Escuela de Notre Dame, la cuna de la polifonía vocal

Escuela de Notre Dame, la cuna de la polifonía vocal

La Catedral de Notre-Dame, además de ser la catedral gótica más importante, es la cuna de la polifonía. Conozcamos la historia de la Escuela de Notre-Dame.

Notre Dame Milosz

Notre-Dame, por Milosz Labinski

La época de Notre-Dame constituye uno de los primeros puntos culminantes en la historia de la polifonía. Su nombre proviene de la escuela de cantores de la Catedral de Notre-Dame de París. Este época coincide, aproximadamente, con la Construcción de la Catedral (1.163-m.s.XIII). Su música es un arte exquisito del clero, destinado sobre todo al servicio religioso. Prestad especial atención a partir del min.4 del siguiente vídeo.

¿Por qué la Escuela de Notre-Dame cambió la historia?

En general, se trata aún de compositores anónimos. Sin embargo, el teórico inglés del s.XIII Anonymus 4 cita a los maestros Leonin y Perotin. El autor de textos más conocido es Phiplippe le Chancelier.

RITMO Y NOTACIÓN MODALES

Con excepción de las partes libres del organum, prevalecen ritmos ternarios rápidos. Los teóricos los dividen en 6 modos, con lo cual se intenta clasificarlos dentro de las antiguas medidas de versificación. De hecho, el ritmo ternario y los modos estarían relacionados con la nueva poesía rítmica latino-romana del s.XII.

Ritmo y notación modales

LOS GÉNEROS MUSICALES

Eran el organum, el motete y el conductus.

Aunque el organum había existido en la polifonía primitiva se va a desarrollar en gran medida hasta crearse «organum triplum» (a tres voces) y «organum cuadruplum» (a cuatro voces). Las voces ahora ya van a ser mucho más libres, sin tener que respetarse el paralelismo del organum primitivo. El organum melismático es aquel en el que la voz principal (del antiguo gregoriano) se mueve con notas muy largas mientras que las otras voces van haciendo melismas (adornos). Esto se puede ver en la obra de Perotin: «Sederunt Principes».

 

Perotin: Sederunt Principes

El duplum (dos voces) provisto de texto se llama motetus, y el nuevo género así formado, motete. Este se separó del origen y se convirtió en el principal género profano del Ars Antiqua y del Ars Nova (s.XIII-XIV).

En su carácter de canción a 1 y hasta 3 voces, es un género principal de la época de Notre-Dame. Su contenido es sacro, pero no litúrgico, siendo luego también profano, moral, político, etc., siempre como un arte clerical festivo y serio. La voz principal se halla en la parte inferior (conductus), dada según una estructura regular correspondiente y no anticipada (como el tenor gregoriano del motete. Puede ser silábico o con partes melismáticas más prolongadas en todas las voces al mismo tiempo.

Música de la Escuela de Notre-Dame

 

Cliquead en este enlace para saber más sobre historia de la música. ¡Otro día más y mejor!

 

 

 

Músicos e instrumentos en Lisboa que te sorprenderán

Músicos e instrumentos en Lisboa que te sorprenderán

En Semana Santa fui a Lisboa, ciudad de la que me enamoré hace años y me ha vuelto a sorprender con músicos e instrumentos de todo tipo. ¿Te animas a descubrirlos?

 

SIERRA FROTADA en RÚA DA AUGUSTA

Uno de los primeros que me sorprendió fue Sergey Nichitovschi. Nació en Moldavia. Comenzó a estudiar música de pequeño – a os 4 anos comenzó a estudiar acordeón (su padre tocaba la trompeta), piano y varios instrumentos. Se apasionó por flauta de pan a los 8 años y más tarde estudió el instrumento. Se licenció en música. En Moldavia, daba clases de música, tocaba con orquestas. Tocó en varios países – Romanía, Alemania y Rusia. Los padres llegaron a Portugal en 1999 y él fue unos años más tarde en busca de una vida mejor. Sergiu tocó por toda a Europa como músico callejero.

Produce música frotando una sierra (saw, en inglés) con un arco. Modifica la altura de las notas doblando el arco (cuando lo dobla más suenan notas agudas y cuando vuelve a su posición natural crea sonidos más graves. Le grabé en vídeo (lo podéis ver en mi canal de Youtube), pero se ve mejor en el siguiente:

 

Avé Maria, de Schubert
ARCO DEL TRIUNFO DE LA RÚA AUGUSTA

Continuando por la Rúa Augusta llegas a la Praza do Comercio, donde está situado el Arco de Augusta. Su construcción se inició después del terremoto de 1755, pero esta primera versión sería demolida en 1777, después del comienzo del reinado de María I. En 1873 comienza la construcción del segundo arco diseñado por Veríssimo José Dacosta, terminando las obras en 1875.

Arco de la Rúa Augusta

Arco del Triunfo

En la parte superior del arco se pueden ver esculturas que representan la Gloria, el Genio supremo y el Valor. En un plano inferior podemos ver otras esculturas de Víctor Bastos que representan a Nuno Álvares Pereira, Viriato, Vasco da Gama y el Marqués de Pombal. El texto de la parte superior del arco nos lleva a la grandeza de los descubrimientos portugueses y el descubrimiento de nuevos pueblos y culturas. El letrero reza: «Que la virtud de los grandes sea una enseñanza para todos».

Detalle del Arco da Rúa Augusta

Detalle de la alegoría de la Gloria recompensando valor y genio (porta una lira).

 

QUINTA DA REGALEIRA

Hijo de los dioses Apolo, dios de la música, y de Calíope, musa del canto. Patrón de poetas y músicos que descendió a los infiernos para rescatar a su amada Eurídice, adormeciendo al guardián Cerbero, perro de tres cabezas, con el sonido de su lira.

Orfeo Quinta da Regaleira

Escultura de Orfeo

 

Caracol Quinta da Regaleira

Escultura del caracol: representa la lentitud en la adquisición de conocimientos.

 

Tortuga marina Quinta da Regaleira

Tortuga marina: representa la longevidad y la paciencia en la adquisición de conocimientos. De ahí que yo esté indicando con una V de victoria, objetivo conseguido.

N’GONI

En el exterior de la Quinta da Regaleira sonaba un n’goni, arpa africana tocada por un músico callejero. Cuando le pregunté qué instrumento era, me contestó amablemente y me dijo que estaba aprendiendo a comunicarse con la fauna de la zona.

N'goni, arpa africana en la Quinta da Regaleira (Sintra)

 

Arpa africana (Senegal / Malí /Burkina Faso) que se originó en el siglo XII. Si bien el N’goni es el instrumento característico de Malí, se puede localizar también de forma bastante extendida en toda la zona entre Marruecos y Nigeria. El instrumento consta de dos partes: la caja de resonancia y el mástil.

La caja de resonancia suele ser confeccionada con calabazas gigantes de la zona, vaciadas, pulidas, embellecidas y/o barnizadas. A la calabaza se le coloca una piel, habitualmente de cabra, que puede haberse
curtido o no, lo que genera grandes diferencias entre los sonidos resultantes de ambas técnicas. 

ngoni

N’goni

El mástil es un palo generalmente de un tipo de caña espacial del Río Níger, muy resistente y elástica a su
vez, que atraviesa la calabaza, creando un pie que recuerda al metálico del contrabajo, con la diferencia de que es la misma pieza que el mástil. 

La afinación depende de muchos factores partiendo de una escala pentatónica, cuyo tono sube o baja según la amplitud de la calabaza, las cuerdas usadas, la piel de la caja de resonancia, el artista que la toque y el estilo con que lo haga.

ngoni mástil

Mástil del n’goni

Curiosidades: En sus primeros tiempos fue un instrumento para uso de pastores y constaba de una sola cuerda. Se cree que el N’goni junto con el Akonting y el Xalam o Khalam son los antepasados del Banjo utilizado en América del Norte.

PALACIO DE QUELUZ
Palacio de Queluz

Palacio de Queluz

Se trata de un palacio real construido a mediados del XVIII por encargo de los Braganza a los arquitectos Manuel Caetano de Sousa y Mateus Vicente de Oliveira. De estilo barroco pero con elementos típicos de la arquitectura portuguesa, como los azulejos, fue residencia principal de la realeza, especialmente desde el terremoto de 1755 que asoló Lisboa, y hasta principios del siglo XIX, cuando los franceses invadieron el país y la familia real se vio obligada a exiliarse a Brasil.

SALA DE LA MÚSICA

Sala da Música Musiqueando con María

Sala da música

(Cliquead en el título para acceder a la visita virtual 360º). Proyectada por el arquitecto Mateus Vicente de Oliveira y finalizada en 1959, es una de las salas más antiguas del palacio. Su estructura se mantuvo prácticamente igual hasta la actualidad. Su volumetría contiene una pared curva formando en conjunto con el techo una concha acústica, en el escenario de los músicos. También conocida como casa de las serenatas, fue armada varias veces como Casa de la Ópera, recurriendo a la ayuda del velamen de los barco. Hasta la inauguración del Nuevo Teatro de la Ópera de Queluz, en 1778 y después de la destrucción de éste, fue escenario de innumerables seriones musicales.

SALA DE LA LINTERNA

Sala de la linterna Musiqueando con María

Sala de la linterna

Hace de bisagra entre el volumen naciente del palacio y el volumen sur donde se encuentran los aposentos e la princesa, y tiene conexión con la capilla. Por no tener contacto con el exterior, era llamada Sala oscura. Durante la primera invasión francesa, Junot dio orden para abrir este farol, sacrificando la decoración del techo de tela pintada. Esta obra no llegó a concluir, por falta de pago de los obreros, y fue al final de 1809 que Don Joao VI ordena la reposición del farol como los franceses habían planeado.

Sala do Lanternim

Sala de la Linterna, con el retrato de D. Miguel en lugar destacado

 

MUSEO NACIONAL DE LOS COCHES

Alberga una gran colección de carruajes y carrozas antiguas, y de hecho el museo está considerado el mejor del mundo de este tipo, pues contiene decenas de piezas que datan de entre los siglos XVII y XIX.

Vehículo de viaje

Vehículo de viaje, España. Fue utilizado para el viaje de Madrid hasta Lisboa, en 1619. Era conducido por un tronquero y su ayudante montados a caballo. Es la carroza más antigua de la colección del museo.

TROMPAS DE CAZA

En el Museo Nacional de los Coches también estaban estas trompas. datadas en el s.XIX. Son instrumentos de viento en latón fabricados en el arsenal real del Ejército en los talleres de la Fundição de Cima, en Lisboa.

Trompas de caza 1

Trompas de caza

 

Trompa de caza

Detalle

CHARANGA REAL (s. XVIII):

Conjunto de tompetas, timbales y sus tocadores, un total de 28 músicos. Telliz bordado con hilos de plata y oro con el blasón del Rey José I. Usado para colocarlo sobre la silla del caballo. Faldones de timbal: revestimiento para tambor en damasco de seda decorado en oro.

Charanga real

Charanga real

Detalle charanga real

Detalle

Espero que os haya gustado la información que os he ofrecido sobre música e instrumentos en Lisboa. Podéis acceder a más publicaciones sobre historia en este enlace: Historia de la música.

Fuentes:

Historia de instrumentos africanos y Americanos

Sergey Nichitovschi

Palacio de Queluz

 

Máquinas infernales: cómo las grabaciones cambiaron la historia

Máquinas infernales: cómo las grabaciones cambiaron la historia

A lo largo del tiempo se inventaron máquinas que revolucionaron la grabación y reproducción musical. Conozcamos su historia.

Primera grabación fonoautógrafo

Primera grabación de la historia en el fonoautógrafo de Scott de Martinville

Hace más de un siglo, el compositor y director de banda John Philip Sousa advirtió que la tecnología acabaría por destruir la música.

«Estas máquinas parlantes van a arruinar el desarrollo artístico de la música en este país. […] Todo el mundo tendrá su música ya preparada o ya pirateada en sus armarios. […] El canto del ruiseñor es delicioso porque es el propio ruiseñor el que lo produce».

Antes de despachar a Sousa como un cascarrabias, podríamos reflexionar sobre cuán drásticamente ha cambiado la música en los últimos cien años. En el futuro, podrá decir el espíritu de Sousa, la reproducción desplazará a la producción. - piopialo          
Primeras voces humanas grabadas en la historia

Desde que Edison inventara el cilindro de fonógrafo en 1877 la gente ha estado opinando sobre lo que el medio de la grabación ha hecho por y para el arte de la música. Inevitablemente, la conversación se ha decantado hacia los extremos retóricos. Sousa fue un portavoz pionero de los catastrofistas; en el bando opuesto se encuentran los utópicos, que defienden que la tecnología no ha aprisionado a la música, sino que la ha liberado, llevando el arte de la élite a las masas y el arte de los márgenes al centro.

El fonógrafo y el disco democratizaron la música

Glenn Gould, después de renunciar a tocar en directo en 1964, predijo que en el lapso de un siglo el concierto público desaparecería en el éter electrónico, con un efecto en gran medida benéfico para la cultura musical.

La principal ironía de la historia de la grabación es que Edison no construyó el fonógrafo teniendo la música en la mente. Lo concibió más bien como un artilugio comercial, llamado a reemplazar a la costosa e imperfecta práctica de la estenografía, y que tendría la virtud añadida de preservar a perpetuidad las voces de los fallecidos.

Aunque Edison mencionó la idea de grabar música en su artículo de 1878, no pudo presentir siquiera la aparición de una industria musical. Se imaginó el fonógrafo como una herramienta para enseñar a cantar y como una extensión natural de las interpretaciones musicales domésticas. En la década de 1890, sin embargo, empresarios avispados habían instalado fonógrafos en salones recreativos, permitiendo que los clientes oyeran sus canciones predilectas con tubos para los oídos.

En 1888, Emil Berliner introdujo el disco plano, un procedimiento de almacenaje menos incómodo, y concibió con ello el moderno negocio musical en su totalidad: distribución masiva, estrellas discográficas, derechos de autor y todo lo demás.

El gramófono

Siempre que surge un nuevo artilugio, los vendedores se aprestan a señalar inevitablemente que un artilugio más antiguo ha quedado obsoleto. El automóvil apartó al ferrocarril; el ordenador reemplazó a la máquina de escribir. Sousa temió que el fonógrafo suplantara a la música en directo. Su temores eran excesivos, pero o irracionales.

Edison, cuyos cilindros empezaron enseguida a quedar a la zaga de los discos planos en cuanto a popularidad, estaba tan decidido a demostrar la verosimilitud de sus máquinas que organizó por todo el país una serie de Pruebas de Sonido, durante las cuales las salas se quedaban a oscuras y los oyentes se mostraban supuestamente incapaces de percibir la diferencia entre Anna Case cantando en vivo y uno de sus discos.

Prueba de sonido (1896)

La cinta magnética dio lugar al cambio más trascendental en la relación entre grabaciones y realidad musical. Los ingenieros alemanes perfecccionaron el reproductor de cinta magnética, o magnetofón, durante la Segunda Guerra Mundial. A altas horas de la noche, un experto en audio convertido en soldado y llamado Jack Mullin estaba monitorizando la radio alemana cuando se dio cuenta de que una transmisión orquestal nocturna era asombrosamente clara: sonaba «en vivo», aunque ni siquiera por un capricho de Hitler podía haber estado tocando la orquesta en plena noche. (El siguiente vídeo tiene disponibles subtítulos en español).

Historia de la cinta magnetofónica

Después de concluida la guerra, Mullin localizó un magnetofón y se lo llevó a Estados Unidos. Hizo una demostración a Bing Crosby, que lo utilizó para grabar con antelación sus emisiones. Crosby fue un pionero del que fue quizás el más famoso de todos los efectos tecnológicos: cantar de modo intimista con una voz suave.

La cinta magnética significaba que Bing podía prácticamente susurrar al micrófono y, aun así, ser oído en todo el país. El proceso magnético también permitía que los intérpretes inventaran su propia realidad en el estudio. Podían corregirse los errores empalmando trozos de tomas diferentes.

El magnetofón

La llegada de la grabación digital fue, para muchos escépticos, el ultraje definitivo. Las viejas máquinas vibraban empáticamente con lo que había sido grabado: las colinas y los valles de un cilindro o un disco plano seguían los perfiles de la música. La tecnología digital desmenuzaba literalmente las vibraciones entrantes en bits: series de ceros y unos que se codificaban en un disco compacto y a continuación se reconstituían en un reproductor de CD’s.

Neil Young, el cantante y compositor canadiense de voz áspera, se mostró especialmente mordaz:

«Escuchar un CD es como mirar el mundo a través del estor de una ventana».

No hay duda que la tecnología ha hecho progresar las carreras de personas insignificantes, pero también ha echado una mano a aquellos que carían de apoyos dentro del sistema. El hip-hop, la forma de pop dominante del cambio de siglo, ofrece la demostración más electrizante del todopoderoso efecto dela tecnología. Como indica Jeff Chang, el género surgió en guetos empobrecidos de altos bloques de viviendas, en los que las familias no podían permitirse comprar instrumentos para sus hijos e incluso la forma más rudimentaria de ejecución musical parecía estar fuera de su alcance. Pero, aún así, se hacía música de todos modos: el propio fonógrafo pasó a ser un instrumento.

Antes o después, toda crítica de las grabaciones acaba por citar el ensayo de Walter Benjamin «La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica».  El pasaje citado con más frecuencia es la reflexión que hace Benjamin sobre la pérdida de un «aura» que rodea a las obras de arte» el «aquí y ahora» del objeto artístico sagrado, su conexión con una comunidad bien definida.

La obra de arte en la epoca de su reproductibilidad tecnica

Aunque a los intérpretes y oyentes clásicos les gusta imaginarse en una alta torre, muy alejada del tumulto electrónico, también ellos son esclavos de las máquinas. Parte de la propaganda más encendida en defensa de las nuevas tecnologías ha procedido  del bando clásico, donde la ilusión de la reproducción perfecta resulta especialmente seductora. El fenómeno de la estrella que no lo es más que en apariencia y que tiene grandes dificultades para repetir en la sala de conciertos lo que se supone que hace en el disco, no es algo que carezca de precedentes.

Quizás hay algo de antinatural en el acto mismo de realizar una grabación de estudio. En el cenit de la época de la alta fidelidad destacados productores y ejecutivos clásicos gastaron muchos millones de dólares  para crear grabaciones definitivas de las cimas del repertorio.

sala de conciertos alemania

Auditorio de Hamburgo: Elbphilharmnie o Filarmónica del Alba

El siglo XXI presenta un panorama confuso. Los sellos discográficos están tambaleándose. El concepto de un álbum individual y distinto de otros con una serie de canciones u obras están experimentando probablemente un declive terminal. En el pop, el grueso del dinero se hace ahora con el márketing de las giras y con la venta de productos relacionados con ellas. La música ha dejado  ya de ser un premio en una colección; está volviendo a su evanescente estado natural.

La música clásica, o una parte de ella, está floreciendo en línea en los ordenadores de modos inesperados. Las instituciones con más recursos están ofreciendo material de audio en vivo y archivado. Los compositores jóvenes al tanto de las potencialidades de la red ya no dependen de los editores para legar a su público, distribuyendo sus mercancías por medio de blogs, YouTube, Facebook, Twitter, etc

Según Hans Heinz Stuckenschimidt,

«La máquina no es ni un dios ni un demonio»

La gente tiene montones de músicas pirateadas en sus armarios, pero siguen acudiendo a conciertos en vivo, pagando centenares o incluso miles de dólares para conseguir ver fugazmente a sus ídolos. Estamos casi de regreso en el punto en el que comenzamos.

 

«La canción del pirata»: aunamos literatura y música

«La canción del pirata»: aunamos literatura y música

¿Sabías que este poema se dice que habla de Benito Soto, un personaje pontevedrés? Más música relacionada con literatura en este enlace.

La canción del pirata

La canción del pirata

Con diez cañones por banda,
viento en popa a toda vela,
no corta el mar, sino vuela
un velero bergantín;

bajel pirata que llaman,
por su bravura, el Temido,
en todo mar conocido
del uno al otro confín […]

Bucanero de profesión, el barrio de la Moureira lo vio nacer hasta convertirse en el pirata más temido incluso a el otro lado del atlántico. Sanguinario, cruel y despiadado, comenzó sus andaduras hacia el nuevo mundo donde asesina sin piedad a toda tripulación que con él se topa. Fue mandado ejecutar en Gibraltar tras, se dice, haber dado uno de sus mayores botines a su tío, José Aboal, y éste haberlo escondido en uno de los edificios más ilustres de Pontevedra.

Benito Soto

Benito Soto

«La canción del pirata» es uno de los cinco poemas que José Espronceda dedica a los seres marginados de la sociedad en señal de protesta: el pirata, el mendigo, el verdugo,  el cosaco y el reo de muerte. Es considerado uno de los poemas icónicos del romanticismo español. Fue publicado en el libro Poesías, en el año 1846, después de su muerte.

Barco pirata

Parque infantil en forma de barco pirata en la plaza Valentín García Escudero, el «kilómetro cero» de la Pontevedra romana

El grupo musical Tierra Santa musicalizó «La canción pirata», un romance decimonónico.

 

 

«A casa da Campá», también conocida por la antigua casa del pitillo, pues en ella había un bar donde con el café se daba un pitillo. Ésta es la actual sede del Vicerrectorado de la Universidad de Vigo y, se dice, existe un documento en el que los antiguos propietarios hicieron firmar al concejo de Pontevedra, que si en algún recobeco del edificio se hayara dicho tesoro, los legítimos propietarios serían ellos. Cada año se recrea en Pontevedra con la fiesta pirata el desembarco del bergantín El defensor de Pedro, comúnmente mal denominado por The Black joke.

Pontevedra capital Casa de las Campanas

La Casa de la campana

La denominación de Casa de la Campana, tal como se atestigua documentalmente en 1587, debe proceder de encontrarse a escasos metros de la fachada principal de la desaparecida iglesia parroquial de san Bartolomé o Vello. Esta parroquia, por causas que se desconocen, carecía de campanario hasta que, en 1637, el maestre de cantería compostelano Benito Vidal acomete su construcción

San Barolomé O Vello

Iglesia de San Bartolomé O Vello, con la Casa de la Campana a la derecha. Más información con fotos en este enlace

Para financiar la obra fue preciso deshacerse de la vieja custodia parroquial de plata, mediando autorización arzobispal. Esta carencia obligaba a convocar a los parroquianos con el carillón de la inmediata casa de los Puga, que había pasado a manos de los benedictinos de San Salvador do Lérez. Sus badaladas indicaban el entorno rural de la villa, que delimitaba una frontera acústica, hasta donde fuera posible escucharlas.

Fuentes:

Texto elaborado por Sonia

«La casa de la campana y de los vinos del coto de Lérez»

El carnaval en Galicia: o entroido

El carnaval en Galicia: o entroido

Llega el carnaval y con él el descontrol, la fiesta… ¡y la música!

Desfile Viana do Bolo

Desfile de Viana do Bolo

Antes de continuar, os recomiendo que visitéis la publicación que compartí el año pasado sobre el carnaval - piopialo          :

Carnaval: contexto, manifestaciones artísticas y… ¡acción!

Con el paso de los años, el carnaval tomó formas y estilos diferentes según cada país. En España son famosos los de Cádiz, Canarias (El Carnaval de Cádiz junto con el de Santa Cruz de Tenerife actualmente son Patrimonio de la Humanidad) y Laza (Ourense), Verín y Xinzo de Limia (Ourense). En esta ocasión os voy a hablar sobre un nuevo pueblo: Viana do Bolo.

 

Folión Alternativo, uno de los más espectaculares

 

En Viana do Bolo (Ourense) el carnaval es algo más que descontrol y fiesta. Es un sentimiento, unha pasión, es autentica magia. En estas tierras la tradición y las culturas ancestrales van de la mano, dando como resultado un carnaval único, como muestra el siguiente documental, hecho por la vianesa Cristina Fernández.

 

 

Seis meses de trabajo tardan en darle vida a cada uno de los bombos que atronan los foliones del carnaval. En Viana do Bolo su elaboración artesanal pasa de una generación a otra en un trabajo que requiere maña, tiempo y paciencia a partes iguales (fotos cedidas por Toty, el hijo de Ceferino).

Bombos Viana do Bolo

Bombos Viana do Bolo 2

Bombos Viana do Bolo 3

Bombos viana do Bolo 4

Todo, dicen, por la fiesta de las fiestas, la que llevan esperando todo el año.

Os bombos de Ceferino

Suena con fuerza el folión en el jueves de compadres. Y muchos de esos bombos que ahora atronan salieron de las manos de artesanos como estos de Mourisca, en el ayuntamiento de Viana. Un trabajo que se va cociendo poco a poco durante todo el año. Aquí de nada valen las prisas. Y para ese trabajo de meses no hay que escatimar en materiales: utilizan piel de cabra y maderas de chopo, nogal, cerezo o castaño.

La experiencia aquí es un grado. Ceferino sale con el folión desde los siete años. Grandes y pequeños participan en la fiesta. Acabó el trabajo y comienza lo bueno, lo que llevan esperando todo el año: los días grandes del carnaval.

 

Bombos y azadas tocando al ritmo de cada folión

 

LAS MURGAS

Las murgas consisten en un grupo de personas que cantan con letras en las que se hace crítica generalmente hacia a la política, pero también a los problemas de la sociedad en general. Frecuentemente desarrolladas con humor e ironía, las composiciones se hacen sobre la base de canciones populares, a las que se les cambia la letra. A continuación podéis ver tres murgas que actuaron el año pasado en el Pazo de la Cultura, en Pontevedra.

 

Fuentes:

Fariña na pel

Elaboración de los bombos

La música alemana actual, un iceberg musical

La música alemana actual, un iceberg musical

La música alemana actual es sólo la punta del iceberg. Para conocer su cultura musical echamos la vista atrás.

Humor música alemana

La base del iceberg la conforman las tres “B’s”: Bach, Beethoven y Brahms. Pero Alemania «esconde» mucha más música, de todos los géneros, salas de conciertos, orquestas de música, festivales, etc.

 

 

Biografía de Beethoven

 

HELENE FISCHER

una de las cantantes alemanas más reconocidas a nivel mundial, es conocida como la reina del Schlager, un cóctel a base de folclore nacional, melodías pegadizas y buen rollo (hit en inglés).

 

You Raise Me Up

 

NENA

Gabriele Susanne Kerner, más conocida como Nena, alcanzó la fama en 1983 gracias a la canción «99 Luftballons» («99 Red Balloons» en la versión en inglés). ¿Cómo lo logró? La respuesta, en este enlace.

 

99 Luftballons

 

RAMMSTEIN

Es una banda que tiene un montón de características que le hacen ser muy peculiar:

  • Lo primero es que son todos de la antigua Alemania del Este, por lo que su formación musical se nutre de la música que les llegaba de la Alemania occidental y discos que conseguían de forma clandestina.
  • Con la reunificación empiezan a formar parte de bandas punk de extrema izquierda, skas y hasta neonazis, y sin embargo confluyen en 1994 en un proyecto totalmente diferente.
  • Transita en un estilo muy personal, siendo su música una mezcla de metal industrial con elementos tecno y hasta operísticos, que algunos han denominado Tanzmetall (metal de baile) por su popularización en discotecas.

 

Videoclip oficial

 

«Du hast»  es una canción de la banda de música industrial alemana Rammstein editada como segundo sencillo del álbum Sehnsucht, de 1997. La letra es un juego de ambigüedades léxicas con los votos de matrimonio alemanes.​ Comienza jugando con la ambigüedad de sus primeras palabras, pues «du hast mich» («tú me has/ tú me tienes») y «du hasst mich» (grafía alternativa: «du haßt mich», «me odias») son frases homófonas. La anfibología se resuelve al terminar la frase: «du hast mich gefragt und ich hab nichts gesagt», «me has preguntado y yo no he dicho nada».

SCORPIONS

La balada heavy es un contrasentido. Nadie sabe cómo empezó la campaña difamatoria para presentar al Heavy Metal como fuente y caudal de la cursilería. Pero sí sabemos qué es lo que ocurrió. La fuerzas dela reacción anti-heavy encontró la manera de destrozar la reputación del metal. Una balada de Scorpions ‘Still loving you’ (1983) tuvo la culpa de que miles de fanáticos encendieran sus mecheros a la vez.

 

Still Loving You

 

Scorpions era una banda alemana que atravesaba momentos difíciles. Su cantante Klauss Maine había perdido la voz en 1981; desolado, el vocalista decidió retirarse, pero su guitarrista, Rudof Shenker, fue categórico: «Si Klauss no puede seguir, es mejor disolverse antes que sustituirlo». La historia es conocida. El tipo pide una segunda opinión médica y se recupera, canta el disco ‘Blackout’, el asunto es un éxito y, con el siguiente, ‘Love at the first sting’, graban el baladón de marras ‘Still loving you’, que sólo en Francia vende más de un millón de copias.

 

 

Por último, una pequeña referencia a la música tradicional alemana.

 

Alemania y su música

 

Espero que os resultara interesante la información ofrecida. En este enlace tenéis más publicaciones de mi blog relacionadas con historia de la música. ¡Prosit!

 

Fuentes:

https://corazondecancion.blogspot.com/2012/11/rammstein-du-hast-letra-en-aleman-y.html

www.mexicanosenalemania.de/vivir-en-alemania/musica-en-alemania/

www.mexicanosenalemania.de/vivir-en-alemania/cantantes-grupos-musicales-alemanes/

https://www.elmundo.es/cultura/2015/02/17/54e2fe34268e3e522a8b456c.html