios Martín Códax da Música:

  • Reconocer la creación, la diversidad y la calidad artística de las producciones musicales gallegas.
  • Hacer rendible el potencial de nuestra música: Músicos ao Vivo es consciente del tremendo potencial que tiene la música gallega. Y tiene presente que la enorme producción y creación musical de la que gozamos en Galicia no llega a todos los sectores de la población tal y como debería. Músicos ao Vivo entiende la música gallega de forma abierta, universal e inclusiva, sin poner cotas estiísticas o de otra índole. Ahí reside nuestra riqueza.
  • Hacer visible a todo un sector: Os Premios Martín Códax da Música darán visibilidad a la música gallega. Con carácter general, poniendo en los medios a todo un colectivo de creadores, a toda una industria, y a toda una comunidad comprometida con la cultura musical gallega.

Calendario: PRIMERA RONDA DE VOTACIONES: 19 de marzo – domingo 8 de abril; FIESTA DE NOMBRADOS: 18 de abril; VOTACIÓN FINALISTAS: 19 de abril – 6 de mayo; GALA DE ENTREGA DE PREMIOS: 9 de mayo.

Musiqueando con María destaca, a continuación, algunos músicos inscritos en varias categorías de la V edición de los Premios Martín Códax da Música, junto a una pequeña descripción y el vídeo correspondiente a cada grupo o artista.

MÚSICA INFANTIL

Os recomiendo visitar esta publicación que dediqué en una ocasión anterior a la música infantil.

Pitusa Semifusa

“Pitusa Semifusa e os Estilos Musicais” es la segunda entrega de la compositora orensana Olga Brañas, afincada en Compostela. Publicado con Editorial Galaxia, esta vez también vuelve a rodearse de músicas y músicos amigos. Si gracias al primer disco podemos aprender as familias de instrumentos, en este se tratan los estilos musicales: blues, swing, reggae, pop, rock, folk, funky, hip-hop, etc.

 

Pitusa Semifusa no mundo da música

 

MÚSICA POP/INDIE

Banda Migallas

“Zaragallada” es el tercer álbum de la banda. Los dos anteriores, “Canta connosco!” (1996) y “Pan de millo” (2013), estaban dedicados al público infantil y familiar. En esta ocasión, se dirigen al público adulto con un total de 13 temas de contenidos y de ritmos variados donde predomina el pop. Muchas canciones tienen carácter reivindicativo mezclado con retranca y humor.

 

Alzando la voz por un futuro mejor

 

Berlai

Música, poesía, ilustración y cómic. Berlai es el proyecto musical creado por Xiao Berlai. Un proyecto basado en una música sin complejos que bebe directamente de la tradición gallega, del indie-pop, del rock y de la música electrónica. Las letras de las canciones nacen como imágenes obsesivas del universo gallego, donde las berzas son urbanas o el maíz necesita cintas de balizamiento policial. Berlai es indie rururbano, como consecuencia lógica a la música post-bravu, y asi se transmite en el primer proyecto de la banda: Desconhecido.

 

Meu amor, ai! por te ver(e)

 

JAZZ/MÚSICAS IMPROVISADAS

Alberto Vilas Quartet

Alberto Vilas Quartet se presenta con una formación renovada y renacida incorporando a Juansy Santomé, desde el origen de la formación formación, a la maestría de dos grandes músicos de amplias trayectorias como son Xosé Miguélez en el saxo tenor y Max Gómez en la batería. La filosofía de grupo sigue siendo la misma: seguir explorando desde el universo creativo del pianista Alberto Vilas, aportando entre todos un sonido muy particular e inconfundible a esas composiciones absolutamente orixinales.

 

 

Xacobe Martínez Antelo Trío

 

 

O Jazz songbook persoal de Xacobe Martínez Antelo achégase xa ó medio centenar de composicións. E todo este material está publicado nas distintas entregas discográficas que o contrabaixista de Compostela foi deixando polo camiño ó longo destes últimos e fructíferos anos. En formación de Trío, Cuarteto ou Quinteto, puxo a cara e o nome a unha forma de entender o Jazz que xurde dende o corazón e o peito, e que non coñece límites nin fai concesións.

 

ROCK

CRó!

Gritan Cró! y ese es su nombre. Cró! surge en 2007 de las profundidades de la Ría de Vigo. Banda de rock difícil de describir con las etiquetas comerciales de la industria. ¿Alternativo? ¿Psicodélico? ¿Post? ¿Progresivo? ¿Vintage? ¿Que es un Cró!?
Es música instrumental, canciones e improvisación. “Mounstros” es el título de su último trabajo, que están presentando por toda Europa.

Mountros, cuarto álbum, completo

 

CANCIÓN DE AUTOR

Davide González

Davide González: músico, compositor, actor y director de escena. Desde que era muy joven toma contacto con el folklore, con la danza y con la música tradicional. Estilos, géneros y formas de escuchar y ver el mundo que formarán parte de sus referentes creativos. Estudió música en el conservatorio hasta titularse en Grado Profesional. Después de 10 años de estudio, decide sumergirse en el mundo de la interpretación y de la creación escénica estudiando así cuatro años como actor y un año como director de escena.

 

 

Fue durante el trabajo profesional como actor cuando Davide comienza a echar mano de todo lo aprendido y de las herramientas musicales para componer así muchas atmósferas sonoras. Éstas relacionadas con la gran mayoría de los espectáculos en los que participó como actor e incluso como director.

 

MÚSICA CLÁSICA/CONTEMPORÁNEA

María Mendoza

/NOVA/ es el segundo disco en solitario de María Mendoza, hermano gemelo y reflejo en el espejo de “intro”, su primer disco. Siguiendo la estela de Intro, Nova nos propone no sólo un viaje en el tiempo, sino un viaje al espacio. Un lugar inhóspito e inaccesible, sinónimo de soledad, de nostalgia, de frío, de tristeza, donde todo y nada es posible. Una puerta abierta al infinito, a nuevas sonoridades.

El disco es un pequeño homenaje a las películas y libros de ciencia ficción que tanto fascinan a la compositora desde pequeña. María soñaba con ser astronauta y con saber que había más allá de las estrellas. Blade Runner y Alien, de Ridley Scott, Moon, de Duncan Jones, La fundación, Yo, robot y Estoy en Puertomarte sin Hilda, de Isaac Asimov.

 

Pieza para saxo alto y piano

 

Alejo Amoedo es un pianista especializado en el repertorio de compositores gallegos, realizando estudios y acompañamiento vocal en Madrid con el legendario pianista Miguel Zanetti. Es asesor de la Fundación Reveriano Soutullo. Su amplia trayectoria en el campo de la música de cámara lo llevó a la realización de numerosos recitales en los que estrenó obras de músicos destacados. De sus trabajos discográficos destacan el triple CD “Antología de Compositores Galegos” (Ouvirnos, 2013), junto al clarinetista Asterio Leiva. En la actualidad ejerce como pianista acompañante y repertorista en el Conservatorio Superior de Música de Vigo. Es uno de los integrantes del colectivo cultural Pertenza de Vigo, impulsores iniciales de la llegada a Vigo del Pergamiño Vindel de Martín Códax.

Juan Eiras

Es uno de los nuevos talentos gallegos con mayor proyección. Incluido, según el profesor Roberto Relova, dentro de la “Generación Sensible” de nuevos compositores gallegos; sus obras fueron interpretadas por alguno de los músicos y formación más importantes de Galicia y España. Actualmente trabaja en el Conservatorio Superior de Música de Vigo como profesor de Composición, Instrumentación, Análisis Aplicado y Tecnologías. En el año 2017 pasa a formar parte del equipo docente de Dos acordes, como preparador de opositores.

 

COROS Y GRUPOS VOCALES

De Vacas

Son cuatro vacas que ríen y cantan: la Marela, la Pinta, la Morena y la Rubia o lo que es lo mismo, Inés Salvado, Faia Díaz, Paula Romero y Guillerme Fernández. Presentan una mezcla de voces y guitarra, armonías que estimulan los sentidos. Cantan en todos los idiomas del mundo e inventan otros. Reivindican el guachinein, esa lengua minorizada. Aman a nuestros poetas por encima de todo. Rescatan refranes olvidados, tarareos que fueron populares en las voces de Cristina da Aguieira o Mónica da Laranxeira.

 

A modiño...
Carnaval: contexto, manifestaciones artísticas y… ¡acción!

Carnaval: contexto, manifestaciones artísticas y… ¡acción!

¡Ha llegado el Carnaval!

Ha llegado el Carnaval, y Musiqueando con María lo celebra con mucha música. Os he preparado una sorpresa al final, ¡no os la perdáis!

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Máscara musical colombina

El carnaval se refiere a una fecha específica, que se celebra con posterioridad a la Navidad y que concluye, normalmente, en el martes de carnaval. Éste es el último martes antes del inicio de la Cuaresma católica (que comienza el Miércoles de Ceniza). El período de carnaval se conoce también con el término francés de mardí gras, ‘martes graso’ o de la grasa (tocino). Durante la Cuaresma los cánones católicos indican que no se deberá de comer carne, sino pescado y verduras.

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Las carrozas de Baco, Endimión y Orfeo son las más espectaculares que se pueden ver durante el carnaval de Nueva Orleáns por su gran elaboración.

Esta curiosa celebración le permite a la gente romper sin pudor con cánones morales, recurriendo a disfraces y excitantes cantos. Sus antecesoras más remotas fueron las fiestas conocidas en la antigüedad como “bacanales” y “saturnalias”. A las bacanales se les llamaba así porque se realizaban en honor a Baco, dios pagano del vino. El el caso de las Saturnalias, por Saturno, dios de la siembra y la cosecha.

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Bacanal romana para los dioses

La palabra carnaval también proviene de aquella época. Durante las bacanales, a Baco se le cantaba el Ditirambo; el coro que lo hacía iba disfrazado de sátiro y frente a él aparecía el sacerdote del dios conduciendo un barco sobre ruedas al que llamaban “carrus navalis” (carro marino o naval). Este nombre los romanos lo pronunciaban “car navalis”. Mientras que carnestolendas, como también se lo llama al carnaval, proviene de “carro”, carnes”, y “tollo”, tapar. Dichos términos parecían aludir al disfraz.

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Carrus navalis medieval

 

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“El triunfo de Baco o Los borrachos”, de Velázquez

La devoción del hombre por usar máscaras puede encontrarse ya en el antiguo Egipto o en Grecia. Pero en el carnaval propiamente dicho fue Italia la que adoptó la careta, más precisamente en Venecia. Allí se usó no sólo como vehículo de alegría sino que sirvió para guardar el incógnito y gozar de impunidad en venganzas y conspiraciones, aunque también facilitó romances y amoríos.

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La historia de las máscaras venecianas se remonta hasta la época romana, pero su gran momento de esplendor fue durante el s. XVIII. Aunque hoy en día las asociamos a los carnavales, antiguamente se utilizaban en varias ocasiones durante todo el año, especialmente para asistir al teatro o a fiestas oficiales.

 

La costumbre de arrojarse distintos tipos de elementos también fue heredada de los romanos. Se divertían tirando con fuerza confites de menta, rosa o anís a la cara de los transeúntes; a raíz de aquella costumbre se adoptó el papel picado. Pero ésta, tal y como la conocemos hoy en día, tuvo su origen en una imprenta de París. Allí, un obrero que perforaba pliegos de papeles de colores, al ver caer los redondeles sobrantes los juntó y se los regaló a su hijo; el obsequio no sólo causó sensación entre los niños sino también entre los adultos, quienes comenzaron a encargar pequeñas bolsas de papel picado para arrojarlo durante los días de carnaval.

Con el paso de los años, el carnaval tomó formas y estilos diferentes según cada país. En España son famosos los de Cádiz, Canarias (El Carnaval de Cádiz junto con el de Santa Cruz de Tenerife actualmente son Patrimonio de la Humanidad) y Laza (Ourense), Verín y Xinzo de Limia (Ourense).

 

 

Los cigarrones de Verín (Ourense)

 

Las pantallas son típicas de Xinzo de Limia (Ourense)

 

¡A mover el esqueleto!

 

CARNAVAL Y MÚSICA

El Carnaval ha inspirado a muchos compositores a lo largo de la historia. Algunas de las partituras fueron compuestas expresamente para esta fiestas: unas tomadas algunas de melodías populares y otras evocando el ambiente festivo de esos días:

El carnaval de los animales, suite escrita por Saint-Saëns en 1886 para divertir a sus amigos. Podéis encontrar los vídeos y más información sobre esta suite en este enlace, publicado por mí el año pasado.

Cuento musical

“El Carnaval” de Schumann, compuesto para piano en 1835.

Robert Schumann (Zwickau, 1810 – Bonn, 1856) es uno de los compositores más destacados del Romanticismo. En esta obra se pone de manifiesto el caos que se produce en el mundo del circo, en el mundo de la comedia del arte. Quizá también dentro de la propia conducta humana enfrentando constantemente a lo largo de toda la obra personajes antagónicos como pueden ser Eusebius Florestan. Éstos son los dos pseudónimos que utilizaba para nombrar los distintos comportamientos de su propio ser. Según muchos historiadores estos dos personajes son el claro ejemplo de la esquizofrenia que parecía sufrir el compositor alemán.
En estas breves 22 piezas además se puede apreciar el desarrollo y la evolución con la que Schumann impregnó la técnica pianística de la primera mitad del siglo XIX. Podéis ampliar esta información en el blog de rz100arte, publicación dividida en una 1ª parte y 2ª parte.
Interpretación de Boris Giltburg

 

La obertura de concierto “Carnaval,” op. 92, de Dvorak, compuesta en 1891.

Forma parte de la trilogía orquestal Naturaleza, Vida y Amor. Se trata de tres oberturas de concierto que arrancan de un mismo impulso creativo: el deseo de expresar diferentes aspectos de la experiencia humana. manista. Es preciso tener esto en cuenta si se quiere situar correctamente una obra como la obertura Karneval, tan aparentemente alejada del Dvořák ‘popular’. El argumento que da forma a ésta y las otras dos oberturas que completan el tríptico se basa en la relación naturaleza-alma.

La idea argumental se sitúa entre los elementos de contraste. Por un lado, los torbellinos brillantes que se identifican con la fiesta de Carnaval; por otro, aspectos de la vida diaria: lo lírico, la meditación, un ocasional pesimismo. La exposición de unos y otros momentos va formando ese tejido de contraste a lo largo de la obertura, en la que predomina, apareciendo de nuevo al final, el allegro brillante que abre y cierra el espíritu del carnaval”.

 

Cerrad los ojos y disfrutadla

La obertura El Carnaval romano, op. 9, de Héctor Berlioz compuesta en 1843.

Basándose en el sabor de la ópera y de sus propios viajes a Italia la denominó Carnaval Romano. La obertura obtuvo un rotundo éxito en su estreno en París el 3 de febrero de 1844. Inmediatamente se unió a su Sinfonía Fantástica como las dos obras más populares de Berlioz y aquellas que con más frecuencia se programaban en los conciertos que dirigía el propio compositor.
La obertura del Carnaval Romano incluye dos melodías de Benvenuto Cellini. El tema lento, presentado por el corno inglés, está basado en el aria de Benvenuto O teresa, vous que j’aime. Es una melodía originalmente compuesta para la cantata La Mort de Cléopatre, con la que Berlioz optó sin éxito al Premio Roma en 1829. El segundo tema es un burbujeante saltarello, reminiscencia de las danzas escuchadas por el compositor en Roma.
La Obertura se divide en dos grandes secciones precedidas por una introducción basada en la melodía del saltarello. El tema de la primera sección lo presenta el corno ingles. Tras esta canción de amor, las semillas del saltarello se lanzan sobre la obertura a modo de una danza de carnaval. En medio de este remolino de alegría callejera, surge el germen de la canción de amor, que se escucha a continuación en la rica sonoridad de las trompas y los fagots. La alegría y la exuberancia del saltarello vuelven de nuevo para cerrar esta página musical.
Ojo al corno inglés, instrumento poco conocido

“Carnaval de Venecia” compuesta en 1816 por Niccolo Paganini, variaciones para violín y orquesta.

PREPARADOS, LISTOS… ¡ACCIÓN!

¡Sorpresa! Me he grabado bailando la canción “Si ma ma ka” con una coreografía muy sencilla para que todos la podáis interpretar. Para facilitaros la labor la he grabado en espejo, de forma que los movimientos de mi mano izquierda corresponden a los que va a realizar vuestra mano derecha, y los de mi mano derecha a vuestra mano izquierda, es decir, tal cual lo veis. Por si alguno se anima os facilito cinco ideas sencillas para hacer máscaras de carnaval.

 

¡Preparaos para bailar conmigo!

 

Karaoke con pictogramas

 

 

Fuentes de la información:

“Historia de las cosas. El curioso origen de esos objetos que nos rodean”. José Antonio Solís, 2008.

Mupsyché

Clásica 2: revista de ópera y música clásica.

 

Partitura de “Tu canción” (Amaia y Alfred) – Eurovisión

“Tu canción” es la balada que representará a España en Eurovisión. Alfred y Amaia serán los encargados de interpretar el tema, compuesto por Sylvia Santoro y Raúl Gómez.

Alfred y Amaia

El festival ha sido transmitido cada año desde 1956, siendo el programa de televisión más antiguo que aún se transmite. Además, es el festival de la canción más grande en términos de audiencia. El evento es transmitido en todo el mundo, incluso en países que no participan en el mismo.

El logotipo principal de este año representa un caparazón como símbolo de la riqueza de la vida en los océanos. Portugal siempre ha conectado a Europa con el resto del mundo a través del océano, y desde hace 500 años Lisboa es el centro de muchas de las rutas marítimas más importantes del mundo. El eslogan, también muy vinculado a la temática marítima, es All Aboard! a modo de invitación para subir a bordo del gran viaje eurovisivo.

Portugal se inspira en el océano para crear el logo y eslogan

Aunque es festival es muy conocido por ser promotor de música pop en años recientes se han presentado en el festival varios temas pertenecientes a otros géneros. El festival ha pasado de ser un simple experimento televisivo a una institución internacional de grandes proporciones. Hoy en día, el término «Eurovisión» es reconocido a lo largo del mundo

La final de Eurovisión 2018 tendrá lugar en Lisboa (Portugal) el día 12 de mayo. Alfred y Amaia (Almaia), concursantes de Operación Triunfo, serán los encargados de representar a España con la balada titulada “Tu canción”, compuesta por Sylvia Santoro y Raúl Gómez.

 

Amaia y Alfred en la Gala Eurovisión OT

 

DESCARGAR LA PARTITURA DE “TU CANCIÓN”

PARTITURA PARA FLAUTA

 

Making of del videoclip

 

A continuación tenéis. además de la grabación del reproductor del editor de partituras Finale, un pequeño regalo personal: mi interpretación al piano. Espero que los vídeos os sirvan de ayuda y, lo más importante, que os gusten. En la partitura he incluido la letra para que la cantéis si os animáis a ello.

 

Partitura de la canción

 

¿Os animáis a cantarla? Yo os acompaño.

 

 

El grupo más notable de Eurovisión cuya carrera despegó directamente después de su triunfo en el festival es ABBA. Dicho grupo ganó la edición de 1974 representando a Suecia, con el tema «Waterloo». Posteriormente, ABBA se convirtió en uno de los grupos más exitosos de la historia.

 

Waterloo en la gala de Eurovisión de 1974

 

Las canciones se interpretan para una audiencia con diversos gustos musicales y los países buscan obtener más votos como sea posible. Por ello, la mayoría de las canciones presentadas en el concurso pertenecen al género pop. Además, como el festival de Eurovisión es un espectáculo visual, muchas presentaciones intentan destacar por otros medios que no son exactamente musicales. De ahí que algunas críticas argumenten que la calidad de las interpretaciones ha disminuido.

Os recuerdo que me podéis seguir a Musiqueando con María través de mi página de Facebook, de la cuenta de Instagram (@musiqueandoconmaria) y de la que he creado esta semana en: Twitter: @musiqueandocm.

 

Música para celebrar la XVIII Feira Franca de Pontevedra

Este fin de semana se celebra la XVIII Feira Franca de Pontevedra, y Musiqueando con María le dedica una publicación con arte pictórico y musical.

 

“El baile de la boda” (1566), de Pieter Brueghel

 

El gusto por la danza en la Edad Media aumentó, ofreciendo vario sentido y muy diversas formas y modalidades. Lo religioso, lo profano, las relaciones de unos pueblos con otros, las invasiones de los musulmanes, la vida errante de los trovadores, y juglares, las  peregrinaciones a Roma y a Santiago de Compostela; la vida caballeresca y cortesana y por supuesto, la evolución progresiva de la música que contribuye a la del Baile. Todo ello comporta el crecimiento de las danzas populares.

 

 

La Iglesia, sin embargo, quiso prescindir de los ritos bailados, pero el pueblo interviene apoderándose de lo que se desahuciaba de los templos y, lo transforman adaptándolo en lo que ellos deseaban. Lo perteneciente aun de las iglesias, respondía a unas ideas cristianas, como las conocidas Danzas de la Muerte, que alcanzaron en la alta Edad Media su mayor plenitud, pero complicándose con el sentido que mueve ciertas revueltas sociales.

 

 

A medida que la vida cotidiana transcurre por cauces más fáciles, se extiende una alegría entre los poderosos como en los humildes. Por lo tanto, el espíritu caballeresco inspira la vida en los castillos, los siervos de estos, crean bailes y danzas, que por razones de paisaje y de raza, tienden a hacerse típicos de cada lugar y comarca, influyéndose, recíprocamente, los bailes de los señores y los del pueblo, aunque los de éste último, persiste en los bailes populares muchas de las actitudes de las danzas caballerescas.

Danza medieval

 

Resulta casi imposible conocer el origen de la gran mayoría de las danzas populares europeas y españolas en particular. Sin embargo, es indudable que buena parte de ellas datan de la alta Edad Media, o por lo menos, fue cuando se perfeccionaron y adquirieron las modalidades con las que mas tarde se mostraron. La Jota, es un ejemplo de ello, fue inventada en la Edad Media, igual que las muñeiras, Las danzas de las Espadas, la cual presenta varias versiones entre los vascos. De Inglaterra, la llamada Danza del rey Sabio, también del Norte y que se inspira en un romance compuesto por Alfonso X. Los juglares cantaban y bailaban algunas de sus composiciones poéticas; los jaleos jerezanos, el olé gaditano, las seguidillas, las sevillanas, las zambras, las leilas…

A Feira Franca é, dende hai anos, unha cita ineludíbel para as xentes de Pontevedra e os milleiros de visitantes que veñen gozar dela, procedentes de todos os recunchos do país e máis alá das nosas fronteiras; un peche apoteósico dos días de verán creado por e para a xente; unha viaxe ao século XV participada por toda unha cidade; unha vivencia única habitada por artesáns, canteiros, ferreiros, palilleiras, cesteiros, oleiros, redeiras, carpinteiros, músicos, xograres, campesiños, toneleiros, artistas, comerciantes, damas e cabaleiros que nos achegan o tempo do privilexio concedido a Pontevedra polo rei Henrique IV, no ano 1467, en virtude do cal se autorizaba a celebración dun mercado libre de impostos dun mes de duración.

A Feira Franca, que ten lugar na zona monumental da capital do Lérez todos os anos na primeira fin de semana de setembro, toma forma dende o ano 2000 coa organización de diversas actividades lúdicas de raigame histórica, que van dende a representación do transporte do viño ou o imperdíbel torneo medieval, ata os espectáculos de cetraría, tiro con arco, esgrima ou as exhibicións de música e danza que enfeitizan as xornadas do venres a partir do serán e mais de todo o sábado. Pero, sobre todo, o que fai especial e distinta esta festa medieval, declarada Festa de Interese Turístico pola Xunta de Galicia en 2013, son os milleiros de persoas que se visten de época para xantaren nas prazas e rúas, en mesas montadas e decoradas por elas mesmas, seguindo as pertinentes normas estéticas e utilizando tan só materiais existentes na segunda metade do século XV, conformando unha obra deleitosa na que o público é tamén actor sobre o escenario da cidade vella.

 

Dato curioso: “el baile de San Vito”

Durante los siglos XV al XVII una enfermedad bastante rara asoló la población mandando a muchísima gente a la hoguera. Se trata de la coreomanía, danzamanía o, como muchos llegaron a conocerla, “el baile de San Vito”. En la Edad Media comenzaron a darse casos en los que cada vez más gente presentaba un cuadro bastante raro de comportamiento: bailaban frenéticamente, como si escucharan una música imaginaria.

A medida que la plaga empeoraba, las autoridades buscaron el consejo de los médicos de la ciudad. Sorprendentemente, entre todos creyeron que lo más adecuado para estos enfermos del baile era que siguieran bailando, según el parecer generalizado, los enfermos sólo se curarían si no paraban de bailar durante las 24 horas del día. Para ello, habilitaron varios salones y construyeron un escenario de madera. Todo para que pudieran bailar a su aire. Y por si esto fuera poco, las autoridades contrataron a músicos para que tocaran y a bailarines profesionales para que los acompañaran. La música servía, además de cómo estimulo para evitar que dejaran de moverse, como cura para sus males. En aquellos tiempos, se creía que la música era capaz de sanar, no sólo los males del cuerpo, sino también los del alma.

Tras unas cuantas horas de gran ajetreo corporal los individuos caían al suelo, completamente exhaustos. No obstante, en cuanto recobraban las fuerzas volvían otra vez a su danza infernal. Lo peor de todo es que este comportamiento se daba en los lugares más insólitos, cualquiera en el que se encontraran, ya fueran iglesias, casas, calles o callejones. Cuando la danza finalizaba los dolores de estos pobres hombres y mujeres eran insoportables.

Durante la Edad Media la enfermedad se extendió de tal forma que se comenzó a pensar que las personas que la padecían estaban poseídas por el demonio. Así pues, los infelices eran quemados en la hoguera. El sobrenombre de “baile de San Vito” se debe a que éste era un santo de lo más popular en aquellos días. Así, la gente se encomendaba a dicho santo para que los curara de su enfermedad no terminaran en la hoguera.

Existe la expresión “tener el baile de San Vito”, pero… ¿cuál es su origen? Cuando una persona se muestra nerviosa e inquieta, le decimos despectivamente que parece que tiene el baile de san Vito o sambito