Día das Letras Galegas adicado a María Victoria Moreno con novas partituras

Cada 17 de maio celébrase en Galicia o Día das Letras Galegas. Este año vai adicado a María Victoria Moreno Márquez, e Musiqueando con María faille un homenaxe con novas partituras.

Ilustración de Mónica Fernández 

En anos anteriores ofrecín as seguintes partituras de temas galegos:

Nesta ocasión é o turno de «Compañeira» e «Lela»

«Compañeira»

«Compañeira» é unha canción composta por Xosé Luís Rivas Cruz («Mini»), a pista nº 9 do álbum Fuxan os ventos, do grupo co nome homónimo.

 

Interpretada polo grupo Fuxan os ventos

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«Lela»

En 1941 Alfonso Daniel Rodríguez Castelao estrena a súa obra teatral «Os vellos non deben de namorarse« para a que compón a letra desta canción (11’15» do vídeo que ofrezo a continuación):

 

Obra teatral completa

El maestro Rosendo Mato Hermida (Vilalba, 1914-Santiago, 1994) fue el que puso música a los sublimes versos de Castelao en Os vellos non deben namorarse para crear una canción que se ha convertido en todo un icono de la cultura gallega.

Detalle del resguardo del Registro de la Propiedad Intelectual de 1977 sobre la música de «Lela» obra del maestro Rosendo Mato

Detalle del resguardo del Registro de la Propiedad Intelectual de 1977 sobre la música de «Lela» obra del maestro Rosendo Mato

É unha farsa que trata dos amores de tres velloos imprudentes: D. Saturio, D. Ramón e o señor Fuco, que teñen a desgracia de pór os seus ollos en tres xóvenes: Lela, Micaela e Pimpinela. Como consecuencia desa imprudencia, os tres acaban falecendo: D. Saturio, envenenado; D. Ramón, que por un bico entrega a súa alma, acostado en estércol; e o señor Fuco, que acaba por casarse coa súa amada, e morrendo de felicidade.

No prólogo Castelao di o seguinte:

«Qué emocionante es ver a un viejo que llora por un amor que perdió cuando era joven. Los ancianos deben atesorar los amores de juventud porque les ayudan a vivir; pero los amores tardíos los matan y su muerte hace reir a la gente.»

Detalle de la partitura original que recoge la música que compuso Rosendo Mato para el poema de Castelao «Lela»

 

 

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Voz de Dulce Pontes

 

Rubén Simeó con trompeta

 

Cristina Gallardo-Domâs, soprano. Arreglo de Juan Durán

 

MARÍA VICTORIA MORENO MÁRQUEZ

Chegou a Galicia en 1963, con só 22 anos, como profesora e axiña asumiu a cidadanía en galego, idioma no que enriqueceu as nosas Letras tanto na narrativa -nomeadamente a infantil e xuvenil- como nos estudos literarios, no ensaio, na poesía e na didáctica da lingua e da literatura galegas. En 1993, no congreso «Poetas alófonos en lingua galega», declarou:

«Eu non son alófona porque o que practico, se é que escribo, podería definirse coma unha amorosa autofonía (…). A miña relación con Galicia e a miña opción pola súa lingua é simplemente unha historia de amor».

Tras a súa presentación pública o pasado 27 de abril, o documental María Victoria Moreno, galega por amor xa se pode ver a través da canle municipal en Youtube (vídeo de abaixo). O filme de 40 minutos percorre a vida e a obra da homenaxeada no Día das Letras Galegas e amosa o seu vencello coa cidade, da man de amizades e persoeiros da cultura como Fina Casalderrey, Xavier Senín, Xesús Alonso Montero, Manuel Bragado ou Francisco Castro. Máis información neste ENLACE.

 

Mª Victoria Moreno, galega por amor

Dúas décadas atrás, a autora publicara Mar adiante (Edicións do Castro, 1973), o seu primeiro libro en galego (ilustrado por ela mesma). Con esta primeira novela, a profesora de orixe estremeña convertíase nunha das voces pioneiras da narración en galego destinada ao público máis novo, ao que dedicaría tamén boa parte da súa produción literaria posterior con notable recoñecemento tanto da crítica como do público.

María Victoria Moreno

Outro título destacado na súa traxectoria, Anagnórise (Galaxia, 1989), é un dos maiores éxitos da literatura xuvenil na nosa lingua: a novela foi incluída na listaxe de honra do IBBY (Organización Internacional para o Libro Xuvenil) en 1990 e chegaron a se editar en poucos anos vinte edicións. Pero o seu libro preferido era Leonardo e os fontaneiros(Galaxia, 1986), co que gañou o terceiro premio O Barco de Vapor de 1985.

Cartel ilustrado por Abi Castillo

María Victoria Moreno soubo tamén transmitir a paixón pola lingua e a literatura como profesora, tanto nas clases de lingua galega semiclandestinas que impartía gratuitamente nos anos 70 en Pontevedra , Vilagarcía de Arousa ou Ourense, como nas oficiais de Lingua e literatura españolas que deu durante décadas no ensino secundario.

Ilustración de Daniela Lama, con algúns dos personaxes das obras infantís de Mª Victoria

No eido educativo asinou, ademais, libros de texto que aínda hoxe se consultan. A tradución é outro terreo no que María Victoria Moreno realizou achegas destacadas. Cómpre tamén lembrar outras facetas da autora, como a de libreira en Pontevedra, onde abriu xunto a outros intelectuais, en 1968, a libraría Xuntanza, unha trincheira máis para promover a literatura e espallar os libros. No eido editorial, foi ademais codirectora da colección infantil de Galaxia, Árbore, desde o seu inicio.

El ukelele, un instrumento sencillo y barato

Seguro que más de uno de vosotros ha tenido dudas a la hora de escoger un instrumento para aprender músicaMusiqueando con María os ayuda a despejar las posibles dudas.

Foto de Cristina Pontanilla

He de decir que para mí el piano es el instrumento rey. Los compositores tienen una atracción especial hacia él debido a su sonido único y a su gama de 88 teclas. Es, posiblemente, el más completo de todos, el único capaz de convertirse prácticamente en orquesta por sí solo. Por cierto, aunque no se vean directamente, y para despejar posibles dudas, se trata de un instrumento de cuerda - piopialo          .

 

El ukelele

Uno de los instrumentos más fáciles de manejar y que casi cualquiera podría permitirse comprar es el ukelele, un instrumento de cuerda pulsada, generalmente de cuatro cuerdas. ¿Qué ukelele comprar? Para empezar os voy a explicar de forma breve y sencilla los cuatro tamaños estandarizados que existen de ukelele: soprano, concierto, tenor y barítono.

  • Ukelele soprano. Es el mejor para los principiantes y el más barato. Es la variante más compacta con sus 53 centímetros. Produce los tonos más agudos y es el que más se toca en todo el mundo.
  • Ukelele concierto. Es un poquito más grande que el soprano, más cómodo y audible. La caja de resonancia es más grande y, a veces, tiene un traste más.
  • Ukelele tenor. Esta variante de ukelele es el más apreciado por los aficionados a tocar punteados. Llega casi a los 70 centímetros. Este espacio extra permite mayor separación entre los trastes y las cuerdas. Además, aumenta la caja de resonancia y se potencian los graves y el volumen.
  • Ukelele barítono. Hablamos de un modelo muy apreciado por quienes ya están acostumbrados a tocar la guitarra, pues comparten las cuatro primeras cuerdas. Es el más grande de todos y el que menos suena a ukelele.

 

 

Es importante tener en cuenta el tamaño de las manos a la hora de elegir un ukelele. En función del mismo, os sentiréis más cómodos con uno u otro. En caso de que vuestras manos sean grandes o tengáis los dedos anchos, lo más recomendable es tocar un ukelele concierto o tenor. Si por el contrario son pequeñas, lo mejor es un ukelele soprano, que produce un sonido agudo y brillante, propio del ukelele original. No tendréis ningún problema si son de un tamaño intermedio.

Ukelele Concierto CAHAYA (foto de ukelale)

Historia del ukelele

El ‘ukulele (también aceptado ukelele, o simplemente uke) es un instrumento de cuerda pulsada, generalmente con 4 cuerdas. Su origen se remonta a finales del siglo XIX, concretamente en la isla portuguesa de Madeira, de donde zarpó el barco británico SS Ravenscrag con destino Hawai‘i, cargado con 423 tripulantes, la mayoría destinados a trabajar en las plantaciones de caña de azúcar. El Ravenscrag, tras un viaje de cuatro meses, llegó al puerto de Honolulu en la isla de O‘ahu el 23 de agosto de 1879. De entre sus tripulantes destacamos el nombre de cuatro de ellos: João Fernandes, Augusto Dias, Manuel Nunes y José do Espirito Santo.

 

El verdadero origen del ukelele

 

Cuenta la historia que al llegar a Honolulu, João Fernandes cogió su cavaquinho, un instrumento de cuatro cuerdas muy popular en Portugal y Madeira y tocó una canción con él, cautivando a los locales con su sonido. Se dice que los nativos lo llamaron ukulele, que literalmente quiere decir “pulga saltarina” (‘uku es pulga en hawaiiano, y lele significa saltar).

Los otros tres tripulantes del Ravenscrag, después de terminar su contrato de tres años en las plantaciones de caña de azúcar, se afincaron en Honolulu ejerciendo de carpinteros. Fabricaban muebles e instrumentos musicales como guitarras, cavaquinhos y rajãos de cinco cuerdas (otro instrumento típico de Madeira). En un momento dado crearon un híbrido, con la forma del cavaquinho y sus cuatro cuerdas, pero con una afinación reentrante similar al rajão de 5 cuerdas. Así nace el ukulele.

Instrumentos musicales fabricados con material reciclado

No siempre es necesario comprar un instrumento para producir sonidos y divertirse. En Internet existen multitud de páginas web que nos aportan ideas muy interesantes para fabricar instrumentos musicales aprovechando materiales que tenemos en casa o que podemos encontrar al aire libre (ramas, piedras, etc.). Éstas son algunas:

 

¡Manos a la obra!

 

 

 

 

 

Partitura de «Tu canción» (Amaia y Alfred) – Eurovisión

«Tu canción» es la balada que representará a España en Eurovisión. Alfred y Amaia serán los encargados de interpretar el tema, compuesto por Sylvia Santoro y Raúl Gómez.

Alfred y Amaia

El festival ha sido transmitido cada año desde 1956, siendo el programa de televisión más antiguo que aún se transmite. Además, es el festival de la canción más grande en términos de audiencia. El evento es transmitido en todo el mundo, incluso en países que no participan en el mismo.

El logotipo principal de este año representa un caparazón como símbolo de la riqueza de la vida en los océanos. Portugal siempre ha conectado a Europa con el resto del mundo a través del océano, y desde hace 500 años Lisboa es el centro de muchas de las rutas marítimas más importantes del mundo. El eslogan, también muy vinculado a la temática marítima, es All Aboard! a modo de invitación para subir a bordo del gran viaje eurovisivo.

Portugal se inspira en el océano para crear el logo y eslogan

Aunque es festival es muy conocido por ser promotor de música pop en años recientes se han presentado en el festival varios temas pertenecientes a otros géneros. El festival ha pasado de ser un simple experimento televisivo a una institución internacional de grandes proporciones. Hoy en día, el término «Eurovisión» es reconocido a lo largo del mundo

La final de Eurovisión 2018 tendrá lugar en Lisboa (Portugal) el día 12 de mayo. Alfred y Amaia (Almaia), concursantes de Operación Triunfo, serán los encargados de representar a España con la balada titulada «Tu canción», compuesta por Sylvia Santoro y Raúl Gómez.

 

Amaia y Alfred en la Gala Eurovisión OT

 

DESCARGAR LA PARTITURA DE «TU CANCIÓN»

PARTITURA PARA FLAUTA

 

Making of del videoclip

 

A continuación tenéis. además de la grabación del reproductor del editor de partituras Finale, un pequeño regalo personal: mi interpretación al piano. Espero que los vídeos os sirvan de ayuda y, lo más importante, que os gusten. En la partitura he incluido la letra para que la cantéis si os animáis a ello.

 

Partitura de la canción

 

¿Os animáis a cantarla? Yo os acompaño.

 

 

El grupo más notable de Eurovisión cuya carrera despegó directamente después de su triunfo en el festival es ABBA. Dicho grupo ganó la edición de 1974 representando a Suecia, con el tema «Waterloo». Posteriormente, ABBA se convirtió en uno de los grupos más exitosos de la historia.

 

Waterloo en la gala de Eurovisión de 1974

 

Las canciones se interpretan para una audiencia con diversos gustos musicales y los países buscan obtener más votos como sea posible. Por ello, la mayoría de las canciones presentadas en el concurso pertenecen al género pop. Además, como el festival de Eurovisión es un espectáculo visual, muchas presentaciones intentan destacar por otros medios que no son exactamente musicales. De ahí que algunas críticas argumenten que la calidad de las interpretaciones ha disminuido.

Os recuerdo que me podéis seguir a Musiqueando con María través de mi página de Facebook, de la cuenta de Instagram (@musiqueandoconmaria) y de la que he creado esta semana en: Twitter: @musiqueandocm.

 

Otra forma de entender los instrumentos de cuerda

Los instrumentos musicales de cuerda son todos aquellos que se encargan de producir sonido por medio de la vibración de sus cuerdas.

Ondas de una cuerda

Este tipo de instrumentos conforman un grupo enorme, probablemente son el más grande dentro de todos los grupos de instrumentos que existen en la actualidad, y precisamente la clasificación de estos se basa en la manera particular en la que la cuerda produce el sonido.

Si bien la música es un arte, es innegable que detrás de ella hay muchísima ciencia, y es por eso que gran parte de la música encuentra sus raíces entrelazadas estrechamente en cuestiones de la física, especialmente si consideramos que en los instrumentos de cuerda es bastante importante tener en cuenta la tensión como una propiedad esencial de toda cuerda. 

Características físicas de las cuerdas:

  • Cuanto mayor sea la longitud de una cuerda más grave es su sonido.
  • Las cuerdas más gruesas producen un sonido más grave..
  • Un sonido será más agudo cuando más tensemos una cuerda..

Las propiedades físicas de los instrumentos de cuerda se fundan en mecanismos bastante básicos, los cuales se centran en la onda transversal que se propaga a través de la cuerda. La resonancia es lo que le da el sonido particular a cada uno y lo que permite la existencia de una gama gigantesca de instrumentos de cuerda.

Distintos tipos de instrumentos de cuerda

Hay distintos tipos de instrumentos de cuerda, como ya hemos mencionado con anterioridad, y todo esto se basa en la manera en la que se mueve la cuerda para poder producir el sonido. Musiqueando con María os ofrece, a continuación, una pequeña clasificación con vídeos demostrativos.

Por una parte, encontraremos a los instrumentos de cuerda frotada, que son aquellos que realizan la vibración al ser frotados con un arco dispuesto por una varilla flexible y ligeramente curva, pero en ocasiones lo que realmente se hace es una suerte de pellizcada dando un sonido particular.

Diferencia entre un violín y una viola

 

Por otro lado, conseguimos a los instrumentos de cuerda percutida, que son aquellos en los que las cuerdas necesitan ser golpeadas para poder sonar. El más conocido de todos estos instrumentos es el piano, pero a decir verdad existen muchos otros.

¡Destripamos un piano!

 

En última instancia apreciamos a los instrumentos pulsados, que son en los que el contacto con la cuerda es directo con la cuerda y la vibración se produce en el momento en el que la misma es pulsada con la tensión que se decide.

Vibración de las cuerdas a cámara lenta
Instrumentos de cuerda pulsada

 

En el caso de los instrumentos de cuerda frotada y los instrumentos de cuerda pulsada, se establece otra diferenciación respecto de si los mismos cuentan o no con trastes, es decir, si cuentan con una separación demarcada en el diapasón que permita separar notas musicales de manera escalonada y aquellos que no cuentan con tal demarcación y en los que las notas se suceden en forma de rampa.

Así vibran las cuerdas frotadas con un arco
Espero que esta publicación os haya gustado y que, a partir de ahora, veáis los instrumentos de cuerda con otros ojos y… ¡con otros oídos!

 

Popurrí musical para inaugurar el año 2018

La «Oda a la Alegría» encabeza el popurrí musical que he escogido para inaugurar el año 2018.

Popurrí musical

«Oda a la alegría» (An die Freude en alemán) es una obra escrita por el poeta Friedrich von Schiller (1759-1805) en noviembre de 1785 y publicado por primera vez en 1786. En 1792, cuando tenía 22 años, Beethoven conoció la obra y enseguida quiso musicalizar el texto, surgiendo así la idea que acabaría siendo con los años su Novena y última sinfonía en Re Menor, Op. 125, cuyo movimiento final es para coro y solistas sobre la versión definitiva de la «Oda a la Alegría» de Schiller. Esta pieza musical ha pasado a ser el Himno Europeo.

En este enlace tenéis varios vídeos con dicha pieza interpretada por alumnos míos: Laura, Carmen, Antonio, Inés y Carlos.
En 2011, en Tokio, 167 músicos interpretaron algunos de los clásicos de Beethoven con el «Matryomin», un nuevo instrumento que alberga un theremin dentro de una matryoshka. La matryoshka, por supuesto, es la tradicional muñeca rusa de madera en la que podemos encontrar muñecas cada vez más pequeñas metidas unas dentro de las otras.
No podía faltar un flashmob:
Y, por supuesto, la obra interpretada por el coro más grande del mundo:
¡Pura emoción!

 

Uno de los aspectos que más agradezco a mis profesores de piano es el hecho de que me hubieran obligado desde pequeña a memorizar las piezas para piano, tarea sencilla si empiezas memorizando pequeños fragmentos y tienes buen oído. Es una tarea fundamental para mejorar la interpretación de una pieza, ya sea de piano o de cualquier otro instrumento. Desde mi experiencia os aseguro que si empezáis a memorizar desde un principio, conseguiréis que al cabo de un tiempo se convierta en algo automático mientras estudiáis, no una tarea adicional, al menos cuando se trata de piezas sencillas.
Incluso mis alumnos más pequeños han empezado a trabajar conmigo el proceso de memorización. Prueba de ello son los siguientes vídeos, cuya protagonista es Nayara.
Cocinamos música sin ver la receta

Por último, insisto en que considero fundamental en el terreno de la enseñanza compartir material. Y eso es lo que voy a hacer a continuación, recomendándoos blog que no tienen desperdicio alguno. Algunas las podéis ver en la barra lateral de este blog.

 

Y, de regalo, este precioso vídeo:

Las escalas pentatónicas y su difusión mundial

Las escalas pentatónicas están difundidas no en todo el mundo, pero casi en 3/4 partes de las culturas el mundo. ¿Por qué el género humano la tiene tan interiorizada?

Escala de Do Mayor pentatónica en el teclado y su transcripción en un pentagrama.

 

El podcast titulado Pentatónicos universales (I) empieza con Bobby McFerrin improvisando con su público en pentatónico. ¿Por qué el género humano tiene tan interiorizada la escala pentatónica?: África Central, China, América, Indonesia, Irlanda… Hay incluso una Misa Pentatónica del coreano Jung Pyo Hung. Pero los artistas formales europeos no la veían seria.

 

¿Os atrevéis a cantar con Bobby McFerrin?

 

Captura de pantalla del enlace azul insertado más arriba. Cliquead en la flecha rodeada de verde para descargar el archivo.

 

Tres tendencias pentatónicas:

  • 1) Imitar lo chino:

El primer occidental pentatónico fue Joseph Marie Amiot (1751), porque se fue a Pekín: su Misa de los Jesuitas. Weber adoptó un orientalismo pentatónico un poco turístico en Turandot (1809). Cherubini también, pero en Alí Baba (1833), que no tenía nada que ver. Hasta Puccini no se tomó la cosa en serio: Turandot, 1926 (que recoge la canción china del jazmín, Moli Hua), y Madama Butterfly, 1907 (con el tema del destino en pentatónico). Debussy y sus Pagodas (1903).

Esta obra parte de la escala pentatónica de Si

 

  • 2) Imitar lo escocés/irlandés:

Haydn en sus Canciones escocesas: «Does Haughty Gaul» (1803). Max Bruch en su Fantasía Escocesa (1880) que cita «Through the wood, Laddie».

 

  • 3) La «llamada de la naturaleza».

La tenemos en la Fantástica de Berlioz (1830), en el Krakoviak de Chopin (1828), en Mireille de Gounod (1864), en el pájaro de Sigfrido (1871) de Wagner, y especialmente en la alondra de Vaughan Williams, The lark ascending (1920) como emblema de libertad. Aunque la pentatónica más conmovedora de Wiiliams quizá sea el lamento de la Tierra en su Sinfonía Pastoral (1921). ¿Será que la escala pentatónica es uno de esos -temidos por los musicólogos sesentayochistas- UNIVERSALES en la música?

 

La escala muestra el lado impresionista del estilo del compositor