Sonus de Gaia es un proyecto musical creado por el artista taiwanés King Sing y el gallego-dominicano José García.
Estos dos músicos de orígenes tan dispares, se conocieron en el 2010 siendo estudiantes en la Berklee College of Music de Boston. Durante su estancia en Estados Unidos, se interesaron por la musicología mundial e investigaron las posibilidades de un nuevo sonido. Tras finalizar el período en Berklee, José se trasladó a tierras asiáticas con King Sing. Allí compaginaron la composición y la producción musical con el estudio intensivo de la música celta, taiwanesa y dominicana.
GAIA FORMOSA, SU NUEVO DISCO
Tras cinco años de diálogo musical y en un momento de cambios a nivel mundial, SDG nos obsequia con Gaia Formosa (“Tierra Bella”). Es un trabajo de carácter internacional y extraordinaria riqueza cultural que ve la luz en este mes de octubre de 2020. Se trata de un proyecto compuesto por diez temas en el que la fusión intercultural y las tradiciones ancestrales confluyen en armonía con la naturaleza. Se convierte en un viaje musical sin precedentes, más allá de las fronteras, para enviar un mensaje de consciencia y de conexión con el cosmos, con la madre tierra y con nuestro interior.
Grandes músicos de Taiwán, Japón, España, República Dominicana, El Líbano o Venezuela, entre otros, han sido invitados a tocar y a participar juntos para dar forma a Gaia Formosa. Cabe destacar la colaboración especial de Jorge Pardo, mejor músico europeo de Jazz en el 2013 y flautista del legendario Chick Corea; la participación de Anxo Lorenzo, gaitero y flautista celta internacional; la de Javier García Escudero, ganador de un Grammy Latino que ha sido el responsable de mezclar el disco y la de Greg Calbi, ganador de un Grammy en 2019 que se ha encargado de la masterización.
Con todo esto, SDG busca cautivar al oyente, invitándolo a reflexionar y haciéndolo disfrutar de una experiencia sonora sorprendente.
La música es universal, es el puente que nos une, que conecta culturas y que nos hace ser uno en el Universo.
Además, de Sonus de Gaia, os invito a visitar las publicaciones en las que apoyo a otros músicos, como María Mendoza y Valentín Dacova.
Artistas cuyos discos gozan de una gran calidad, pero son menos publicitados por los medios de comunicación: «Argana», de Roberto Oliveira, y «Space», de f.e.r.a.
Si bien la semana pasada os hablé sobre los discos de Valentín Dacova y María Mendoza, ésta es el turno de Roberto Oliveira, con su disco «Argana», y Space», de f.e.r.a. Conozcamos más cada uno de ellos.
Roberto Oliveira, percusionista especializado en Percusión, Electrónica y Arte Visual, presenta “Argana”, un nuevo espectáculo en donde los instrumentos de percusión, electrónicas y el arte visual se suman produciendo un lenguaje sonoro-visual con una sinergia llena de actualidad. Percusión para escuchar, ver y sentir. Una auténtica explosión de sensaciones que te sumerge en un viaje extraordinario lleno de texturas, que se funden con sonidos electroacústicos del percusionista. Roberto Oliveira está considerado uno de los artistas más creativos, atrevidos e innovadores del panorama musical contemporáneo.
«Es un trabajo de música electroacústica con una estética totalmente minimalista. Es un disco para percusión y diferentes manipulaciones electrónicas, con fuertes rasgos rítmicos e incluso tribales, en donde he querido jugar al máximo con la construcción y deconstrucción métrica. Plasmar en formato CD este juego métrico, mayoritariamente con instrumentos de percusión de sonido indeterminado, es un riesgo-gustillo que me apetecía asumir y sentir».
«La enseñanza de la música no debería encasillarse sólo en la música que normalmente denominamos clásica; la música popular contemporánea está llena de gran riqueza melódica, armónica, rítmica, etc.».
Puedes comprar su disco en sus conciertos o poniéndote en contacto con Roberto a través de su correo: info@robertoliveira.es
f.e.r.a. es un cuarteto instrumental portugués de música original. Se diferencia por su capacidad y voluntad que tiene en colaborar con diversos artistas de los más variados estilos musicales a través de la creación original de beats y canciones. Influenciados no sólo por la pasión y el gusto colectivo por el hip-hop y el Soul sino también por su formación jazzística, el resultado es una fusión la cual su sonoridad singular se encuadra en la esfera del R&B alternativo o del Neo-Soul.
Los integrantes del grupo son João Freitas (batería), João Bernardo (teclados), Feodor Bivol (guitarra) y Ricardo Marques (bajo). Su primer single, titulado “The River”, cuenta con las rimas de Synik y la voz de Catarina Ortins. (Cliquear en la siguiente imagen para escuchar fragmentos del disco).
«Space», el tercer single del disco, fue grabado en Lisboa por Bruno Xisto:
Recuerda que también puedes seguir mi proyecto a través de las redes sociales. ¡Un abrazo musical!
En muchas ocasiones escuchas discos en Spotify para entretenerte. Es importante ser consciente de que la música es más que eso: implica una conexión profunda con el arte.
En esta ocasión te voy a recomendar los discos de Spotify de Valentín Dacova y de María Mendoza. Pero antes me gustaría que leyeras unas breves palabras, así no te acostarás sin aprender una cosa más…
¿Sabes que si entras en Spotify y cliqueas en «siguiente» antes de llegar al segundo 30 no se suma como una reproducción? Esto implica que no le van a pagar al artista. Si escuchas 5 canciones de 2 minutos, el algoritmo cuenta 5 reproducciones, por lo que va a creer que te gusta más que si escuchas una 1 canción, aunque dure 10 minutos. La información sobre tu respuesta queda grabada en una base de datos para recomendarte otras canciones a ti y a personas con gustos similares a los tuyos.
Así, hay más probabilidad de que te recomiende más canciones del mismo cantante o cantantes parecidos que, como son cortas, es menos probable que las pares, y se va creando un círculo vicioso del que es difícil salir, porque es más cómodo quedarnos en nuestra zona de confort . Te vas a quedar más tiempo escuchando música en Spotify. Y es que en Internet no se vende el contenido, sino el tiempo que empleas viendo ese contenido.
Por desgracia, en el mundo actual es más importante que te escuchen a tener algo que decir. ¿Cómo llaman los músicos tu atención para que escuches su música? Haciendo sonar al comienzo de la canción un estribillo pegadizo. Podríamos decir, por tanto, que la estructura de las canciones pop está cambiando.
Te invito y animo a que le des la vuelta a estas ideas, a que investigues y te familiarices con dos discos: uno con voz acompañada y otro puramente instrumental. Estoy segura de que se convertirán en tus verdaderos amigos: estos nunca van a hacer todo lo posible para llamar tu atención sólo para luego decirte lo que quieres escuchar. Ojalá el análisis de los datos que obtienen plataformas como Spotify se inviertiera en artistas que están innovando y tengan un mensaje interesante que transmitir. Rompe moldes, sal de tu burbuja musical y así tendrás un abanico musical más amplio que te permitirá crear tus verdaderos gustos musicales, sin manipulación.
En cuanto al disco «Como duermen las jirafas», en palabras del propio Valentín Dacova:
«Los temas de este primer disco son una recopilación de momentos, sentimientos, vivencias y experiencias escritas desde los 15 años hasta hoy en día. Letras crudas y sin colorantes que me han ayudado a sacar de dentro cosas que me impedían seguir avanzando».
Es bueno echarse flores de vez en cuando, así que diré que tengo buen oído musical y conocimientos amplios de lenguaje musical. De hecho he editado todas las partituras del disco de Valentín. Además, en la sección Descargas, tienes disponibles partituras de canciones muy variadas para piano.
Por otro lado, el disco «Cronos», de María Mendoza:
«cierra una trilogía, junto a «Intro» y «Nova». Intro, máquina del tiempo; Nova, máquina del espacio y Cronos, una vez explorado el más allá, máquina de cosechar que nos devuelve a los orígenes, a lo terrenal, a nuestro planeta y a sus sonidos y a su música. Cronos es la búsqueda del equilibrio, pivotando sobre dos ejes: izquierda-derecha y arriba-abajo.
¿Izquierda-derecha? Cronos nos propone ser protagonistas de un juego en el que, como Alicia a través del espejo de Lewis Carroll, todo lo que sucede en un lado tiene su reflejo metafórico en el contrario. Cada pieza de este disco tiene su hermano bastardo, su reflejo en el espejo, su medio pomelo, ya que las medias naranjas no existen en este mundo.
¿Arriba-abajo? Cronos, patrón griego de la cosecha, es, a la vez, la personificación griega de la cosecha. Porque este disco no existiría sin el tiempo, el metrónomo, la fuerza del pulso. Este tiempo que hace tirar hacia delante sin mirar atrás, que da ese empujón para lanzarse al vacío, que hace crecer lo plantado. Porque cuando una planta crece hacia arriba, buscando la luz, aparece vida también por abajo, en las raíces, en el inframundo, en las entrañas de la Tierra. ¡Y cuántas veces nos atrae más lo oculto que lo visible!
¿Te atreves a atravesar el espejo y a sumergirte en las entrañas de la Tierra?
Espero que te gusten los discos de Spotify que te he recomendado. Recuerda que también puedes seguir mi proyecto a través de las redes sociales. Por último, te invito a visitar mi tienda. ¡Un abrazo musical!
Lista de libros de música recomendados para todos los gustos y edades. Así celebro el «Día del Libro».
(Las letras en violeta son enlaces. Aunque la mayoría de los enlaces llevan a La casa del libro, donde podés leer más información, recomiendo comprar siempre en negocios locales, y más en esta época. Desde aquí todo mi apoyo).
«Máximo Pradera es un experto en seriedades melódicas. Aquí ilumina el complejo mundo de la música clásica con una excusa pintoresca: suministrar la información necesaria para deslumbrar con arcanos conocimientos al objeto de nuestros deseos o nuestros desvelos. Este fascinante tratado va más allá de lo estrictamente amatorio: los farsantes sacarán
provechosas ideas de sus páginas, pero pensamos que será aún más benéfico para quienes aspiran a ampliar sus horizontes.»
Esta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20; desde la Alemania de Hitler o la Unión Soviética de Stalin al Nueva York de los años 60. Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más infl uyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del gran público y desafi aron a dictadores. Alex Ross ha fi rmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y ruidoso.
Jimmy McDonough, admirador a ultranza de Young, consiguió establecer una relación privilegiada con el músico y se embarcó en un proceso de documentación exhaustivo y meticuloso que le llevaría casi diez años. McDonough logró no solo ofrecer un retrato feroz del canadiense sino que consiguió plasmar de manera apasionada e intensa cuatro décadas de rock por las que brillan con luz propia, además de Young, prácticamente la totalidad de sus allegados.
Mike Oldfield, músico singular, huidizo, camaleónico, tremendamente efectista, ha sido capaz de sorprender con sonidos de todo tipo desde que en 1968 se publicó su primer disco. Children of the SunMúsico en continua evolución, domina numeros instrumentos y ha ido introduciendo paulatinamente la más moderna tecnología en sus grabaciones. Pocos artistas han conseguido como él números uno con intervalos de tiempo de más de veinte años. Entre sus discos de mayor éxito se pueden destacar: Tubular Bells (1973), QE2 (1980), The Killing Fields (1984), Tubular Bells II (1992) y The songs of Distance Earth (1994).
Hasta la fecha no existe en castellano ninguna obra que, más allá de ser una introducción, ofrezca una historia de este género musical clave. El presente libro aspira a ocupar ese vacío y contar esa historia, pero no como un mero inventario de obras o una simple acumulación de datos, sino planteándola desde el análisis musical, señalando cuáles son las premisas estéticas en las que se funda o cómo ha ido evolucionando a lo largo del tiempo.
En cuanto a libros de música sociológicos, os recomiendo, entre otros, el siguiente:
Considerado uno de los mejores ensayos estéticos sobre el gusto musical de la década, Música de mierda investiga el mal gusto y la sensiblería musical a partir de una contradicción: ¿por qué la persona que más discos vende es de la que más gente se ríe? Carl Wilson quiso hacer una investigación sobre el éxito de Céline Dion pero se descubrió escribiendo un ensayo maravilloso sobre el amor (a la música), el esnobismo como coraza y la capacidad de emoción en tiempos de cinismo.
Por supuesto, también destaco libros de música infantiles:
Arrecife, su niña protagonista, encarna algo de la mujer esencial. La disonancia es a la música lo que la discordancia al lenguaje. Y el mundo es al desconcierto como la mujer es a la propuesta de un nuevo orden, disonante e igualitario. Recordemos que el mundo tal como lo conocemos hoy y ahora es fruto de hombres. Esta armonía, a simple vista y en primera escucha, a nadie debería contentar.
Es una novela musical infantil para niños y niñas a partir de 9 años. En la historia se mezclan la música, la magia y la educación en valores: educación para la paz, el diálogo, la ecología, el trabajo en equipo, el fomento de la lectura, la curiosidad, la búsqueda de la belleza, etc. Cada capítulo es acompañado por una pieza para piano seleccionada para cada aventura.
A Paco le encanta tocar la música de Mozart con su amigo Fonzy, pero sobre todo le gusta escuchar a los músicos que hay por toda la ciudad. ¡Además hoy es la fiesta de la música en París!
A través de la música contaremos la historia de una mariposa que termina su metamorfosis con el sonido de los instrumentos musicales. Os embarcaréis en un viaje musical alrededor del mundo pasando por Brasil, Cuba, Jamaica, los Balcanes, Estados Unidos, Galicia, y lugares mágicos que están por descubrir. Cantaréis con Lydia el estribillo que nos llevará al siguiente lugar transportando una misma melodía por géneros musicales como la bossa-nova , el rap, el son cubano, el reggae, etc.
LIBROS DE MÚSICA EN OTROS IDIOMAS
Dejándome llevar por mi vena lingüística y mi gran defensa de todos los idiomas, os recomiendo una pequeña colección de libros en gallego. Se trata de literatura infantil destinada a niños de 5 a 8 años:
Pitusa Semifusa é un mollo de cancións de Olga Brañas protagonizadas por unha nena dese mesmo nome, neta dunha famosa directora de orquestra e que, logo de herdar dela un gramófono, sinte curiosidade por coñecer todas as familias de instrumentos. Ao longo das distintas cancións, nas que participan as voces e os músicos máis importantes de Galicia, Pitusa Semifusa irá avanzando polos pentagramas de todos os instrumentos, de tal xeito que a medida que van avanzando os temas, se van incorporando máis e máis ata rematar nunha completa Festa Musical.
Que acontece cando dous grandes da musica, como Uxia e Magin van de visita a casa dun grande da poseia como Manuel Maria? Que o cuco se pon a cantar… Libro disco para gozar coa musica e cos poemas do autor homenaxeado no Dia das Letras Galegas 2016.
Discordia é unha bruxa que é feliz destruíndo a paz, facendo que todos os animais, e os humanos, se leven mal. E come olivas como unha tola… Con todo un día vai acontecer algo que cambiará o seu mundo, e o mundo enteiro, para sempre.
Y las últimas recomendaciones que me han hecho en inglés:
Espero que te hayan gustado estas recomendaciones de libros musicales. Recuerda que también puedes seguir mi proyecto a través de las redes sociales. ¡Un abrazo musical!
La escritura es uno de los grandes inventos de la humanidad. En música sirve para hacer evolucionar el lenguaje de la música y permite que se conserven las obras de los compositores a lo largo del tiempo. Pero las notas musicales no fueron un invento que se realizara de un día para otro. Anímate a conocer su origen y evolución.
Los primeros signos, llamados neumas, surgieron en el s. IX, y se escribieron encima de los textos para indicar la dirección de la melodía. Eran solamente una ayuda para la memoria del cantor. Poco tiempo después se ubicó cada neuma a distinta altura para indicar el intervalo exacto y la dirección melódica: notación diastemática. Pronto se comenzaron a utilizar una o dos líneas horizontales que indicaban notas concretas, siendo este el antecedente inmediato de lo que siglos después sería el pentagrama.
Sólo faltaba encontrar una manera de representar la duración del sonido. El camino fue un trayecto de varios siglos, hasta que surgió el organum (dos o más melodías que sonaban a la vez). Estas sonoridades dieron paso de manera paulatina al surgimiento de la polifonía. A finales del siglo XII, en la Escuela de Notre Dame de París, entra en escena un nuevo tipo de notación musical, ya que indica con exactitud la duración de las notas.
A medida que se fue haciendo más compleja la música del siglo XIII se hizo necesario ampliar el sistema de escritura rítmica. Fue así que surgió la notación franconiana. Con la entrada del Ars Nova en el siglo XIV se ampliaron de nuevo las posibilidades rítmicas y se puso nombre a cada tipo de división.
Al pasar a los siglos XV y XVI, en pleno Renacimiento proliferó la costumbre de no rellenar las notas, surgiendo la «notación blanca».
En el siglo XVII, a inicios del Barroco, se comenzó a indicar la división de las partituras por medio de las barras de compás.También se inventó un método de simplificación armónica, el “bajo cifrado”.
CANCIONES PARA APRENDER LAS NOTAS MUSICALES
Sonrisas y lágrimas, musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, está basado en el libro de María von Trapp La historia de los cantantes de la familia Trapp. Su tema más popular, «Do, re, mi» está protagonizado por Julie Andrews actriz y cantante británica, conocida especialmente por sus papeles en películas como Mary Poppins (1964), The Sound of Music (Sonrisas y lágrimas, 1965) Victor Victoria (1982) y The Princess Diaries (2001).
En el siguiente vídeo interpreto una versión sencilla en el piano.
A continuación ofrezco más vídeos con canciones muy variadas cuyas protagonistas son las notas musicales. Recuerda que las canciones son uno de los mejores métodos de aprendizaje. Si quieres más propuestas de otras canciones con diferentes temáticas y en diferentes idiomas te recomiendo visitar la publicación Canciones infantiles en homenaje a todos los niños y niñas.
https://youtu.be/GE3Oiq0Vuvk
Recuerda que también puedes seguir mi proyecto a través de las redes sociales.
La música africana es una de las mejores medicinas en estas semanas de aislamiento, y con movimiento, mejor aún. Acompáñame a África y disfruta su música.
SHOSHOLOZA
Shosholoza (ver letra y traducción) es una canción tradicional popular originaria de Rodesia (actual Zimbabue). La canción era interpretada usualmente por cuadrillas de trabajadores masculinos que se alternaban siguiendo un esquema de llamada y respuesta, utilizando la metáfora del tren como idea de huida y liberación del trabajo esclavista, de forma similar a como se utilizaba en muchos espirituales negros cantados en Norteamérica. Shosholoza es una palabra zulú que significa «ir hacia delante» o «dejar paso al siguiente», y recuerda también la onomatopeya que produce el tren a vapor (stimela) del que habla la canción.
No debes olvidar la parte emocional de la música. Aunque la utilización actual de Shosholoza en eventos deportivos pudiera sugerirlo, no es originariamente una canción alegre o de victoria. La cantaban los trabajadores de Rodesia de camino a las minas del Transvaal.
¿Te animas a bailarla con un balón? Fíjate en el siguiente vídeo. Aunque parezca un poco caótico, el grupo de la izquierda y el de la derecha realizan los mismos movimientos. El del centro cambia el ritmo y, por tanto, los movimientos.
SANSA KROMA
Sansa Kroma es una danza tradicional de Ghana. «Akroma» es un halcón. «Sansa» connota un halcón vagabundeando, volando en círculos. La letra dice: «Sansa, el halcón. Eres huérfano, así que arrebatas pollitos». A los niños Akan que cantan esta canción se les recuerda que si algo les sucediera a sus padres y se convirtieran en huérfanos, no tendrían que deambular solos, tratando frenéticamente de satisfacer sus propias necesidades. Serían acogidos por un pariente o una familia en su pueblo «.
Letra de esta música africana dice así: Sansa kroma /Ni ne wo / Che che kokoma (bis).
También puedes practicar este juego con tu familia o amigos.
¿Te animas ahora con un vaso de plástico u otro objeto?
ZIMBOLE
Zimbole es una canción optimista, pero muy simple, que se origina en África (posiblemente a través de Alemania). El texto de la canción es simplemente «Zimbole» con una melodía fácil de cantar seguida de un patrón de percusión corporal simple.
Como modelo a seguir, fíjate en el tercer niño de la fila delantera:
SIMAMA KA
Es un juego de Tanzania. La coreografía más sencilla con niños de preescolar es la más fiel al contenido de la letra original y la traducción del swahili: «de pie sentados, de pie sentados, salta salta salta, de pie sentados, moverse corriendo, moverse corriendo, salta salta salta, de pie sentados».
Y, para finalizar, una coreografía sencilla. Sigue mis pasos, que te ayudo:
Hablando de viajar, cuando fui de viaje a Lisboa, ciudad de la que estoy enamorada, vi por primera vez un n`goni, un arpa africano. Y recuerda, baila siempre, estés animado o con menos energía. ¡La música es pura vida!
